El jueves 23 de noviembre de 2023, Alfredo Payán,  de “Maika Teatro” de México, presentó con  su excelente performance unipersonal, una hermosa versión de “El príncipe feliz” de Oscar Wilde (*),  con teatro de títeres de mesa y sombras,  a las 10h y a las 15h, en el Espacio Cultural San José, en el marco del “2º Festival Internacional de Artes Escénicas Infantil y Adolescente del Uruguay”(**). El espectáculo es  recomendado para preescolares, escuela primaria, pero corroboramos que la belleza del cuento “enamora también a los adultos”, como expresara  Alfredo Payán, en la entrevista que le hiciéramos  el miércoles 22. Ya han realizado unas 200 representaciones por distintos países.

Vigencia de la crítica de Wilde hacia la sociedad y sus desigualdades

Alfredo Payán: _  Nosotros somos de la Compañía “Maika Teatro” de México,  de la ciudad de Durango, que se halla al norte de nuestro país. Venimos a presentar una versión de “El príncipe feliz” de Oscar Wilde, con teatro de títeres y algo de teatro de sombras.

_ Tú diriges la obra, manejas los títeres y narras la historia… ¿Cómo hiciste el montaje?

_ Es un trabajo de títeres de mesa, que tienen mediano y pequeño formato, entre 25 y 30cm de tamaño aproximadamente.

En esta versión, buscamos conservar el mensaje original que Oscar  Wilde plasma en este cuento. Él se inspiró en una caricatura que encontró en una publicación en el Londres de su época. Originalmente trató de hacer una sátira de la sociedad londinense, marcar las desigualdades sociales, pero termina creando un cuento bellísimo, que es muy enternecedor, con detalles muy humanos…

Caricaturas de los poderosos y  solidaridad con los vulnerables

En esta versión también procuramos que los personajes estén caricaturizados.

Los personajes principales son la golondrina y la estatua dorada del príncipe. Hay varios personajes que representan el poder, como el alcalde y los concejales, que son los personajes antagonistas de la historia. Otros personajes, representan diferentes estratos de la sociedad.

_También te vales del teatro de sombras…

_ Sí. En algunos momentos en que aparece la golondrina, que es un ave viajera, cuenta  pasajes de sus viajes [a Egipto, hacia donde debería viajar pronto, porque el invierno está llegando a la ciudad], y eso lo representamos a través de las sombras.

_¿Cuántos títeres empleas?

_ Son aproximadamente 20 títeres.

Magia del teatro de títeres de mesa de animación directa

_¿Cómo haces para manejar los títeres, el efecto del humo…? Tienes que hacer que aparezcan, que desaparezcan de escena…

_ Sí. Bajan, suben, aparecen en carritos con ruedas… Es esto de poder jugar con las posibilidades del teatro de títeres de mesa de animación directa.   En algunos casos, las cabezas de los títeres se ponen en distintos soportes: bases con resortes que les dan movimiento… Varios de ellos son muñecos articulados, que representan la figura humana. Debido a que son pequeños, posibilita ponerlos, sacarlos, sin necesidad de que haya más personas en escena.

_¿ Participaste en el anterior “FIAEuy”?

_ No. Esta es la primera vez que participo. Hubo una convocatoria abierta. A partir de ahí se hizo una selección, y nos eligieron. Mandamos un video, una carpeta, fotografías, y todo el “rider técnico” [detalle de necesidades técnicas del espectáculo]…

Apoyo técnico en San José de “Intermedios producciones”

_ ¿Quién te acompaña en el “backstage”?

_ En esta ocasión, como es un trabajo unipersonal, pedí el apoyo técnico aquí. Bruno González, encargado de la administración en  “Intermedios producciones” [integrante del equipo de producción en San José del 2FIAEuy]. Se ocupará de las  luces, sonido…

Tengo dos funciones mañana acá en el Espacio Cultural a las 10h y a las 15h,  y el viernes a las 10h  en la Casa de la Cultura de Libertad…

_ ¿Hace mucho que estás representando esta obra?

