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Con la Prof. Carmen Corrales - 3er. Encuentro de Coros Infantiles y Juveniles en el Macció

El pasado domingo 28 de agosto de 2022, se realizó en el Teatro Macció el “3er. Encuentro de Coros Infantiles y Juveniles”. Participaron el Coro Infantil y Juvenil de la Intendencia de San José, dirigido por la Prof. Carmen Corrales; el Coro de Niños de Ecilda Paullier, dirigido por el Prof. Santiago Arnejo; y “El Corito de la Iglesia Evangélica Valdense, de Colonia Valdense”, dirigido por el cantautor Santiago Wirth. Conversamos con la Profesora Carmen Corrales, el sábado 27, sobre este “Encuentro…” y sus actividades como docente, pasiones que trasmite a sus alumnos.

El renovado placer de los encuentros corales

Directora de Coros de la Intendencia de San José, Prof. Carmen Corrales- _ Mañana 28, tenemos el 3er. Encuentro de Coros Infantiles yJuveniles. Ya habíamos comenzado a hacerlos antes de estos dos años de pandemia, en los que estuvimos en pausa, como ocurrió con todas las actividades. No pudimos realizar encuentros de coros ni en 2020 ni en 2021.

Si mal no recuerdo se habían hecho en 2017 y 2018. Ahora pudimos retomar los encuentros.

_ ¿Quiénes organizan este Encuentro?

_ Está organizado por nosotros: el Coro de Niños con la Dirección general de Cultura de la Intendencia, la Casa de la Cultura de San José, el

Carmen Corrales dirigiendo al Coro Infanil y Juvenil (detalle), en la canción "Abre la ventana"

Teatro Macció. Surge desde "el elenco" de la Intendencia de San José.

Coros de Ecilda Paullier y de Colonia Valdense en el Macció

_ Tú eres Directora de Coros de la Intendencia…

_ Soy Directora del Coro Infantil y Juvenil o de Niños y Jóvenes, como se le designa a veces. Tenemos integrantes desde los 7 hasta los 15 años.

Para organizar los encuentros de coros, me contacto con directores conocidos. Es importante señalar que no hay muchos coros de niños. Por otro lado, recién están comenzando a armarse. Comentábamos con los directores de coros, que este año estamos como empezando de nuevo, por el cese de actividades.

En este espectáculo en el Macció, éramos cuatro coros invitados. Quedamos tres, porque la Directora de Coros de Ciudad del Plata, Giovanna Fuco, está enferma. Además del nuestro, está el Coro de Niños de Ecilda Paullier, dirigido por Santiago Arnejo y el Coro de Niños de Colonia Valdense, dirigido por Santiago Wirth.

_ Hubo épocas en las que participaban muchos coros en los encuentros…

_ Nosotros cuando organizamos los encuentros, no nos gusta atiborrar cantidad de coros, porque eso hace que sea muy largo el espectáculo. Los niños tienen un cierto tiempo de atención plena, y tienden a distraerse después. Preferimos que sean menos coros, pero que cada coro pueda realizar un espectáculo de mayor duración. Considero que el número ideal de coros participantes es cuatro, porque su actuación dura aproximadamente 1 hora 20 minutos.

Cada coro tiene su impronta

_ Es así. También hay que contemplar al público, para que le disfrute más.

¿Ustedes establecen previamente cuántas canciones pueden interpretar cada coro participante?

_ En general lo que establezco es la cantidad de tiempo que dura cada participación. Les pido que sean unos 15 minutos. Cada director y su coro, deciden cuántas canciones van a interpretar. Las canciones tienen una duración de tres minutos o más, pero hay canciones que llevan más o menos tiempo que ese. De ese modo, el director o la directora de cada coro deciden qué canciones hacen en esos 15 min.

_ ¿Coordinan entre ustedes las canciones que van a interpretar para no repetirlas?

_ A veces comentamos eso, sí. En esta ocasión no hablamos sobre eso, por lo que tal vez se repita alguna canción, pero como cada coro le da su impronta, el público escucha dos versiones de la misma canción…

_ ¿Qué canciones van a cantar este domingo los coros que tú diriges en la Casa de la Cultura de San José?

_ Interpretaremos “Estaciones”, de Juan Arsuaga, uruguayo autor de canciones infantiles; “Árbol” de Mariana Mallol [argentina]; “Glu Glu”, de Cuatro Pesos de Propina; “Un pato”, canción brasileña [“O pato”, de Joao Gilberto], pero nosotros hacemos la versión de la argentina Natalia Lafourcade; y “Abre la ventana” del Dúo Karma.

Músicos acompañantes: muchos años con Rosario, ahora con Javier

_ ¿Qué días ensayan contigo en la Casa de la Cultura?

_ Ensayamos los viernes, en dos grupos, con dos horarios distintos: un grupo de 16.30h a 17.30h; y el otro, de 17. 45 a 18.45h. Eso nos está facilitando para empezar a armar canciones a dos voces. Con cada grupo trabajo una voz diferente. Este año van a poder escuchar una canción interpretada a dos voces. Cada dos meses, ensayamos una vez, un sábado de mañana, para juntar a los dos grupos.

_ ¿Quién es el músico acompañante en los ensayos y en la actuación de este domingo 28? El año pasado la Profesora Rosario Alpuy (*) se jubiló…Ya era icónica como pianista acompañante de la Casa de la Cultura, del Liceo… Me imagino que la mirabas y ella ya sabía qué querías…

_ ¡Así era! ¡Hacía 21 años que Rosario y yo trabajábamos juntas! Yo comencé a dirigir el Coro del Liceo Nº 1 (IDAE), en el año 2000, cuando se jubiló Carolina Diana y ya Rosario Alpuy era la pianista acompañante. A partir de ahí y hasta el año pasado trabajamos juntas con Rosario.

_ Carolina fue otra excelente docente de Música y directora de coros…

_ Sí. Ahora contamos con el acompañamiento de Javier (Carancho) González. Hace tres semanas que ensayamos con él, porque antes lo hacíamos con Laura Morales, pero ella dejó esas horas. Se convocó a Javier quien también había concursado para ocupar ese cargo.

_ Javier tiene un gran talento como músico…

_ ¡Sí! Él es el músico acompañante para el Coro Infantil y Juvenil, para el Coro Mayor, y para las actuaciones.

**Carmen: siempre la música y los coros**

_ Trabajas como docente con otros grupos y también en otras instituciones…

_ Estoy trabajando en la Casa de la Cultura de San José con el Coro Mayor. Los mayores ensayan los martes y los viernes, de 20 a 22 horas.

Hace años que también doy clases en el Instituto de Formación Docente de San José (IFD).

_ ¿En el IFD de acá qué asignatura das?

_ Estoy trabajando como docente de Expresión Musical con estudiantes de la carrera de Magisterio y con los futuros Maestros de Primera Infancia (MPI).

_ ¿Y en el Instituto de Profesores Artigas en Montevideo?

_ Voy a Montevideo a dar clases de la asignatura “Organización y Dirección de Coros” en 1º y 2º años, en el Curso de Profesorado de Educación Musical. Se enseña cómo llevar adelante un coro, a hacer arreglos musicales… Este año podemos dar todas las clases en forma presencial.

Sigo dando clases de Música en Educación Secundaria, en Bachillerato Artístico.

Más cantos compartidos con alegría

_ Dentro de un rato te vas para Tarariras…

_ Sí. Salimos hoy [sábado 27] a las 17 h, con el Coro Mayor de la Intendencia de San José, a un encuentro que organiza el “Coro Popular Artilleros”, se hace en el ex Cine Rex de Tarariras a las 20 horas. Vamos a hacer primero una prueba de sonido. Nos encontramos con ese coro de Artilleros, un coro de La Paloma (Rocha) y el Coro Municipal de Rocha.

_ ¿Cuántos integran el Coro Mayor de la Intendencia que diriges?

_ Somos 48… Y con este Coro de adultos tenemos junto a nosotros siempre a la Fonoaudióloga Claudia Sarazola. Ella ya estaba cuando comencé a trabajar con los Coros en la Casa de la Cultura de San José.

_ ¿Quieres puntualizar algo más?

_ Estamos planificando para el 2 de octubre, un Encuentro de Coros de Adultos en el Macció a las 20h, pero más adelante tendremos más detalles sobre esa actividad. Está en el marco del fin de semana del Patrimonio 2022.

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El Macció fue una fiesta el domingo 28

El Macció fue un goce de cantos, ritmo y música, para el público de todas las edades, gracias a los tres coros participantes. Es muy difícil (y quizá injusto), elegir canciones de cada repertorio, pero destacamos algunas. El Coro dirigido por Carmen Corrales hizo vibrar a todos con la bellísima “Glu glu”; la jocosa “Un pato”; y “Abre la ventana”, con mensaje a tener en cuenta que impele a moverse, también por su “coreografía”. El Coro dirigido por Arnejo, fue muy aplaudido por sus sutilísimas voces en “Vuela mariposa”, una canción para dormir, y “La Farolera”. “El tren”, “El abrazo” y “Amando ando”, de “El Corito…”, y su director Wirth, también contagiaron con su ritmo y melodías. Todos los coros y el público nos unimos a cantar, y hacer gestos en “La Barca”, dirigidos por Carmen…

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(*) La Profesora Rosario Alpuy, también fue Directora del Conservatorio Departamental de Música de San José, durante varios años.

Esta entrevista fue publicada el martes 30 de agosto de 2022, en la pág. 7 del periódico "Visión Ciudadana" de San José de Mayo, Uruguay

27 de agosto, Cantorcita , espectáculo con Laura Canoura en el Macció

Sábado 27 de agosto: Laura Canoura en el Macció - “Cantorcita tiene mucho que ver con mi presente y mi pasado”

El sábado 27 de agosto de 2022 a las 20.30h, retorna al Macció la emblemática y premiada cantante y compositora uruguaya Laura Canoura, con su espectáculo “Cantorcita”, junto al reconocido compositor y guitarrista Carlos Gómez. Hicieron un recorrido muy exitoso por salas montevideanas en este formato íntimo. Interpretarán las canciones del disco homónimo, y otras que conforman la trayectoria de Laura, de más de cuatro décadas. Su dominio del escenario y su riqueza de matices interpretativos, aunados a la guitarra de Gómez, son una cita ineludible… Entradas: Platea y palcos $ 600. Cazuela $ 550.Paraíso $ 500. Venta por Tickantel.

Un espectáculo que surgió en la pandemia

_ Has hecho versiones hermosas de canciones de distintos músicos e intérpretes, eres cantautora y actriz (fue memorable cuando encarnaste a Edith Piaf). Tu timbre tan singular de voz, hace que todos te reconozcamos cuando escuchamos una canción interpretada por ti.

_ Sí. Es una característica. Me parece que tiene que ver “con mi voz hablada”, porque está muy ligada a mi manera de cantar.

_ Hiciste ya el espectáculo “Cantorcita” en 2020…

_ Se originó en plena pandemia. Pensé en algo que fuera posible para la situación en la que estábamos. Yo acababa de cerrar una etapa con la banda que me acompañaba antes, que estaba dirigida por Andrés Bedó. Quería hacer un espectáculo en torno a la guitarra, que ha estado muy vinculada a mí desde mis comienzos, y a esta parte del mundo donde nos tocó nacer… Así fue que di con Carlos Gómez, recomendado por Jorge Noccetti, un “viejo” colega con el que hice varios espectáculos de guitarra y voz.

Carlos Gómez y Laura Canoura (foto extraída de diario El Pueblo, de Salto, Uruguay)

El “descubrimiento” de Carlos Gómez, gran compositor y guitarrista

_ Viniste con Jorge Nocetti al Macció, el 9 de marzo de 2001, con la gira del espectáculo que tenía el mismo nombre del disco compacto que presentabas: “Esencia”.

_ Sí. Estuvimos Jorge y yo por lo menos, en dos oportunidades, y después con la banda, porque él era guitarrista de la banda con la que estuve varios años.

Jorge me recomendó que escuchara a Carlos Gómez e investigué qué hacía. Es un gran guitarrista que acompaña a mucha gente, tocando todo el repertorio popular como puede ser el folklore, tango, balada… Además, descubrí que es un gran compositor. Nos encontramos Carlos y yo y en seguida hicimos un muy buen link, porque es una persona encantadora.

Mi idea para el espectáculo era reproducir lo que había hecho con tanto éxito como cuando se hizo “Esencia”. Buscamos un repertorio “excusa”, para conocernos, y prepararnos. Empezaron “a llegar” canciones. Algunas tenían mucho que ver con mi historia personal, ya que las había escuchado cuando era adolescente, niña… Me refiero a canciones como “Golondrinas”, con letra de Jaime Dávalos y música de Eduardo Falú, “Fina estampa” de Chabuca Granda…Otras, son canciones que forman parte de mi escucha de toda la vida, como Eduardo Darnauchans que aparece también [Desconsolados 2].

“Te pido porque sé que es tiempo de pedir/
Cantame una zambita Marilí” (*)

_ “Cantorcita” es de Juan Falú…

_ Sí. Incorporé canciones tanto de Juan Falú como de Juan Quintero, porque las escuché durante la pandemia, y también de Jorge Fandermole, con quien he trabajado... “Cantorcita” era uno de esos temas y es la canción que resume el espectáculo.

_ Esta canción alude a una mujer que no quería cantar más… ¿Tiene algo que ver con tu historia personal o no?

_ Cuando escuché por primera vez la canción, le escribí a Juan Falú y me contestó que se la había dedicado a Marilí, cantora tucumana madre de Juan Quintero, quien es su amigo. Me sentí muy identificada. Hay momentos en la vida, en que uno tiene ganas de abandonar el camino profesional que ha seguido, no necesariamente por bajón, tristeza o desamor hacia lo que uno hace, sino por amor hacia otras cosas. Me refiero a la maternidad, al amor, a un nuevo oficio que aprendiste… En mi caso, empecé a dar clases particulares en Montevideo hace seis años. Eso movilizó mis gustos e intereses. A medida que seguí escuchando “Cantorcita”, me percaté que tenía que ver con mi pasado remoto, con esa “cantorcita” que fui cuando comencé a cantar en el grupo “Rumbo”, sin tener más que gusto y pasión por lo que hacía, largándose al ruedo a cantar de la manera más inconsciente... “Cantorcita” tiene mucho que ver con mi presente y con mi pasado.

_ El grupo “Rumbo” marcó época en la música popular uruguaya. Es un referente ineludible, y no solo por el tema “A redoblar”…

_ ¡Obvio! ¡Claro que sí!

Me encantaría que nos acompañaran en ese Teatro Macció tan increíble. Una vez que terminemos la avanzada a “barrios cercanos” a Montevideo como San José y Canelones, vamos a trabajar en un nuevo espectáculo. Nos vamos a presentar el 6 y 7 de octubre en la Sala Zitarrosa de Montevideo, con nueva banda y nuevo repertorio. Lo único que puedo adelantar, es que tengo una banda genial con Juan Pablo Chapital en guitarra, Jota Yabar en la otra guitarra, Nacho Mateu en bajo y Martín Ibarburu en batería… ¡Una fiesta total!

(*) Versos de "Cantorcita".

Temas del disco “Cantorcita”: 1. Oración del remanso. 2. Adiós. 3. A pique. 4. Cantorcita. 5. Estados de ánimo. 6. Fina estampa. 7. Desconsolados 2. 8. Poema de Las Golondrinas. 9. Las Golondrinas. 10. Pasa. 11. Si yo hubiera sabido. 12. Paseo.

Esta entrevista fue publicada el sábado 27 de agosto de 2022, en la pág. 5 del periódico "Visión Ciudadana" de San José de Mayo, Uruguay.

Destacadas / Home / Música - 08/30/2022

Artista Plástica Mariana Marra en la apertura de su exposición

Artista Plástica Mariana Marra expone en Sala Carbajal- “Un estudio del antropoceno”

El pasado 12 de agosto de 2022, se realizó en la Sala Eduardo Carbajal del Teatro Macció, la apertura de la exposición de Arte Contemporáneo, de la destacada Artista Plástica maragata Mariana Marra: “Un estudio del antropoceno”. Estuvo a cargo del Director General de Cultura de la Intendencia de San José, el Dr. Pablo Pucheu, y de la propia artista. Conversamos con ella, acerca de esta exposición, en la que ella reflexiona sobre nuestra era y proyecta en sus obras a través de la imaginación, la “Era del Tecnoceno”.

Visitas: De lunes a jueves de 9 a 15 h. Viernes: de 9 a 15h y de 17 a 20h. Sábados: de 17 a 20 h. Domingos: cerrado. Hay ascensor. Se debe entrar por la puerta principal del Macció y solicitar a los funcionarios, el acceso al ascensor.

“Una mirada reflexiva y crítica sobre la era actual”

_ Felicitaciones por esta exposición de Arte Contemporáneo “Un estudio del antropoceno”. ¿Podrías explicar el porqué de ese título?

Artista Plástica Mariana Marra: _ Se basa en la clasificación de nuestra Era Geológica actual: “Antropoceno”. Si bien no está aceptada por la totalidad de la comunidad científica, porque en general se la conoce como “Holoceno”, es casi una palabra de uso corriente empleada por antropólogos, filósofos…Lo que propongo es, recurriendo a la imaginación, remontarnos a una arqueología ficticia, a la que llamaríamos “Era del Tecnoceno”.

_ En el texto que introduce la muestra se menciona el año 5000...

_ Sí, para poner alguna fecha del futuro… Algunos estudios geológicos tratan de reconstruir y plantear hipótesis de cómo es la vida actual, el pensamiento… Lo mío no se trata de un estudio científico estricto, sino que es algo más general. En realidad es una mirada reflexiva y crítica sobre la era actual.

Esto del “antropoceno” está muy vinculado a los estudios que he realizado de Arte Contemporáneo, porque ese tema me ha interesado mucho. Te hace pensar las cosas de otra manera.

"Little Prayer", de Mariana Marra

“Entre los trazos y formas puede encontrarse algo figurativo, pero no realista”

_ ¿Caracterizarías a tu pintura como expresionista o no te gusta “encasillarla” en una escuela o tendencia pictórica?

_ Desde el punto de vista de la pintura, sí podría decirse que es expresionista.

_ En algunos cuadros se pueden vislumbrar figuras humanas, rostros u objetos apenas esbozados. Eso ocurre con tu obra “Little Prayer” (“Pequeña Plegaria”, en inglés), se ve, por ejemplo, una cara en un lugar en el que habitualmente no estaría: en el piso…

_Sí. Entre los trazos y formas puede encontrarse algo figurativo,pero no realista, ni una mimesis de la realidad, por la perspectiva que uso, el trazo deformado… El título del cuadro surge de la pequeña imagen de una mujer con un manto que tiene un rosario en la mano.

_ Asimismo, lo que a primera vista podría parecer un “caos”, en realidad tiene una estructura, un equilibrio de formas, colores…

_Antes de pintar el cuadro, generalmente hago una composición con lápiz. Te decía que mi pintura puede ser expresionista por el empleo de colores fuertes, por los trazos… He estudiado mucho Historia del Arte y a muchos pintores. Por ejemplo, por mencionar a alguno, a Joan Miró, entre muchos otros…

"Fueguito interior", de Mariana Marra

_ ¿Qué dices de tu obra “Fueguito interior”, que se reproduce en el afiche que presenta tu muestra?

_ Hay en esa obra una figura humana que se distingue bastante, por lo que es bien representativa del antropoceno.

_ También hay toda una serie de manchas… Es preciso acercarse a cada obra y observarla con mucha atención, para descubrir nuevos elementos.

_ Algunos sugieren cosas. A mí me gusta poner detalles, que no todo el mundo puede verlos. Tenés que sentarte un rato a mirar el cuadro…

**Obra “Génesis”: la concepción en dos Eras**

"Génesis", de Mariana Marra

_ Algunas de tus obras tienen Código QR…

_ Sí. En algunos cuadros, por el tema que tienen, si se escanea ese Código QR, se accede a las conclusiones de los estudios del antropoceno. En el cuadro que se llama “Génesis”, por ejemplo, que tiene Código QR, si observan bien, pueden vislumbrarse figuras humanas, una mujer embarazada, algo que parece un feto… Si acceden a ese código, se explica que la reproducción humana en el Antropoceno, seguía siendo de manera natural, aun cuando se habían incursionado en algunos métodos de concepción asistida, inclusive de clonación humana…

Uno puede imaginarse que en el Tecnoceno dentro de miles de años, podría haber mucho más máquinas y los humanos quizás sean más “híbridos”, con partes de máquinas (de hecho ya los hay), pero de una forma más integrada a sus cuerpos. No podemos saber cómo va a ser…

_ Eso tal vez nos asusta un poco…

_ Algunos de los que miraron la muestra, me dijeron que era pesimista lo que se leía y veía.