_ Se estrenó en el año 2009. Hasta la fecha, llevamos cerca de 200 representaciones. Hemos visitado Cuba, Perú, Colombia, Argentina, República Dominicana. Iniciamos  este año con esta obra en marzo en Canadá. Ahora hemos venido “al otro lado del continente”… En México contamos con un equipo de 20 personas para el montaje, pero cuando viajamos a otros países, una sola persona puede realizar el espectáculo.

 “Cuando regrese a México, tenemos una gira muy intensa por Puebla”

_¿Sigues con la obra en otros lugares?

_ Cuando regrese a México, tenemos una gira muy intensa por Puebla, una ciudad que está en el centro de nuestro país, cerca de Ciudad de México.  Es una gira por instituciones preescolares, escuelas, comunidades rurales.

_ ¿La obra está dirigida a qué edades principalmente?

_ Es para niños preescolares, para escuela Primaria, pero la belleza del cuento hace que enamore también a los adultos. Hemos tenido unas experiencias muy interesantes con los adultos. El hecho de ver títeres en escena los remonta mucho a la infancia y al juego…

(*) Oscar Wilde nació en Dublín, Irlanda, el 16 de octubre de 1854. Falleció en París, el 30 de noviembre de 1900. Fue periodista, narrador, dramaturgo, ensayista y crítico de arte. Sus comedias (entre otras, la afamada “La importancia de llamarse Ernesto”), sus cuentos, y  su gran novela “El retrato de Dorian Gray”, han sido representados en múltiples versiones en el teatro, el cine, la literatura…

(**)El “2º Festival Internacional de Artes Escénicas Infantil y Adolescente del Uruguay”, se desarrolló desde el 22 al 26 de noviembre de 2023 con espectáculos, conversatorios, talleres, conferencias, debates y exposiciones, con entrada gratuita hasta completar el aforo. Organizó: “Intermedios producciones”, con el apoyo del Programa IBERESCENA, el Ministerio de Educación y Cultura, el Instituto Nacional de Artes Escénicas, y la Intendencia de San José. Participaron: Uruguay, Argentina, Chile, México y España.  Las actividades se realizaron en instituciones públicas y privadas,  y en espacios abiertos de San José de Mayo, Libertad y Montevideo. La apertura del 2FIAEuy fue el 22-11-23 en el Espacio Cultural San José.  Detalles exhaustivos del programa y apoyos en www.Fiae.uy

 “El príncipe feliz”, de Oscar Wilde. Compañía: Maika Teatro (México). Jueves 23 de noviembre. 10h. Espacio Cultural San José.

Síntesis argumental: En la parte alta de una ciudad, está la estatua de “El príncipe feliz”, revestida en oro. Sus ojos son dos zafiros y en la punta de su espada hay un rubí. Él ansía ayudar a los pobres de ese lugar y le pide ayuda a una golondrina, porque ella puede ir hacia ellos, dejándoles los regalos que él puede brindar. La golondrina se muestra al principio un tanto esquiva, egoísta, centrada en su objetivo de emigrar, pero el amor y la compasión del príncipe,  lograrán un cambio en ella…

 Alfredo Payán narra la historia, manipula los títeres y recrea las voces de los distintos personajes, y en algunos momentos, interactúa con los  espectadores. Así, desfilan los engreídos e ineptos que detentan el poder, unos niños, el vagabundo de la ciudad, otros personajes que aportan momentos de comicidad, y aquellos a quienes el príncipe quiere amparar.  Se logra el suspenso, la ternura, la sorpresa, el humor, la compasión, a través de la destreza y el talento del factótum Alfredo Payán. El manejo de luces y sombras, otorgan belleza visual a esta versión.  Los niños de las escuelas Nº51, 103, y del INAU, acompañados por sus docentes,  mantuvieron siempre la expectación, en una sala llena.  Después de la actuación, Payán abrió el diálogo, haciéndoles preguntas a los asistentes, y revelándoles algunos secretos de esta actuación… Quedarán en ellos el encanto, y el fermento del mensaje atemporal del autor, presente en todo el espectáculo. Rossana San Martín Cruxên

Esta nota fue publicada el martes 28 de noviembre de 2023, en la pág. 7 del periódico "Visión Ciudadana" de San José de Mayo, Uruguay.