Depende de cómo lo mires. Puede ser pesimista desde tu mirada actual, pero hagamos el ejercicio de proyectarnos muchos años hacia adelante…

_ Pensemos en que hubiesen podido viajar al futuro los del medioevo. Seguramente dirían que nuestra vida es espantosa, por la televisión, celulares y toda la tecnología…

_ Traté de mirar las cosas de distinta manera. Estuve reflexionando sobre las actitudes, las redes sociales, la gente que se pasa sacando fotografías y que cuenta toda su vida, y la expone sin restricciones.

"Foto de familia" de Mariana Marra, en Sala Carbajal del Macció

Inquietantes seres y familias en un posible futuro

Hay una suerte de escultura de una figura humana muy abstracta de cartón que está sobre un sofá de la Sala Eduardo Carbajal (*)

_ En esa escultura hay un collage de fotografías, dibujos…

_ Si se mira lo que sería la cara de esa “figura humana”, tiene dos ojos: uno es una lente de una cámara fotográfica, el otro, es un Código QR. En este hay datos sobre la fotografía. "Esa figura es una alusión al antropocentrismo que dominó y domina a esta Era: el ser humano es el centro de todo. Es tan así, que el ser humano pasa por encima de otras especies. Nosotros tendríamos que pensar que somos una especie animal también.

El “especismo” del ser humano hace que diga que su especie es superior a todas las demás. Está el racismo y el “especismo”.

_ En tu obra “Foto de familia”, se ven extrañas figuras que no se sabe si son humanas…

_ Son figuras un poco monstruosas, porque en el Tecnoceno no sabemos si van a ser humanos como ahora o humanos mutados. Me imagino que se van a ver así…

_ Quizá lo más parecido a la realidad actual es la mesa y la copa que también se ven en el cuadro. (risas)

"Alegoría del Teatro Macció"

“Alegoría del Teatro Macció”

_ La “Alegoría del Teatro Macció”, es un homenaje al Macció. El cuadro está hecho con pan de oro y óleo sobre tabla. Está inspirado en la “Época Dorada” del pintor Gustav Klimt, quien hizo muchas alegorías. De esa época es la corriente artística en la que está inspirada la fachada del Teatro, por eso se me ocurrió hacerla en ese estilo.

_ Varios de los que asistimos a la apertura de tu exposición recordamos a Klimt, cuando vimos tu “Alegoría del Teatro Macció”…

_ En esa “Alegoría…”, la figura femenina tiene en una mano la máscara de la tragedia y en la otra, la de la comedia. El tocado de esa figura es la como el de la moldura que está sobre el escenario del Macció. Hay en esa obra instrumentos del teatro antiguo griego: lira, cornu y aulós. A la izquierda, en la parte inferior, están los flecos del telón, en los que está la fecha de inauguración del Teatro Macció.

_ La figura femenina tiene un medallón con las iniciales del Teatro…

_ A la derecha de esa obra, hay un bocetito a lápiz inspirado en Alfons Mucha. Él le hacía los afiches a la actriz Sarah Bernhardt.

(*)Escultura en cartón, de Mariana Marra, en Sala Carbajal

El “antropoceno” y otras miradas que repiensan al hombre y su entorno

_ El Código QR de la “Alegoría del Teatro Macció”, dice que la cultura griega, atravesó todo el antropoceno y sobre todo, la cultura occidental. Se menciona que aún hoy se valoran solo los cuadros que tienen figuras humanas, caras… No sé si por el deseo de verse reflejados, porque da más seguridad a los que lo miran o por confirmar su antropocentrismo. Eso es a nivel inconsciente…Incluí en la información, que terminando el antropoceno, se valoraron otras formas de arte más conceptuales, que es a lo que va el ahora el Arte Contemporáneo. Una obra de arte conceptual puede ser a veces un texto…

En el arte conceptual el hombre podría salirse del centro, valorar su entorno y aun “pensarse” de otra manera.

Si bien no me introduje en la política con la muestra, si uno mira el devenir de la humanidad, lo que desde la política no se puede resolver, tal vez desde el arte se podría contribuir a cambiar la mentalidad, podría abrirse el panorama…

Esta entrevista fue publicada el 23 de agosto de 2022, en la pág. 7 del periódico "Visión Ciudadana" de San José de Mayo, Uruguay.

La fotografía que encabeza esta nota, y la del cuadro Génesis, son gentileza de Mariana Marra.

Artes Visuales / Destacadas / Home - 08/25/2022

Domingo 21 de agosto, en el Teatro Macció- Spuntone & Mendaro

Domingo 21: recital en el Macció - Dúo Spuntone & Mendaro: repertorios de ayer y de hoy

El domingo 21 de agosto de 2022 a las 20.30h, regresa al Teatro Macció, el dúo de rock “Spuntonte & Mendaro”, de la mano de "León Rojo Productora". Hace 12 años que este dúo revisita clásicos de la música uruguaya en formato íntimo. En este show presentarán un cancionero que repasa sus mejores versiones y temas propios. Conversamos con Guzmán Mendaro y Alejandro Spuntone(*), en ese orden, pero intercalamos sus respuestas.

Artista invitado “Rojo” en formato solista (**). Entradas generales: $ 550. Venta por Tickantel.

Temas propios y versiones de temas de Mateo, “Crowded House”, “Psiglo”…

_ Guzmán: Spuntone & Mendaro estarán nuevamente en el Macció, en un recital intimista. Siempre se menciona que fuiste guitarrista de la banda “Hereford”, de Rubén Rada, de Jaime Roos, y de otros músicos, pero Alejandro Spuntone y tú ya tienen un singular color musical.

¿Cómo va a ser este espectáculo en el Macció?

Guzmán Mendaro: _ Para arrancar, quiero agradecerles por el espacio. Para Alejandro y para mí, es un placer que nos llamen para difundir no solo los shows, sino también, los nuevos proyectos.

Para este recital en el Macció vamos a mostrar algunas de las cosas nuevas que estamos haciendo. Estamos preparando un show nuevo y la salida de un disco propio. Vamos a hacer un “tester” de canciones y cosas nuevas. Seguimos con lo que hemos estado haciendo, como nuestras versiones ya conocidas de canciones de otros músicos, y algunos temas nuestros…

_ Habrá canciones compuestas por ustedes…

_ Sí. Y también alguna versión nueva que no hemos hecho en el Macció, y que venimos realizando hace unos tres meses en otros lugares.

_¿Cuáles son esas versiones?

_ Reflotamos canciones del viejo repertorio, de hace unos 12 años. Por ejemplo, canciones de Eduardo Mateo, de Alejandro Ferradás o de [la banda de rock] “El Resto de Nosotros”. Vamos rotando algunas canciones que nunca hemos registrado en ningún disco. En la Radio Océano FM de Montevideo, Gustavo Rey nos hizo una entrevista y reflotamos un “cover” o versión de un tema en inglés de la banda “Crowded House” de los ’80: “Better Be Home Soon”.

Alejandro Spuntone: _ En el Macció estrenamos canciones del nuevo disco y todo un recorrido por canciones del dúo. Interpretamos temas de “Psiglo”, “Los Estómagos”, “Traidores”… Esas bandas de rock nos influenciaron cuando éramos adolescentes. Se trata del rock anterior a la dictadura [cívico-militar del Uruguay], y posterior a la dictadura.

Guzmán Mendaro y Alejandro Spuntone en Centro Cultural Kavlin (foto tomada de Internet)

“Todo pasa por una síntesis, para llevarlo a lo íntimo”

Guzmán Mendaro:_ En el show se van a encontrar con lo que esperan de nosotros, pero se van a sorprender también…

Nosotros interpretamos o elegimos canciones que tengan que ver con nuestra vida. Muchas veces tomamos canciones “grandilocuentes”, por así llamarlas, y las llevamos a lo mínimo. Esa es la columna vertebral de lo que hacemos.

_ Los recitales de ustedes se caracterizan por no tener efectos especiales…

_ El formato nuestro es así: una guitarra y dos voces. Todo pasa por una síntesis, para llevarlo a lo íntimo. En un teatro tan grande y divino como el Macció, tenemos que lograr ese ambiente también…

A partir de fines de agosto. “se dispara” una serie de shows por el resto del país, que termina el 12 de Octubre en el Teatro Solís de Montevideo.

“De crear y descrear”: disco con once temas propios

_ ¿Cuál es el título del nuevo disco del dúo?

Alejandro Spuntone:_ “De crear y descrear”. Este disco tiene once temas nuevos que son nuestros.

_¿Por dónde va?

_ Son canciones con banda, otras no. Hay algunas poesías rescatadas… Este es el quinto disco, y segundo disco de estudio. (***)

En agosto sale un adelanto del nuevo disco, pero el disco completo se edita en octubre o noviembre.

“Intentamos aportar diferentes sonoridades”

_¿Cómo definirían el estilo musical del dúo? En los “covers” tienen un sello característico…

_ Sí. Somos un dúo de rock. El rock puede ser una guitarra y una voz o una banda. Ahora estamos definiendo nuestro estilo como compositores y saliendo de las versiones de temas de otros. Es una búsqueda de maneras de escribir y también de otros sonidos que no sean la impronta de la suma de la guitarra de Guzmán y mi voz. Nuestro proyecto surgió como algo casi fortuito.

_ Los dos cantan…

_ Eso le da la riqueza al dúo. Intentamos aportar diferentes sonoridades. Las guitarras tienen cuerdas de acero, de nylon, guitarra de doce cuerdas… Guzmán también toca la mandolina.

Él va a llevar distintas guitarras para el espectáculo en el Macció.

Gonzalo Pazek: "Rojo"

_ El telonero del espectáculo de ustedes va a ser “Rojo”, el proyecto de Gonzalo Pacek…

_ A nosotros siempre nos gusta que otro músico abra nuestro show, porque es una oportunidad para que todos conozcamos a nuevos artistas.

Estamos encantados de ir a San José, porque es el Macció es un escenario maravilloso y hemos tenido la suerte de ir varias veces. Tenemos muchos amigos en San José.

(*) Alejandro Spuntone fue vocalista de la banda “La Trampa”.

(**)Rojo, el proyecto de Gonzalo Pazek surgió en 2015, presentando su show de rock & pop en salas de Montevideo y del interior del país. Ha realizado giras por Argentina. Cuenta con tres discos de estudio: “Sobre mi cadáver”, “La moralina se hizo viral” “Angelitos milagrosos en esta vida febril”.

(***)Discografía del dúo Spuntone & Mendaro: Estado natural (2013)- Estado Natural (DVD, 2015). El Refugio (2016). En vivo en el Teatro Solís (CD + DVD, 2016. Equilibrio (2018).