El domingo 16 de julio de 2023,  a las 20.30h, vuelve al Teatro Macció, el querido profe de Historia, actor y capo cómico Diego Delgrossi, con “Simplemente Diego”, su espectáculo de 2023. Ha estado recorriendo con este unipersonal, ciudades y localidades de todo el país (más de 30). Por eso dijo: “Me conozco a todos los choferes y guardas de las compañías, y sé dormir en todas las posiciones posibles en una butaca de ómnibus.” Aquí se refiere a este espectáculo y a otros de sus menesteres.

            Entradas: Platea y palcos: $550. Cazuela y paraíso: $ 450. Venta por Tickantel.

Las actividades docentes y artísticas de Diego, están en sus redes sociales: Instagram, Facebook, Tik Tok…

Agudo humor para lidiar con lo que pasa en Uruguay y en el mundo

_ Es “Simplemente Diego”, porque ningún colega se animó a  subir al escenario conmigo. Vamos a tratar la  “pospandemia”. Se especulaba cómo íbamos a quedar y veremos cómo quedamos en realidad, y lo que está pasando en el mundo. Antes lo principal era cuidar el medio ambiente, usar los molinos eólicos y paneles solares. Cuando empezó la guerra entre Rusia y Ucrania, de un día para el otro, todo el mundo empezó a buscar petróleo, por lo que parece que no era tan malo para el ambiente como nos decían…

Ahí estamos nosotros lidiándola como país chiquitito. Hubo un terremoto en Atlántida, tenemos la seca, el agua salada… (risas). El año que viene quizá “va a resucitar” el Cerro de Montevideo, porque es un volcán extinto… ¡Ya está todo planificado! ¡Va a explotar al lado de la ANCAP! (risas)

Vamos a contar anécdotas de lo que nos ha pasado durante y después la pandemia.

_ Imaginamos que no fue sencilla la pandemia para ti como actor y como profesor de Historia…

_ Sí. Se dieron clases por Zoom .Ahora estoy dando clases particulares de Historia, no las doy en ninguna institución educativa.  Planteo un tema en las redes y la gente interesada se anota. Los miércoles doy clases desde las 18 h a las 22h. También recorro nuestro país dando temas históricos en alguna confitería, en algún restaurante o en algún teatro.

Imitaciones de “gente del Estado uruguayo” y más

_¿Qué más  pasará sobre el escenario este domingo 16?

_ “No voy a ir solo”. Todos estos temas tienen que tratarse con gente del Estado uruguayo como Julio María Sanguinetti, “Pepe” Mujica, Guido Manini Ríos (si la esposa lo deja). Habrá otros…

_ Hacés imitaciones  impecables…

_ Algunos dicen que sí… En realidad las hago, porque la gente las pide. ¡Hace 32 años que hago imitaciones! He imitado a Juan Pablo II, a Fidel Castro, a Horacio Guarany… Ahora, por una norma de ética y de respeto (que es una opción personal),  no imito a la gente que ya no está…

_¿Los guiones son tuyos?

_ Sí. Hace 14 años que escribo mis guiones. He tenido grandes maestros como Andrés Tulipano y Fernando Schmidt, quien además es libretista en “La culpa es de Colón”.

“La culpa es de Colón”: Risas salvadoras en pandemia, que persisten

 _Estás en ese programa de televisión, que se emite por Teledoce, ahora  los viernes y domingos  a las 22.30h o poco después. Ha tenido mucho éxito…

_ Sí. ¡Nos querían por tres o cuatro meses y estamos hace tres años! Algo pasó. … Se formó un lindo grupo. Estamos campeándole al mal humor y a la “mala onda” con Leo Pacella, Maxi de la Cruz (que es un todo terreno), Marcel Keoroglian, y  Germán  (el “Negro) Medina… Somos amigos y estamos todos en actividad. Le damos a la gente un ratito de esparcimiento y distracción. Durante la pandemia se notó mucho eso. Ninguna película o novela de ciencia ficción, pensó en algo tan macabro como lo que nos pasó en ese período, en el que todos los humoristas cumplimos un rol social. “La culpa es de Colón” era el momento de humor para salir de todo lo malo que se vivía, y que se escuchaba en los noticieros.