Esta nota fue publicada el martes 16 de agosto de 2022, en la pág. 7 del periódico "Visión Ciudadana" de San José de Mayo, Uruguay.

Destacadas / Home / Música - 08/16/2022

Lic. Elizabeth Maidana y Pedro Gava(hijo) junto a la obra Magia y Ficción

Exposición en el Espacio Cultural - Retrospectiva del artista plástico Pedro Gava

El pasado 27 de julio, se realizó en el Espacio Cultural San José, una charla sobre la exposición retrospectiva del artista plástico Pedro Gava (1918, EE. UU-2005, Uruguay). Entrevistamos a Pedro Gava (hijo) y a la Curadora de la muestra, Lic. Elizabeth Maidana, quienes tenían a su cargo esa actividad.

Destacado discípulo de Torres García y premios en “Salones de Otoño” del Museo

_ Su padre nació en Brockton, Massachussets (EE. UU.), pero desde 1923 vino a Uruguay. Después hizo varias muestras, con toda la impronta del Taller Torres García (TTG).

Pedro Gava (hijo):_ Sí. Mi padre fue siempre alumno del Maestro Joaquín Torres García [1874-1949]. Vivía en la casa de Joaquín. En seguida se reconoce “un hijo del pincel de Torres García”.

Pedro Gava venía a los famosos Salones del Museo de San José (*)

Curadora Elizabeth Maidana: _ Pedro participó en varios Salones del Interior que se hacían en el Museo San José, siendo discípulo del TTG. Asimismo, participó en exposiciones colectivas del Taller, como discípulo de Joaquín, hasta que su Maestro falleció en 1949. Había estado casi cuatro años, y después continuó involucrado en las actividades del TTG, porque siguió exponiendo en algunas colectivas.

"Planetas", de Pedro Gava

Un lenguaje propio basado en el constructivismo

La pintura de Pedro Gava cumple con los principios más importantes del TTG y las consignas del Maestro Joaquín Torres García. Su consigna era entregarles a sus alumnos las herramientas del “Universalismo Constructivo”: esa estructura básica, a partir de la cual, construían su propio lenguaje. En sus constructivos, primero va perdiendo las horizontales, quedándose con las verticales [como en la obra “Planetas”, por ejemplo]. Baja la paleta e incorpora un verde, que claramente no pertenece a la “paleta torresgarciana clásica”. Pedro Gava crea un lenguaje propio en sus constructivos. Vemos en otra obra [“Magia y Ficción”], un verde intenso, de paleta alta, que tampoco manejaba Torres García en el Taller.

_ El TTG utilizaba tonalidades terrosas y de paleta baja…

_ Así es. Tratamos de rescatar el lenguaje personal de Pedro Gava.

Viaje a Europa

_¿Y en los paisajes que están en esta exposición? Son más figurativos…

_ Sí. Antes de asistir al TTG, había estudiado Pintura en el Círculo de Bellas Artes, con los profesores Domingo Bazurro, Guillermo Laborde... Estuvo pintando antes de los 12 años de edad. Después hace un viaje por Europa, para adquirir otras técnicas.

P. Gava : _ Fue a muchos museos y lugares relevantes. ¡La primera vez que fui a Florencia, lloré…! En Florencia vi las estatuas de los genios que forjaron el mundo en el que hoy vivimos. “Conviví toda mi vida” con los nombres de esas personas sin saberlo. Él vivía del Arte y de la Cultura, por eso el catálogo de esta exposición se titula “Pedro Gava -Arte y Cultura”.(**)

Actividad docente y facetas artísticas múltiples

_ ¿En qué instituciones dio clases como docente?

_ Fue Profesor de Secundaria en Piriápolis, Pan de Azúcar y San Carlos (Maldonado). Fue fundador del Liceo de Pan de Azúcar y luego, del Liceo de Piriápolis. Tuvo una destacada trayectoria en el Liceo Nº1 de San Carlos, que en la década del ’50, era la ciudad más importante del Departamento de Maldonado.

E. Maidana: _ Pedro no solo se quedó en las Artes Plásticas. Como todo “torresgarciano” hizo murales, que hoy estamos tratando de recuperar. Hay tres muy relevantes en el Liceo de San Carlos.

P. Gava: _ “Serenidad”, es un “mural fresco” que está en la Sala de Profesores del Liceo Nº 1 de San Carlos. Era un gran muralista. Sus murales tienen más de 60 años y la mayoría está muy bien.

_ Ese mural es del estilo de lo que hacía Torres García influido por el arte helenístico.

E.Maidana: _ Sí. Eran de los primeros murales que hacía Torres García en la época del Salón Saint Jordí del Palau de la Generalitat en Barcelona.

Hay otro “Mural Fresco” en la casa en que nació Pedro (hijo): “Puerto en Casa”[de 1,50X 1,83m].

P. Gava: _ Nací en 1954 y ese mural del que habla Elizabeth estaba en mi casa en Piriápolis. Yo hablo mucho con el alma, porque a esto lo vi desde que nací.

E.Maidana: _ Pedro también cantaba ópera (su registro era de Bajo), y escribía poesía sobre la pintura que hacía, lo que se ve en un par de obras que tenemos.

También hay un vestido pintado, que aún no hemos podido lucir.

"Puerto en casa"- Mural Fresco, 1954
( tomado de la contraportada del Catálogo)

_ Hacía pintura sobre telas…

E. Maidana: _ Sí. Era común que un torresgarciano de aquella época, pintara sobre tela, hiciera cerámica...

P. Gava: _ Él no hacía cerámica, pero su amigo Ignacio Olmedo, de Maldonado, era un famoso ceramista. Olmedo hacía las cerámicas y mi padre las decoraba. Hacía también grabados. Pintaba con acuarelas, dibujaba con lápices…Tengo un cuadro grande que hizo él de Dante Alighieri hecho a carbonilla.

Estamos preparando con Elizabeth, una exposición de retratos para el Museo Mazzoni de Maldonado, para febrero de 2023..

Esta muestra que está en el Espacio Cultural San José, está recorriendo todo el país. Ahora va a Florida, Flores… En la entrada de esta muestra hay un autorretrato, que es el que aparece en la tapa del catálogo de la exposición(**). Mi padre hizo varios autorretratos.

Portada del catálogo de la exposición, con Autorretrato de Pedro Gava

“Arte y Cultura” como constantes de su prolífica vida

_ Es un precioso catálogo.

E.Maidana: _ La historia, los textos, están diseñados por mí … Son producto de dos años de muchas horas de conversaciones con Pedro Gava(hijo).

P.Gava: _ El diseñador especialista es Juan Profumo.

E. Maidana: _ Existen más de 600 obras de Pedro Gava…

_ ¿Dónde están todas esas obras?

P.Gava: _ Las tenemos cuidadosamente guardadas…

E. Maidana: _Hemos trabajado durante dos años. Tuvimos que clasificar y fotografiar lo que había, hacer fichas, para luego poder elegir qué empezaríamos a mostrar. Era preciso hacer restauraciones, seleccionar qué obras enmarcaríamos…

P.Gava: _ Estamos tratando de clasificar otras obras de mi padre que no tenemos. Debemos saber quién las tiene, dónde están…

_ Varias obras de su padre están en colecciones privadas y en otros países…

E.Maidana: _ En cuanto a su labor como docente, tenemos apuntes personales que hacía para preparar sus clases de Dibujo, lo que hoy se designa como Artes Visuales, Artes Plásticas... Espero rescatar más apuntes.

P.Gava:_ Él daba talleres de pintura. Tuvo durante varios años el Taller de Pintura “La Vieja Bodega” en Pan de Azúcar (Departamento de Maldonado). Hizo otros talleres en San Carlos, en Minas…

Se preocupó siempre por la educación, la cultura y el arte. Yo tenía siete u ocho años y él me llevaba a museos, teatros, veíamos óperas…

E. Maidana: _ Ese niño de 7 años que acompañaba a su papá, estaba al lado de Paco Espínola, para tomar un cafecito. Las tertulias de su padre eran “con ese tipo de señores…” (risas) Hay aún muchas cosas íntimas para encontrar de Pedro Gava, revolviendo en sus carpetas, materiales…

Obra Cerro Pan de Azúcar- Pedro Gava

Esta muestra abarca gran parte de su trayectoria pictórica

_ ¿Desean hacer alguna precisión sobre esta exposición en el Espacio Cultural?

P.Gava: _ Aquí se ven obras de paisajes y constructivos de distintas épocas. Quisimos abarcar gran parte de la trayectoria del artista. En los cuadros de paisajes de esta muestra están el “Hotel Argentino”, el “Hotel Colón”, y el “Cerro Pan de Azúcar”. Después se perciben los cambios en su pincelada, y su progresiva independencia del Maestro Joaquín Torres García.

E. Maidana: _ Esta fue la primera exposición que armamos sobre Pedro Gava, para mostrarlo nuevamente, porque estuvo muy olvidado. La presentamos en Piriápolis en diciembre de 2021. Quisimos hacer una muestra lo más abarcadora posible. El catálogo (**) también es así, con Pedro Gava como ser humano, como artista polifacético y varios años de su vida y obra.

Más adelante, organizaremos muestras específicas: de retratos, de constructivos o de paisajes.

(*) Salones de Otoño del Museo, en los que participaban artistas de todo el país. Después se conocieron como “Salones de Artistas Plásticos del Interior”. Gava obtuvo una Mención en el Salón de 1958 y en 1970 también participa en el Salón de Otoño y obtiene su premio Adquisición UTE de su óleo “The Beat”.

(**) “Pedro Gava- Arte y Cultura (Printer, 48 págs). Investigación y textos: Elizabeth Maidana y Pedro Gava (hijo). Consideraciones: Roberto Cadenas. Fotografía: Juan Profumo y Olga Rivero. Diseño y Diagramación: Juan Profumo. Coordinación General: Fundación Pedro Gava (en formación).

Esta entrevista fue publicada el martes 9 de agosto de 2022, en la pág. 7 del periódico "Visión Ciudadana" de San José de Mayo, Uruguay,

Artes Visuales / Destacadas / Home - 08/09/2022

Viernes 12 de agosto: obra musical en el Macció -“Vinchas y Medallón”, del Mtro. Tomás Puerto

El 12 de agosto de 2022 a las 20.30h, se estrena en el Teatro Macció la obra musical “Vinchas y Medallón” del maestro, comunicador y periodista maragato Tomás Puerto (*), en homenaje a Wenceslao Varela y Abel Soria. Es una ficción también basada en destacados hechos históricos de San José. Duración aproximada: 90 minutos. La dirección es del dramaturgo, director y docente de teatro Leonardo Preziosi. Participan 30 personas en escena. Conversamos con el autor y con el director.