_ ¿Colaboras en ese guión?

_ Colaboramos todos. Fernando nos da una estructura e ideas, nos tira algunos “tips” y nosotros armamos todo de acuerdo a la forma de ser y actuar de cada uno. Voy a hablar en el espectáculo acerca de mis compañeros (risas).

Será un honor reencontrarme este domingo con el público tan lindo que va a ese hermoso teatro. Siempre van a vernos  personas de la capital maragata,  de Libertad, de Rafael Perazza, de Kiyú… Agradezco a todos los que sacan platita que no les sobra, para poder ir al teatro y que uno los haga reír. Para mí es una doble responsabilidad…

Esta entrevista se publicó, junto a la cartelera cultural del sábado 15 de julio de 2023, en la pág 13 del periódico "Visión Ciudadana" de San José de Mayo, Uruguay.

 

 

 

 

El viernes 24 de marzo a  las 21h, en el Teatro  Macció,  continúa el  Ciclo “Nosotras 2023”, con el   unipersonal “Toffana en carne viva”(*),  de Pablo Silva Olazábal, protagonizado por la actriz Carina Biasco y dirigido por Cristina Velázquez.  Entrada gratuita.        Esta obra teatral se basa en una versión de la historia de Giulia Toffana (1581-1651),  alquimista siciliana (Palermo), que inventó el  legendario veneno "Acqua Toffana". Giulia nació en la extrema pobreza, y vivió un tiempo de peste y convulsiones, bajo el oscuro poder de la Inquisición (**). Intentó vivir libre de dominaciones y prejuicios… Conversamos con Carina Biasco  sobre su fascinante  y polémico personaje.

¿Envenenadora, alquimista, salvadora…?

_ Este unipersonal que protagonizas, se basa en una historia real, escrita por Pablo Silva por un pedido que le hiciste…

_ Sí. En realidad fui yo que le presenté  este personaje a Pablo.

_¿Por qué quisiste tomar la historia de Giulia Toffana?

_ Antes de la pandemia de COVID 19, yo estaba muy interesada en representar a una mujer alquimista. Comencé a buscar por Internet a mujeres alquimistas, y encontré a muchas en el correr de la Historia. En general se relaciona la alquimia con los hombres. Cuando encontré a Giulia Toffana, una de las versiones, la considera  como “la mayor envenenadora de su tiempo”…

“Acqua Toffana”: singular veneno que compraban las mujeres maltratadas

_ Ella inventó un veneno…

_ Sí. El “Acqua Toffana”. Ya existían los venenos en el año 1600, pero el que ella inventó era inodoro, incoloro e insípido, y no dejaba rastros. Eso la llevó a la fama. La gente que lo bebía se moría, y los médicos no sabían por qué.

Cuentan que el gran músico Mozart en su lecho de muerte dijo: “me dieron Acqua Toffana”,  aun cuando él  vivió mucho después que Toffana.

_ Mencionaste que hay distintas versiones de la historia de Giulia Toffana…

_ Otra versión dice que era una alquimista. En el año 1600 era el auge de la Inquisición, y  muchas mujeres fueron quemadas por brujas.

Giulia Toffana nace en la extrema pobreza y su madre era una prostituta. No conoce a su padre, y la madre la hace ejercer la prostitución, porque era la única manera de sobrevivir en esa época. No se sabe si fue ella o la madre que empezó a utilizar yuyos. Giulia hace cremas, perfumes, hasta que inventa el “Acqua Toffana”. Ella empezó a vender ese veneno a mujeres maltratadas por sus maridos. El frasquito que lo contenía tenía la imagen de San Nicolás, “para camuflarlo”. Las mujeres que lo compraban,  lo tenían junto a los frasquitos de cosméticos que usaban.

 Época de sometimiento de la mujer y de acechanza de la “Santa Inquisición”

En el 1600 existía “la bombacha de lata”, que los maridos exigían que las mujeres usaran para que evitar infidelidades sexuales.

_ Sí. El “cinturón de castidad”, que se cerraba con llave.  En esa época, las mujeres tenían muy pocos derechos…

_ Era una época muy dura y oscura de la Historia, en la que la Iglesia ejercía su poder, y sobre todo con las mujeres.

Giulia Toffana era una alquimista, y en esas circunstancias tan terribles de su vida de privaciones, vende el “Acqua Toffana” a mujeres que quieren liberarse de sus maridos maltratadores. En este unipersonal se dice: “Era la única manera de liberar a las mujeres”

Hubo un juicio (dato real) en los Tribunales de Roma, en el que fueron juzgadas 630 mujeres: las torturaron, las mataron,  y las emparedaron, porque habían matado a sus maridos empleando el “Acqua Toffana”. Algunas versiones sobre el destino de Giulia Toffana: ella estaba en ese juicio con sus ayudantes, y  la mataron junto con las otras mujeres;  logró que la liberasen, por su vinculación con la alta sociedad, ya que vendía el veneno a mujeres de todas las clases sociales; era la amante de un fraile, quien habría mediado para que no la condenasen…

La obra muestra a una “total” alquimista  en su contexto, sin juzgarla

 _  La versión que toma esta obra.,  es que Giuliana fue una alquimista en un sentido amplio: no solo por la creación de perfumes, y de un veneno, sino también, por la trasformación que logró en su vida, luchando contra el sistema imperante, que implicaba que si se nacía pobre, se moriría pobre.

_ No era fácil  pasar de un estrato social inferior, a otro superior…

_ En algunos documentos leímos: “Ella con su inteligencia y la fuerza de su belleza, logró todo lo que pudo hacer.”

En esta ficción sobre Gilulia Toffana., quisimos mostrar a una mujer luchadora que encuentra esa arma en ese contexto histórico y personal. No juzgamos el hecho de que ella inventó un veneno para matar a hombres violentos.

_ ¿Cuál fue el rol de Cinzia Gelsomina Imperio en esta obra?

_ Cinzia es una italiana, que en el momento de la pandemia (2020), vivía en Uruguay, y le pedimos que tradujera unos documentos.    Para esta obra nos basamos en varias fuentes. Después de leerlas, e informarse sobre la Inquisición de esa época, Pablo Silva Olazábal (escritor uruguayo), hizo esta  obra de teatro, recurriendo también a su imaginación.

Puesta en escena  muy despojada y onírica

_ ¿Te apoyas en algún recurso audiovisual u otros? ¿Cómo es la escenografía, la utilería…?

_ Es una puesta muy despojada y muy onírica. La escenografía consiste en dos escaleras muy bajitas. ¡Estoy sola contra el mundo…! (risas).  Trato de mostrar que Giulia Toffana era una mujer empoderada, que sorteó muchos obstáculos en su vida, como toda mujer en el 1600.

_ No podemos imaginarnos cuánto sufrieron muchas mujeres en el siglo XVII…

_ Destacamos hasta dónde ella llegó y hacemos una conexión con el día de hoy. Han pasado los siglos, y aún no hemos resuelto la violencia de género. Encontramos en forma accidental, que Giulia Toffana también pasa por la peste bubónica en Italia, y el Régimen impone ante esa enfermedad, el aislamiento obligatorio y se restringe al mínimo toda actividad social.

_ Es inevitable asociar eso con lo que vivimos en  la pandemia del COVID 19…

_ La ciencia ha avanzado mucho. Sin embargo, se adoptó la misma medida durante esta pandemia [en pleno siglo XXI]. Hacemos esos  dos paralelismos: lo que ocurre hoy con la mujer, y lo que pasó con la pandemia.