Platea y palcos: $400. Cazuela: $300. Paraíso: $200. Venta por Tickantel.

Apoyos: Intendencia de San José, Teatro Macció, Casa de la Cultura de San José.

Mtro. Tomás Puerto, autor de "Vinchas y Medallón"

Ópera prima con íconos de San José

_¿Cómo y cuándo creaste esta obra musical?

Mtro. Tomás Puerto: _ Estuve escribiéndola durante dos años en plena pandemia. Pensé primero en una comedia, pero después quise hacer algo con más peso. Fue así que para armar este musical, decidí tomar textos de Wenceslao Varela y de Abel Soria.

_ Has trabajado en distintas obras y con varios directores de teatro.

_ Sí. He hecho teatro durante años como actor. Mi primer director fue Miguel Mutarelli. Posteriormente, “crecí” con los directores Juan Del Castillo, Juan Florio... Vino la época de Carlos Aguilera y otros… Era gente muy formada en teatro, que me fue marcando. No soy dramaturgo, pero esa experiencia me permitió escribir esta obra.

_ ¿Es tu primera obra teatral?

_ No. He escrito otras obras, pero esta es la primera que se va a representar. Yo necesitaba que alguien la leyera. El primero que la leyó fue Leonardo Preziosi, que es un dramaturgo y director de teatro. Me dijo: “Esta obra tiene valor. ¡Vamos a hacerla!”.

“Vinchas y Medallón”

_¿Por qué titulaste esta obra “Vinchas y Medallón”?

_ “Vinchas”, porque es un homenaje a los que lucharon en el Combate de San José [25 de abril, 1811.] Recreo personajes de la obra de Wenceslao Varela “Diez años sobre el recao” como María Chiripá, Anacleta, y Juliana “La Tercerola”, que describe muy bien ese autor. En la ficción teatral, ellas velan las armas. Esperan a Manuel Artigas para tomar San José, en el Combate de San José.

“Medallón”, es por el “Romance a la Muñeca del Horno”, poema escrito por Abel Soria. Se recrea a la Familia Larriera, que prepara una fiesta para recibir a Manuel Oribe en la Quinta del Horno. En la ficción, Rosalinda es la hija de la Familia Larriera, y ella aparece con un medallón que le regaló un oficial de Oribe. Claudia Puerto encarna a Rosalinda y canta “Muñeca del Horno”, poema de Soria. Se recrea en la ficción, el Romance de la Quinta del Horno…

Son todos íconos de San José: el Combate de San José; la Quinta del Horno; y estos escritores como Wenceslao Varela y Abel Soria, de gran trayectoria en la literatura gauchesca. No aparece la veta humorística de Soria.

_ Abel Soria fue también un gran payador. En esta obra, aparecen los payadores Gabriel Luceno y Víctor Hugo Clavijo.

_ Esos payadores estarán sobre el escenario. En sus décimas, relatan la parte histórica: el Combate de San José, el sitio de Montevideo…

Emociones de esta ficción basada en hechos históricos

_ Después se representa “La Redota” o “Éxodo del Pueblo Oriental” [23 de octubre, 1811]…

_ Sí. En ese momento, Carlos Alberto Rodríguez canta las “Décimas a José Artigas”.

_ ¿Qué fuentes utilizaste para recrear la parte histórica de la obra?

_ Soy docente y como tal, durante mi formación he tenido acceso a textos que informan sobre el Combate de San José, dónde estaba Manuel Artigas antes de llegar a San José, cuándo toma San José… No me basé en un texto histórico en particular.

_ ¿La música es en vivo?

_ No. La banda sonora fue seleccionada por el director de la obra Leonardo Preziosi, y por el Ballet Folklórico “Sangre Oriental”.

_ El Ballet Folklórico“Sangre Oriental” danza, dirigido por Juan Manuel Rodríguez.

_ Ha sido un gran desafío. Me ha exigido mucho tiempo y tareas diferentes a las que he desempeñado como actor.

_¿Cómo te has sentido en los ensayos?

_ Cuando veo a los actores y artistas en escena, me parece que lo ha escrito otra persona. Es una extraña sensación…He visto crecer a los personajes. Hay un gran trabajo de Leonardo Preziosi en la puesta en escena. También seleccionó las imágenes cuya proyección en una pantalla gigante es manejada por Fabián Méndez. Se van a utilizar todos los recursos tecnológicos que brinda hoy el Macció. Tenemos mucha expectativa con esta obra…

Director Leonardo Preziosi

En esta puesta en escena confluyen varias áreas artísticas

_ Leonardo: tienes a tu cargo la dirección de la obra, la selección de imágenes, la banda sonora…

Director Leonardo Preziosi: _ Sí. La puesta en escena no es convencional, porque recurre a varias disciplinas. Si bien la columna vertebral de la obra es la actuación, en varios momentos hay cantantes, el cuerpo de baile “Sangre Oriental”... Todas las áreas artísticas están entrelazadas.

_ Son 30 en total, pero no todos actúan al mismo tiempo…

_ Así es. Hay escenas colectivas en las que se da un vínculo entre el equipo de la danza, el de los actores, los cantantes. Tenemos payadores que dan el inicio a la obra. Ellos forman parte del todo. Está la exigencia de manejar mucha gente en el escenario, pero es un espectáculo muy dinámico.

“Busco formas y lenguajes visuales que no sean muy naturalistas”

_ ¿Tomás escribió todo en el guión?

La creación de la historia en sí y los diálogos de los personajes, basada en parte de la historia de la Banda Oriental, fue escrita por Tomás, pero no reproduce fielmente los hechos históricos. Es una mezcla de realidad y ficción.

Escribió los parlamentos, e hizo acotaciones en algunas escenas, pero en ciertos casos, con su autorización, le di mi impronta escénica. Busco decodificar en algunos momentos la situación, la época y el lenguaje. A un rancho, por ejemplo, lo construyo de una manera más abstracta. Busco formas y lenguajes visuales que no sean muy naturalistas. Es un camino de investigación y de trabajo, que he realizado en buena parte del espectáculo.

Intento que sea una obra integrada. Si hay una danza, trato de que esos artistas ya estén involucrados en la historia.

_¿Quién hizo el casting?

_ Es un proyecto de Tomás, tanto en lo autoral, como en la producción, y lo organizativo. Tomás eligió toda la faceta técnica: a los actores, a los cantantes, al equipo de danzas folklóricas y a mí, para dirigir la obra. Es un muy buen actor, pero prefirió estar abajo del escenario.

Todos los que están sobre el escenario, han sido mis alumnos en la Escuela de Arte Escénico de la Casa de la Cultura de San José o han egresado hace años de esa Escuela. Fernando Calzada fue un descubrimiento para mí: es un gran actor de San José.

_ Fernando Calzada Herbón, es un reconocido actor, director y autor maragato…

_ Es un artista completo, pero yo nunca había trabajado con él.

“Musical con temática novedosa y de gran profundidad y calidad textual…”

En octubre de 2021 accedí a la obra de Tomás. Desde ese momento hasta ahora he trabajado en ella. Estoy acostumbrado a trabajar con mucha gente, por lo que me siento muy cómodo en un espectáculo “coral”, como los de los griegos… (risas)

Es un musical con una temática novedosa y de gran profundidad y calidad textual para el Uruguay, porque se basa en textos y personajes de Abel Soria y Wenceslao Varela. Los entendidos sabrán en qué pasajes del espectáculo, Tomás homenajea sutilmente a esos autores.

Sobre el final habrá una sorpresa…

(*) Tomás Puerto es Maestro de Educación Primaria y ejerció esta profesión en San José. Empezó en la radio “CW 41 Broadcasting San José” a los 15 años. A mediados de los ’70 comenzó con el “Largo de la Tarde”, que evolucionó de un programa de entretenimientos a un periodismo informativo. Actualmente trabaja en la radio 103.3 FM de San José, que se retrasmite en 90 AM de Montevideo, en Tacuarembó, Melo y Florida.

Obra Musical “Vinchas y Medallón”, del Mtro. Tomás Puerto. Dirección: Leonardo Preziosi. Asistente de Dirección: Bettina Lalane. Reparto: Beatriz Vitette, Juanita Pereyra, Bettina Vitette, Anita Fernández, Claudia Permuy, Adriana Mora, Claudia Puerto, Fernando Calzada, Gualberto Larrondo, Julián Amuedo, Bruno Sellanes.

Esta entrevista se publicó el martes 2 de agosto de 2022, en el periódico "Visión Ciudadana" de San José de Mayo, Uruguay.

Destacadas / Home / Teatro - 08/03/2022

Agustina Martínez Stábile, junto a su acuarela del Teatro Macció

Con Agustina Martínez Stábile -Exposición “Orígenes” en Sala Carbajal del Macció

El pasado 10 de junio de 2022, se realizó en la Sala Eduardo Carbajal del Teatro Macció, la apertura de la exposición “Orígenes”, de la maragata Agustina Martínez Stábile, artista plástica emergente y autodidacta. Aquí se refiere a sus retratos a lápiz, y a sus acuarelas de edificios y lugares de San José.

Visitas : De lunes a viernes de 9 a 15 h. Sábados: de 17 a 20 h cuando hay función en el Macció. Hay ascensor. Se debe entrar por la puerta principal del Macció y solicitar a los funcionarios, el acceso al ascensor.

Vocación temprana que se afianzó en 2018

_ Pintas y dibujas desde que eras una niña, ¿cuándo comenzaste a dedicarte a esta vocación en forma más sistemática?

_ Empecé aproximadamente en el año 2018. Sobre todo hacía retratos y cuadros, inclusive trípticos de flores y paisajes. Publicaba lo que hacía en Facebook, y varias personas me encargaban las obras. Eso me animó a mostrar lo que hacía, porque al principio lo escondía. Así comencé a dibujar y a pintar a diario.

_ En el texto que escribiste para presentar esta muestra(*), destacas que eres autodidacta. Dibujas muy bien para no haber concurrido a clases de dibujo o de pintura. Naciste con ese don…

_ Creo que es porque dibujo todos los días… (sonríe).

Omar Gutiérrez

“Las obras expuestas son de lugares y personas de donde nací y vivo”

_¿Por qué titulaste “Orígenes” esta muestra en la Sala Eduardo Carbajal del Macció?

_ Elegí ese nombre para la muestra, porque las obras expuestas son de lugares y personas de donde nací y vivo. Transitamos por esos lugares la mayoría de nuestros días…

_ Hay varios edificios y lugares de San José de Mayo: la Plaza de los Treinta y Tres, la Basílica Catedral, el Teatro Macció, el Monumento a Detomasi y la Estación de AFE… ¿Haces bocetos y apuntes de cada lugar o te basas en fotografías?