_ ¿Este unipersonal se estrena  ahora?

_Sí. Pablo Silva había escrito un monólogo llamado “Toffana en carne viva”. El material era tanto,  que hicimos la obra tres actrices: Andrea Gandolfo, Agustina Gandolfo (hija de Andrea), y yo.  Extrajimos los fragmentos “más jugosos” para representar e hicimos 8 funciones con el título de “Toffana” en mayo de 2022.  La puesta en escena,  era diferente. Ahora usamos ese texto, pero  volvimos a la versión del unipersonal original , y es el que voy a interpretar en la Sala Delmira del Teatro Solís de Montevideo, y en el Teatro Macció de San José.

Giulia Toffana sufrió muchísimo y como pudo, se liberó,  y liberó a mujeres del sistema imperante en su época.  En la obra aparecen sus luces y sombras, con sus circunstancias históricas y personales. ¿Fue una envenenadora, una bruja, una salvadora o una alquimista…? El Arte tiene que mover las emociones del espectador, quien después sacará sus conclusiones…

(*) Pertenece al ciclo teatral “Nosotras en la Delmira”, que se desarrolla en la Sala Delmira del Teatro Solís de Montevideo, y que se “replica” en el Macció de San José. (**) La “Santa Inquisición” fue el Tribunal creado por la Iglesia Católica Apostólica Romana, dedicado a la persecución sistemática y al castigo de los llamados “herejes”,  disidentes religiosos, y presuntas brujas. A partir de 1542, a expensas del Papa Paulo III, se le comenzó a llamar “Santo Oficio”.

"Toffana en carne viva".Ficha técnica :Autor: Pablo Silva Olazábal. Actriz: Carina Biasco. Investigación y traducción: Cinzia Gelsomina Imperio. Directora: Cristina Velázquez. Productora: Pamela Román. Arte: Marcos Ibarra y Carolina Suárez Vingneau. Diseño de luces Carolina Suárez Vingneau. Fotografía: Iara Viera.

Esta entrevista se publicó el martes 14 de marzo de 2023, en la pág. 7 del periódico "Visión Ciudadana" de San José de Mayo, Uruguay.

Las imágenes fueron gentilmente enviadas por la productora Pamela Román.

 

 

 

 

 

 

 

El sábado 3 y el domingo 4 de diciembre de 2022, al caer el sol, se sale en bus desde el Espacio Cultural Ignacio Espino (ECIE), en Bulevar Manuel D. Rodríguez 610 – Antiguo Galpón de Cargas de AFE, para disfrutar de  la puesta en escena en circuito de la obra teatral “La Tragedia de Romeo y Julieta” de William Shakespeare, desde un enfoque contemporáneo y en espacios no convencionales en el marco del proyecto «Shakespeare a la calle». El espectáculo propone al público la pérdida de la referencia espacial como pacto ficcional. Conversamos con Marcelo Camilo (Romeo) y Milagros Castillo (Julieta), entusiastas protagonistas de esta original propuesta. 

Las entradas están agotadas, pero quizá pronto haya más funciones. Venta de entradas: Redtickets: https://bit.ly/romeoyjulieta-laexperiencia  o en el Espacio Cultural Ignacio Espino Por más información : 098 620 420 / 098 265 041  info@intermediosproducciones.com.uy; www.intermediosproducciones.com.uy

“Angélica buscó que la obra fuese más atemporal y más rioplatense”

 _ En esta obra el público hace un periplo en ómnibus, desciende y continúa   recorriendo espacios,  experimentando todo tipo de sensaciones y emociones… 

Marcelo Camilo:_ ¡Así es! Esta propuesta es bastante fiel al texto de  la obra “Romeo y Julieta” creada por Shakespeare. Hay una adaptación realizada por Angélica González, que respeta la perfección dramática de ese autor. Angélica buscó que la obra fuese más atemporal, y quizá más rioplatense.

_ Son Romeo Montesco  y Julieta Capuleto, los amantes de Verona, pero…

_ Sí, sin embargo, no los ves quizá como algo tan distante. Se destaca más esa historia que trasciende todos los tiempos y que tiene un contenido tan profundo que impacta.

“Coexisten todo el tiempo el odio y el amor”

_ ¿Cómo fue para ustedes el inicio de los ensayos de esta obra?

Milagros Castillo: _ Estuvimos ensayando desde el año 2020. Dejamos de hacerlo cuando comenzó la pandemia del COVID 19, y después lo  retomamos. La obra está encarada desde el amor, pero  tenemos que abordarlo también desde la tragedia que viven nuestros personajes.

_ Es una historia de amor trágica…

_…Y coexisten todo el tiempo el odio y el amor. Nosotros encaramos nuestros personajes desde ese lugar. Está la historia romántica, pero Romeo y Julieta siempre están conscientes de lo que se dice y plantea en su entorno. Además, como  decía “Marce”, la obra dialoga con lo que ocurre en la época actual.

_ Esos dos amantes deben enfrentar todas las trabas sociales impuestas por la rivalidad irreconciliable existente entre sus familias: los Montesco y los Capuleto.

“Marce” Camilo: _La  obra toca la fibra de los impulsos, lo más natural, y tal vez lo más primitivo del ser humano. Aborda también las leyes, las normas que rigen la sociedad. Romeo Montesco y Julieta Capuleto,  quieren alcanzar la dicha, pero para lograrla, el camino es doloroso, y ellos lo  transitan hasta las últimas consecuencias.

Trasmisión de simbolismos a través de la expresión corporal y de las emociones

_¿Cómo trabajó  Julio  Persa con ustedes? ¿Lo hizo con cada uno y luego los juntó? Julio es muy creativo en sus propuestas…

_ Al inicio, participamos un taller de investigación, en el que nos dieron los roles de los personajes principales a cada uno de los actores. Hicimos lecturas de nuestros personajes. Más adelante, empezamos a profundizar en la obra. Nos dedicábamos a los monólogos o a algunos fragmentos… Cada uno de nosotros tenía que descubrir la esencia de su personaje, trasladándolo a lo cotidiano, siempre teniendo en cuenta la poesía del texto.

_ Es una exigencia adicional, el que las escenas se desarrollen en distintos espacios… Deben cuidarse mucho los aspectos visuales de la propuesta.

Sí. Es necesario trasmitir los simbolismos  a través de la expresión tanto corporal, como de las emociones. La postura de cada personaje y el espacio en que se mueve, son fundamentales.

Las mujeres en las obras de Shakespeare

 Milagros Castillo: _ Shakespeare fue un adelantado en cuanto a la imagen de la mujer en sus obras.

_ Las mujeres en las obras de Shakespeare son poderosas…

_ Es desde ese lugar que encaro mi personaje. Julieta conoce a Romeo, se enamora, pero en ella pesa el hecho de no poder elegir. Le imponen algo y lo debe hacer.

_ Aún hoy existe esa presión de las leyes y de las normas de la sociedad sobre las mujeres, lo que ratifica la atemporalidad de esta obra. Mencionás cómo lo encarás al personaje. ¿Julio les dio libertad en ese aspecto?

_ Sí. Fijaba un marco, una metodología de líneas y diagonales, los aspectos físicos de cada personaje, la postura, pero abría puertas a la interpretación de cada uno.

_ ¿A qué te referís con las “líneas diagonales” de la interpretación?

“Marce” Camilo: _ Todo se sostiene desde la palabra y el gesto. Eso es lo que más trabajamos en el proceso de la investigación, hasta que el personaje fue “in crescendo” en cada uno de en nosotros.

Muy ricas y gratas vivencias con  este gran grupo humano

 _ ¿Cuál es el rol de  Ernesto Pérez? Siempre estamos expectantes para ver sus actuaciones… Ha  interpretado papeles muy disímiles, con mucha convicción.

Milagros Castillo: _ Ernesto encarna a Fray Lorenzo. Él  “nos casa”. Es un personaje hermoso. ¡Ernesto es hermoso!