_ Todos los dibujos que he hecho hasta ahora, han sido mirando fotografías que he tenido como referencia.

_ ¿El retrato de Omar Gutiérrez fue realizado con lápiz?

_ Sí. Utilicé lápiz común para dibujo. Uso distintos tipos de lápices, para lograr los matices de grises…

Acuarela: Catedral y Edificio de la Intendencia

Nuevas exploraciones expresivas

_ En el caso de los edificios y lugares has usado acuarelas.

_ En general no trabajo haciendo edificios. Quise hacer algo diferente para esta exposición, para ver si podía. Lo que más hago son dibujos de animales, retratos de personas… Siempre basándome en fotografías, como ya dije.

_ No es fácil dibujar un edificio, porque como haces cuadros realistas, son muchos los detalles…

_ El retrato de Omar Gutiérrez me llevó unas 10 horas seguidas de trabajo. A mí me gusta empezar un trabajo y terminarlo (si puedo), en el mismo día.

Los edificios me llevaban una o dos semanas de trabajo. Los hacía a lápiz como boceto, los repasaba con fibra y después les iba dando capas de acuarela. Me demandaron mucho trabajo. Nunca había hecho dibujos tan grandes.

_ Aparece la Plaza de los Treinta y Tres más de una vez, y la Catedral, también. Está la Plaza Independencia (que la mayoría la llama Plaza Artigas)…

_ Sí. Tomaba distintas perspectivas de edificios y lugares de nuestra ciudad. Mi idea era pintar y dibujar lugares y personas que fueran reconocidos por la mayoría de la gente que observase los cuadros.

Acuarela: Capilla Nuestra Señora del Huerto

“Esta muestra ha sido una gran experiencia para mí”

_ ¿Cómo te ha ido con esta exposición? Hace varios días que está…

_ Esta muestra sido una gran experiencia para mí. ¡Nunca pensé que sería así! Me sirvió para que la gente me conociera. Muy poca gente veía mi trabajo, porque yo lo hacía solo para mí.

_ Ahora la gente se te acerca, te pregunta acerca de tus obras…¿Qué destacarías de la apertura realizada el pasado 10 de junio?

_ Yo estaba muy nerviosa y emocionada. Soy tímida para hablar en público. La muestra se comenzó a planificar en noviembre de 2021. Me propuso la muestra el Director General de Cultura de la Intendencia, el Dr. Pablo Pucheu. La fui preparando de a poquito.

_ ¿Quién hizo el montaje de la muestra?

_ El Artista Digital Oscar Laguarda y yo.

Proyectos

_ ¿Esta muestra iría a algún otro lugar?

_ Me propusieron llevarla a otros lugares del Departamento de San José, pero no se ha concretado aún otra exposición.

Estoy contenta, porque la gente me ha encargado cuadros de edificios. Es todo un desafío.

_¿Tienes algún otro proyecto?

_ Me gustaría mucho tener la oportunidad de que esta exposición vaya a otros lugares. Pienso seguir dibujando y pintando para una próxima muestra.

_ Estás cursando 3er. año de Profesorado de Comunicación Visual…

_ Es un Curso Semipresencial. Realizo algunas materias en forma presencial en el Instituto de Formación Docente “Elia Caputi de Corbacho”, acá en San José. Las otras asignaturas las hago a través de una plataforma de Internet, con profesores del IPA [Instituto de Profesores Artigas, Montevideo].

_ ¿Te vas a animar a realizar apuntes de lugares y retratos de personas que estés observando en el lugar?

_ No sé. Tengo que ver... En una de las materias que tengo este año en Profesorado, nos dicen que hagamos dibujos del natural.

_ Tu familia te ha apoyado en tu vocación por el dibujo y la pintura.

_ Sí. Desde siempre. Mi madre Carla Stábile antes pintaba. Mi padre es Sebastián Martínez. Su tía también pintaba.

Quiero organizar en el verano un taller para niños en la barbacoa de mi casa, para incentivar la creatividad de los niños y ayudarlos, para que pinten… Tengo muchas herramientas que me ha aportado la práctica que realizo en el curso de Profesorado.

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(*)Texto de Agustina Martínez Stábile, que presenta su exposición “Orígenes”:

“Tengo 21 años, soy de San José de Mayo y este año me encuentro cursando 3er. año de Profesorado de Comunicación Visual, algo que me apasiona y me hace muy feliz. Desde que tengo noción, dibujo, hago manualidades, pinto y realizo diferentes actividades en lo relacionado al arte, gracias al apoyo e impulso por parte de mi familia. A lo largo de mi vida, siempre he tenido un gran interés por el arte, por cómo poder mejorar, experimentando, buscando técnicas con las cuales me sienta más a gusto, pero siempre de manera autodidacta, algo que hoy en día me caracteriza.

A partir de 2018, comencé a mostrarles a los demás lo que hacía, a través de diferentes redes sociales y a tomar el arte como un estilo de vida, dedicándole cada vez más horas y esfuerzo.

Me apasiona el realismo, el lograr generar en las personas sentimientos y sensaciones al observar mis obras, y espero poder generar lo mismo con esta serie de obras que con mucho esfuerzo y felicidad les presento.”

Esta entrevista fue publicada el martes 26 de julio de 2022, en la pág. 7 del periódico "Visión Ciudadana" de San José de Mayo, Uruguay

Los pies de foto fueron escritos por quien suscribe esta entrevista.

Artes Visuales / Destacadas / Home - 08/03/2022

Mañana viernes 22 de julio, película Bosco, de Alicia Cano Menoni, en el ICE

Documental uruguayo de Alicia Cano Menoni en el ICE -"Bosco" – Un pueblo toscano sin tiempo

Mañana viernes 22 de julio de 2022 a las 19.30h, se proyectará en el Instituto Cultural Español (ICE), el documental uruguayo “Bosco”, dirigido por la cineasta uruguaya Alicia Cano Menoni, con quien conversamos. Es sobre el abuelo de la directora, el pequeño pueblo italiano “Bosco” y su gente, que ella conoció y “vivió” en un viaje a sus raíces. Este documental ha estado en varios festivales de cine y ha recibido premios. La directora de esta película estará presente, y habrá posterior intercambio de opiniones.

Entradas: $200. En Secretaría del ICE, en 25 de Mayo 422 de 15 a 17h hoy y mañana, o en el momento de la función.

Trailer de la película, colgado en youtube: https://youtu.be/hUhPmuFJAVM

“Me fui a conocer el ‘Bosco’ y era igual a los relatos de mi abuelo”

_ Cuéntanos sobre tu documental sobre Bosco, pueblo de la Toscana, en Italia…

Naciste en Salto y tu abuelo Orlando Menoni, también. Este documental surgió a partir de las conversaciones con tu

Alicia Cano Menoni- Foto Tali Kimelman (detalle)

abuelo acerca de Bosco, este pueblo o aldea, que actualmente solo tiene 13 habitantes…

Cineasta uruguaya Alicia Cano Menoni: _ Sí. Podemos designarlo como pueblo, pueblito, aldea…

_¿Dónde está?

_ Se llama “Bosco di Rossano”. Si te subís a la cima de la montaña, ves aquí y allá el Mar Tirreno y “Le Cinque Terre”. La localidad famosa más cercana es “La Spezia”, pero queda a dos horas de viaje, porque es todo montaña, montaña…

_¿Cómo empezaron esas conversaciones con tu abuelo?

_ No puedo saber el origen de esas conversaciones, porque yo crecí con esos relatos de mi abuelo sobre el “Bosco”. Me contaba eso como un abuelo que hace historias. Crecí con esos cuentos de ese pueblo que poblaron sus padres, sus ancestros. Después, cuando me fui a estudiar a Italia (*), lo primero que hice fue ir a conocer el pueblo de mis fábulas de infancia.

_Tú hiciste una Maestría en Italia (*).

_Sí. Fui a estudiar, hice una Maestría y viví cuatro años en Italia, porque después me quedé trabajando…

Me fui a conocer el “Bosco” y era igual a los relatos de mi abuelo. Fue increíble, porque él nunca fue allá, pero a él también le habían contado sobre ese lugar. Yo me hice mi propia imagen a través de esos relatos de “Bosco” y cuando llegué, era muy parecido a la imagen mental que yo tenía.

Orlando Menoni, en el documental "Bosco"

Un viaje al origen y una mirada al paso del tiempo

_ No es nada fácil contar imágenes y vivencias… Tú estuviste con la gente que vive en “Bosco”. Te llevó 13 años filmar este documental…

_ Sí. Fueron 13 años. Por supuesto que a lo largo de esos 13 años, no es que dije “estoy haciendo una película”. Fui filmando, y después de 12 años, pensé “esto que vengo filmando es una película”. Ahí hice el proyecto, entendí por dónde iba…

_ ¿Por dónde va “Bosco”?

_ El pueblo por un lado, por otro lado, la casa de mis abuelos [Ruba Soto y Orlando Menoni]… La película alude al paso del tiempo, a envejecer, a cómo aprendemos a despedirnos de las cosas, lo que queda, lo que desaparece… Va de un viaje al origen, a las raíces, a conocer nuestra propia historia.

_ No es sencillo emprender ese viaje… “Bosco” quiere decir bosque en italiano.

_ Claro, y al mismo tiempo, el bosque se va comiendo al pueblo… En 13 años cambió mucho y algunas de las casas que estaban en pie, hoy son casas en las que nacen árboles.

Rita Volpi en" Bosco"

Un lugar en el que lo cotidiano se torna mágico

_ Parece un cuento de Gabriel García Márquez… La vida supera a la ficción…

_ Sí. Tiene mucho de “realismo mágico”.

_ Me gustaría que hablaras de personas-personajes de ahí…

_ Rita [Volpi], es la pastora de Bosco y es de alguna manera la protagonista. Ella pastoreó ovejas desde que tenía 5 años, y en la película, en determinado momento, se ve obligada a despedirse de su rebaño, porque su marido se enferma y debe dedicarse a cuidarlo. Rita tiene un vínculo muy especial con todo tipo de animales. Todos los bichos se le trepan y ella se relaciona muy profundamente con ellos. No es como lo que tenemos idealizado desde la ciudad, porque es un relacionamiento más rudimentario con la naturaleza.

_ Los animales entran a la casa de Rita…

_ Sí. Gatos, gallinas, sapos, pájaros, ovejas, cabras, grillos y todo lo que te puedas imaginar.

Está Gemma, la curandera del pueblo, y es la que se encarga de mantener y cuidar todas las lápidas del cementerio, que queda arriba del pueblo. Ella “conversa” con los muertos, limpia las lápidas y les lleva flores a todos aquellos que no tienen a nadie que les lleve una flor.

Fotograma de "BOSCO"

El abuelo Orlando, la abuela Ruba y otros entrañables personajes

Ellas son las grandes protagonistas de Bosco, y por supuesto, mi abuelo. Él está siempre en una silla giratoria, que es como la máquina del tiempo, donde cuenta historias de Bosco, recuerda…

_ Tu abuelo falleció…

_ Sí. Falleció en el 2020, con casi 104 años. Llegó a ver un corte avanzado, no la película terminada, pero vio el material. Su gran deseo era poder verla con público y que lo vieran a él. Pero igual se está cumpliendo…

_ La maravilla es que haya visto gran parte de la película y de su elaboración… Tienes un vínculo muy entrañable con tu abuelo, con tu gente…

_ ¡Es hermoso, sí! ¡Un regalo, la verdad!

_¿Qué otros personajes te gustaría señalar?

_ Andreína es la más joven del pueblo: tiene 70 años. Trabaja en la ferrovía, por lo que va y viene. Se fue y volvió. Es una gran enamorada del pueblo y nos muestra y cuenta cómo es Bosco.

Después tenemos a Giullietto Menoni, el partisano, que recuerda cuando mi tatarabuelo fue al pueblo y llevó una bolsa de 5kg de caramelos, y fue la primera vez que comieron caramelos…

_ Ruba Soto es tu abuela…

_ Es un personaje secundario, pero tiene un momento muy importante en la película.

_ ¿Giullietto y Andreína Menoni son parientes tuyos?

_ Andreína es una pariente lejana, pero Giullietto no. Lo que fue lindo es que si bien no tengo un parentesco directo con nadie del pueblo, a la vez, lo tengo con todos, porque todos me recibieron como “la nietita que volvió de La América”.

“Es una carta de amor…”

_ Tu primer documental fue “El Bella Vista”[2012]… “Locura al aire”[co-dirección, 2018], fue tu segunda película, y era sobre las vivencias en la radio “Vilardevoz”, del Hospital Vilardebó. Esas películas fueron también sobre vivencias, y con una mirada compasiva, en el mejor sentido de la palabra: en el estar con el otro, tratando de comprenderlo… Es un cine humanista.

_¡S! A mí me gusta explorar mucho y trabajar sobre la humanidad, sobre las personas, lo que nos sensibiliza, contra los prejuicios.

“Bosco” es mi tercera película, y es la más personal que he hecho, porque es una película “de mirada”. Es una carta de amor a nuestros abuelos, a nuestros ancestros, a nuestros orígenes.

(*)Alicia Cano Menoni es Licenciada en Comunicación en la UdelaR (Montevideo, Uruguay). Tiene una Maestría en Audiovisuales de la Università Cattolica Sacro Cuore(Milán, Italia).

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“Bosco” (Uruguay, 2020). Género: Documental. Duración: 82 minutos. Intervenciones de: Orlando Menoni, Ruba Soto, Rita Volpi, Gemma Tognarelli, Giulietto Menoni; Andreína Menoni. Dirección y guión: Alicia Cano Menoni. Productora ejecutiva: Agustina Chiarino Voulminot. Fotografía: Andrés Boero Madrid, Alicia Cano Menoni. Sonido: Rafael Álvarez. Música original: Giorgio Ferrero, Rodolfo Mongitore. Soprano: Chiara Osella. Compañía Productora: Mutante Cine (Uruguay). Productores: Alicia Cano, Agustina Chiarino, Fernando Epstein. Co-Productores: Giorgio Ferrero, Federico Biasin, MyBossWas (Italia).Productor asociado: Andreas Weingartner (Austria)

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Esta entrevista se publicó el jueves 21 de julio de 2022, en la pág.8 del periódico "Visión Ciudadana" de San José de Mayo, Uruguay.

Las fotografías y fotogramas de la película fueron gentilmente cedidas por Alicia Cano Menoni.

Cine / Destacadas / Home - 07/21/2022

Tres grandes en comedia absurda “criolla” en el Macció -“Recuerdos de Niza”

El viernes 8 de julio de 2022 a las 20.30h, se presenta en el Macció “Recuerdos de Niza”, de Jorge Esmoris y Federico Silva. Entrevistamos al gran murguista, autor, director, actor y humorista Jorge Esmoris, que la describe como “una comedia absurda criolla”. Jorge Esmoris, Jorge Temponi y Néstor Guzzini, integran este excelente elenco que construye un carro alegórico en un lugar incierto, (re)creando sin pausa hechos e historias de distintas épocas.

Platea y palcos $ 550. Cazuela y Paraíso $ 450. Venta por Tickantel.

“Tres personajes, tres escaleras y tres mundos”

_ Te he seguido y entrevistado en el Macció en tus unipersonales como candidato en “Esmoris Presidente” en casi todas las versiones que creaste, en “Todo bien, bo!”, Sobrewater… Sos un showman, y un factótum de enorme talento.

“Recuerdos de Niza”, sería otra obra más dentro del teatro del absurdo o comedia absurda, ¿no?

Jorge Esmoris: _ Sí. Sería una comedia absurda “criolla”, de este lado del mundo, con una fuerte pata en el teatro que puede tener el absurdo de las obras de Ionesco o de Samuel Beckett, pero también tiene mucha cosa del esperpento de Ramón del Valle-Inclán.

_ El esperpento está muy vinculado a tu estética, en todo lo que has hecho. Inclusive en la “Antimurga BCG” que fundaste, dirigiste, integraste y para la que hacías las letras. Recuerdo descripciones de trajes que usaron, maravillosamente esperpénticos.

_ Sí. “Recuerdos de Niza” es parte de una trilogía. Es la primera que hacemos, pero habría una obra anterior a esta, que será nuestro próximo espectáculo: “Una noche de tablado”.

_ “Una noche de tablado”, sería una “precuela”, como se designa al primer capítulo de una serie de películas, que aparece después de la que supuestamente era la primera…

_ En “Recuerdos de Niza”, se habla de un tablado y que se va a hacer algo en ese tablado. La próxima obra “es” en ese tablado y con estos personajes que sin saberlo, estarán juntos.

Jorge Esmoris, Jorge Temponi y Néstor Guzzini en "Recuerdos de Niza"

_ Américo, Ferrón y Lucien son esos personajes. Tú sos Américo…

_ Sí. Ferrón es Jorge Temponi y Lucien es Néstor Guzzini. Américo es el que lleva el ritmo de la obra y representa las décadas de los ’20, ’30, 40’: “La Suiza de América”, las vacas gordas… Ferrón corresponde a las décadas del ‘50, ’60: tiene un discurso más contestatario, más cínico, más filosófico, más existencialista. Lucien es como “el loco”, “el tonto” del barrio, pero en realidad es el más lúcido, más sensible, y es el único que llegó a algo concreto. Él ganó el Premio al Mejor Cupletero, y está obsesionado con eso.

_Guzzini es extremadamente expresivo como actor. Se destaca hasta en los avisos comerciales…

_ En la semana siguiente a la función en San José, él se va a filmar a Brasil y permanecerá allá hasta mediados de setiembre.

_ Esos tres están construyendo un carro alegórico no se sabe dónde…

_ Sí. Nosotros lo definimos como tres personajes, tres escaleras y tres mundos. Cada personaje es como un mundo.

“Es un no tiempo y un no lugar”

El tiempo tiene un papel fundamental y se va rompiendo constantemente. Federico Silva (quien es el otro autor) y yo, empezamos a trabajar en esta idea en plena pandemia. En la obra se hace referencia a películas infantiles, a cosas que pasaron a principio del siglo pasado, al ahora… Es un no tiempo y un no lugar. No se sabe si estos tres personajes son reales o inventados.

La obra arranca con ellos y empiezan a dialogar. Forman parte de un juego que va cambiando. La batuta es llevada a veces por uno, a veces por otro…

_ ¿Para qué están construyendo ese carro alegórico?

_ ¡No se sabe! Surgen varias preguntas, pero ellos no tienen las respuestas. Un personaje dice: “Habría que llamarlos”. Otro personaje pregunta: ¿A quiénes? Supuestamente, a quienes les encargaron el carro, pero tampoco se sabe.

**“Aquellos” carnavales y el sueño de Pietromarchi (*)**

_ La trama nos remite mucho a “Esperando a Godot”, de Beckett…

_ Sí, pero es un absurdo criollo, porque lo del carro alegórico tiene que ver con la estética del carnaval. Para que la obra fuese atemporal, intentamos llevarla a principios del siglo pasado, cuando el carnaval era más festivo y primitivo: décadas del ’30, del ’40. Tomamos un personaje que fue Director de la Escuela de Bellas Artes: [Alejandro] Pietromarchi.(*) Fue un artista plástico de primera línea, y a él le fascinaban los carros alegóricos. Siempre soñó hacer un carro alegórico en los carnavales de Niza, y se iba a llamar “Recuerdos de Niza”.

_ De ahí viene el título de esta obra…

_ Un periodista cuenta en una crónica cómo trabajaba Pietromarchi: “Mientras él arma los muñecos, les va recitando pasajes de Virgilio, Dante, Cervantes, y parece que los muñecos lo entendieran…” ¡Es increíble!

_ ¿Cómo encontraste esa crónica?

_ Estuve rastreando materiales en el “Museo del Carnaval”. Encontramos imágenes de corsos, de tablados barriales, y ahí aparecieron estas crónicas.

"Recuerdos de Niza"

“Viajes alucinados” en constantes juegos escénicos

_ La figura de Pietromarchi es todo un símbolo para esta obra… Estos tres personajes hilvanan recuerdos…

_ Hacen el derrotero. Américo (mi personaje), quiere a toda costa seguir haciendo lo mismo de siempre: terminar algo que no sabe ni para quién es ni por qué está ahí. (risas)

Ellos hacen “una recorrida” y van mostrando cosas que no existen. Están las escaleras, pero parece que ellos “ven” cosas ahí. Están como alucinando. Hay cabezudos “en la vuelta”. No se sabe si estos personajes son los cabezudos o qué…

_ ¿Cuánto tiempo les llevó crear esta obra a ti y a Federico?

_ La pandemia del Coronavirus empezó el 13 de marzo de 2020. Comenzamos a trabajar en abril. En setiembre u octubre teníamos el texto. En diciembre de 2020 iniciamos los ensayos. Estrenamos la obra en agosto de 2021 en el Auditorio Vaz Ferreira de Montevideo. Pensábamos hacer 4 funciones y terminamos haciendo 8, porque se agotaban las localidades. En enero y febrero de 2022 hicimos funciones en la Sala Zitarrosa.

_ ¿Cómo reacciona el público?

_ ¡Es impresionante! La gente se ha parado antes del final y ha bailado, porque hay música. Queda impactada por el imponente trabajo actoral. Los personajes se bajan, se suben, y van armando sin tregua todos los universos. Hay mucho juego escénico.

_¿Qué música tiene la obra?

_ Hay música de las décadas del ’30 y del ’40, con temas de Alberto Castillo y de otros. La gente se transporta a esa época. Haciendo la obra, parecía que estábamos en la cápsula del tiempo. Al no haber un tiempo concreto, son “todos los tiempos”. Se nombran las grandes inundaciones de nuestro país, la huelga de los trabajadores cuando se produjo el golpe de estado cívico-militar de 1973… ¡Pasan todos esos años y estos tres siguen armando el carro alegórico! (risas)

En la última obra de la trilogía, se deja entrever qué son estos tres personajes. Es la más metafísica de las tres, pero también tiene humor. Quizá se llame “Más allá del bien y del mal”.

Dramaturgia carnavalesca

_ En tus obras siempre está presente la Filosofía…

_ Sí, pero llevada a un lado muy cotidiano y muy visceral.

_ En “Recuerdos de Niza” también hay humor... Sos un enorme de la escena y tus compañeros son excelentes.

_ Es una obra para actores…El humor es por momentos dicharachero, salvaje como era el de “Los tres chiflados”, el de “Los Hermanos Marx”, y también se da el humor que desestabiliza… Es una dramaturgia carnavalesca. Acá se dice carnaval y se piensa en una murga, pero es mucho más que eso. El carnaval es una forma expresiva, que fue mantenida por la gente.

_ Tú siempre le diste esa impronta teatral al carnaval, que puede ser una opereta.

_ “La ópera de los tres centavos”[obra de Bertolt Brecht], podría ser “La murga de los tres vintenes”… (risas)

Los esperamos en el Macció. Nos divertimos mucho en la obra. Es un placer enorme para mí volver a esta sala maravillosa.

(*) Alejandro Pietromarchi (Veletri, Italia 1877-Montevideo, Uruguay 1958). Esmoris dijo que figuraba en algunas crónicas que leyó como Pietromanchi.

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“Recuerdos de Niza”. Autores: Jorge Esmoris y Federico Silva. Dirección: Jorge Esmoris. Elenco: Jorge Esmoris, Jorge Temponi y Néstor Guzzini. Síntesis: Américo, Ferrón y Lucien, construyen un carro alegórico en un lugar enigmático, un universo fuera del tiempo. Deambulando en jornadas en las que no se sabe si el tiempo pasa, Américo, Ferrón y Lucien hacen memoria, deshacen recuerdos e inventan otros.

Esta entrevista fue publicada el 05 de julio de 2022, en la pág. 7 del periódico "Visión Ciudadana" de San José de Mayo, Uruguay.

Destacadas / Home / Teatro - 07/05/2022

Sábado 9 de julio en el Museo de San José- Clínica de Batería con Tote Fernández

El sábado 9 de julio de 2022 a las 16h, habrá en el Museo de San José, una Clínica de Batería a cargo del baterista, músico y docente Tote Fernández (*), en la Sala Manuel Cobas de esta institución. Entrevistamos a Santiago Peraza, organizador de esta actividad, y docente del Taller de Batería que se realiza en el Museo durante todo el año.

La Clínica está dirigida a todo público y a partir de los 5 años de edad. Se aconseja ir un poco antes de las 16h. Duración aproximada: dos horas. Venta de entradas: Anticipadas: $250, en Secretaría del Museo, de lunes a viernes, de 15 a 19h. El día de la actividad, en puerta: $350, por calle Dr. Becerro de Bengoa 493.

Tote Fernández: muy versátil y talentoso

_ Tote Fernández tiene bastante prestigio en las clínicas de batería y se dedica a todo tipo de música: rock, metal, fusión, pop, funk, jazz, folklore…

Santiago Peraza: _ Sí. Es considerado uno de los bateristas más versátiles y completos del Uruguay. Es muy joven, pero tiene también una gran experiencia como docente y es muy reconocida su trayectoria.

_¿En qué va a consistir esta clínica de batería en el Museo?

_ Es una especie de taller o clase abierta para todo público, sin límite de edad.

_ ¿A partir de qué edad?

_ En el Taller de Batería que realizo en el Museo, tengo alumnos a partir de 5 años, y justamente pueden asistir.

Tengo un alumno de 63 años, que está jubilado, y que siempre le quedó pendiente ese deseo de aprender a tocar la batería. Ahora que tiene tiempo, se puede dedicar a eso. Tampoco es necesario que los que asistan quieran dedicarse a “ser bateros”. Basta que les guste la música. Les puede llamar la atención esta actividad, porque la batería es algo muy llamativo, y hasta se pueden contagiar, y tener ganas de aprender después.

Tote va a contar experiencias, cómo ha sido su trayectoria… Va a traer ejercicios para aquellos que quieran tener algún material para poder tocar.

Todo el vigor de diferentes ritmos, estilos y técnicas

_ Cuando hablas de ejercicios… ¿te refieres a partituras?

_ Sí. Tote va a tocar, va a hacer demostraciones de diferentes estilos y técnicas.

_ En una entrevista que te hice en el año 2020, me contaste que la batería que tú utilizas habitualmente en tu taller tiene cinco cuerpos: bombo, redoblante, toms, tom de pie (o “chancha”), y platillos.

_ Sí. Podría tener menos o más… En la mayoría de las baterías se utilizan esos cinco cuerpos: es lo tradicional. Tote también va a trabajar con ellos, y los va a utilizar “al máximo”.

_Destacaste en esa entrevista que te hice hace dos años, que tú empiezas siempre con tres cuerpos: el Hi Hat, que sería uno de los platillos (**), redoblante y bombo.

_Exactamente, porque son los fundamentales para poder tocar los ritmos básicos para y “entrar en el mundo de la batería”.

Tote abordará diferentes ritmos, estilos, técnicas, ya que él domina varios, como ya se mencionó. La actividad durará aproximadamente dos horas.

Santiago Peraza

¡A esperar el show de dos bateristas!

_ ¿Vas a participar en la Clínica?

_ Sí. Voy a hacerlo para que mis alumnos puedan ver cómo pueden tocar dos bateros a la vez… Cada uno de nosotros usa una batería. Va a ser un lindo show.

_ Cuéntanos por favor acerca de tus talleres en el Museo… Días en que se desarrolla, cantidad de alumnos y edades que abarcas…

_ Este año trabajo los lunes y miércoles. Doy el taller para distintos grupos. Empiezo a las 15 h, y a menudo termino con el último a las 20h o más. En este momento tengo 15 alumnos semanales y varios entre 8 y 10 años de edad. Hay de 5 , de 6, de 15 años y aun adultos mayores…

Contacto inmediato con la batería en el taller

_ Tu método didáctico en el Taller que das en el Museo, es el contacto inmediato con la batería, para que los alumnos se sientan estimulados.

_ Sí. Yo pasé por varias academias y profesores, y siempre se iba a lo teórico. El niño quiere tocar el instrumento. Así se motiva mucho más. Es importante que haga las dos cosas a la vez, pero que predomine lo práctico sobre lo teórico, para que no resulte aburrido.

_ Después leen en las partituras…

_ Sí.

_ Tus alumnos disfrutan mucho en tu taller.

_ Por suerte, sí. ¡Yo… también!

_¿Tienes alumnas?

_Tengo tres alumnas que tienen muy buen potencial.

_ Ahora se ve a muchas chicas tocando la batería. Antes había un prejuicio en torno a eso.

_ Estoy muy contento, porque los cupos del Taller de Batería están llenos este año. No me había pasado en años anteriores.

_ Es una oportunidad para que la gente que quedó en lista de espera, venga a la Clínica de Batería y el año que viene, quizá se sume a tu Taller…

No sé si quieres hacer alguna precisión…

Les aconsejo que asistan temprano, cerca de las 15.30h, para poder empezar la actividad en forma puntual.

Banda y dúo para que siempre brote la música

_ ¿En qué banda(s) tocas actualmente?

_ Estoy en la banda “El otro lado”. Hacemos rock uruguayo y rock argentino, en versiones acústicas. En esa banda estamos María Pía Rodríguez (voz), Leonardo Bacigalupe (guitarra electroacústica), Braulio González (saxo), y yo en percusión. En este momento no tenemos muchos “toques”.

Salgo más a menudo con el dúo “Agus y Santi”: Agustina Más y Santiago Peraza. Ella toca la guitarra electroacústica y yo, la percusión. Interpretamos todos los géneros: pop, rock, melódico, folklore…Tocamos casi todos los fines de semana en boliches de San José y también en Montevideo. Actuamos asimismo, en eventos privados: cumpleaños, casamientos…Estamos muy contentos.

(*)Tote Fernández:

Nació el 28 de abril de 1988 en Montevideo, Uruguay. Comenzó a tomar clases de batería a los 12 años de edad.
Ha tocado con varios artistas de diversos géneros musicales (Rock, Metal, Fusion, Pop, Funk, Jazz, Folklore, etc.) tanto en vivo, como en trabajos de grabaciones en estudio. También con artistas regionales e internacionales de Brasil, Argentina y Estados Unidos.
Trabaja como Educador / Clinician / Docente particular de batería, desde 2008 en su propio estudio de enseñanza, dando clase a un promedio de 30 alumnos por semana en Montevideo, Uruguay, así como en clínicas de batería, tanto en Uruguay como en el exterior.
En Uruguay, estudió batería con los grandes profesores y bateristas uruguayos Sergio Garbi y José Luis Pérez (Baterista con Yussef Lateef, Charles Moore, Jon Anderson entre otros).Además, estudió batería y docencia con los reconocidos educadores y bateristas internacionales Dom Famularo (EEUU) y Bruce Becker (EEUU).
Tomó clases privadas y masterclasses con afamados músicos de varios países.
Ganó el concurso de bateristas a nivel nacional Montevideo Drumfest en 2009 a los 21 años de edad, el evento de batería más importante de Uruguay. Fue finalista del concurso de bateristas a nivel internacional DRUM OFF GLOBAL en 2020.

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(**) El Hi Hat consiste en dos platillos del mismo tamaño, que se pueden hacer sonar con baquetas y un pedal.