“Marce” Camilo: _  Es muy grato y muy rico a todo lo que uno puede llegar en este tipo de vivencias, con un colectivo como este. Se aprende y se disfruta muchísimo… Sentís un gran sostén cuando te sobrevienen inseguridades. Creo que logramos los objetivos propuestos, gracias a la calidad de este gran  grupo humano.

_ ¿Cómo vivieron el estreno y las funciones siguientes?  Esta es la 3ª. Temporada de la obra.

_ Ensayábamos en un galpón o en un salón. Antes del estreno, no sabíamos cuál iba a ser el lugar en el que representaríamos la obra.

Milagros Castillo: _: Fue muy importante mantener esa expectativa. El lugar es perfecto.

“Marce” Camilo:_ La gente que vive la experiencia, está inmersa en la historia, porque el lugar lo favorece. La naturaleza y el clima, “son también personajes”. El público recibe todo eso.  Un día llovió y  fue genial…

_¿Qué otros personajes señalarían?

_ No interactúo con  Capuleto, el padre de Julieta, interpretado por Fernando Calzada,  pero sí con Teobaldo [hijo del hermano de la Sra. de Capuleto], encarnado por Walter Alonso. Me encanta poder ver el trabajo de grandes actores, entre ellos el de Fernando Calzada [Capuleto].

_ Fernando tiene destacada trayectoria como actor, director y también escribe obras de teatro.

Milagros Castillo:_  La escena que todo el elenco quiere ver, es cuando aparece Fernando, quien interpreta al padre de Julieta, cuando está conmigo o cuando está con Ana Larrondo, que es la Sra. de Capuleto, “mi madre” en la obra. Gisou Plada hace un trabajo muy bueno como “mi” nodriza.

Alejo Martínez es el emblemático personaje  Mercucio, amigo de Romeo.

“Marce” Camilo:_  Luisk de León es Benvolio, primo y  amigo de Romeo. La obra dura dos horas, pero pasa como un soplo.

Milagros Castillo: _ El recorrido por distintos lugares ayuda a que haya distensiones.

“Marce” Camilo: _ Creo que es muy bueno para el público que  esas imágenes y parlamentos cambien de un momento para otro de contexto, de clima, de lugar. El equipo técnico es muy relevante: la coreografía, el entrenamiento corporal, la enseñanza de esgrima, la música, la iluminación…

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Sábado 03/12/ y domingo 04/12/ 2022, al caer el sol.  Punto de partida: ECIE. “3ª.Temporada: Romeo y Julieta, de William Shakespeare. La experiencia de la tragedia.” Versión dramática: Angélica González. Producción ejecutiva: Paty García. Dirección general y puesta en escena: Julio Persa. Música original: Álvaro Pérez.Elenco: Ernesto Pérez, Gisou Plada, Alejo Martínez, Ana Larrondo, Luisk de León, Carlos Espinosa, Milagros Castillo, Marcelo Camilo, Fernando Calzada, Walter Alonso. Figurantes: Camila Salles, Ma. Eugenia Rodríguez, Fausto Pérez, Alejandro Garay, Héctor Coppetti, Federico Bentancor. El espectáculo:  La persona que adquiere su entrada, debe asistir en el día y horario de la función, a una dirección que establece la producción (ECIE, punto de partida) Allí las personas espectadoras, serán recibidas y asistidas por integrantes del equipo de producción para abordar un ómnibus que las trasladará con el sentido de la vista anulado. Así, se pierde referencia del espacio donde transcurrirá el espectáculo. Una vez arribadas a la locación, las personas recuperan el sentido de la vista.

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El  viernes 4 de noviembre de 2022 a las 20.30h se presentó en el Teatro Macció, la comedia dramática “María”, ópera prima de Noelia Herrera Luzardo. Ha tenido un gran éxito de público de todas las edades.  Entradas generales: $300. Venta por Tickantel: Abitab y Redpagos. Conversamos brevemente sobre la obra con su productor  Pedro Maytía, y gracias a su mediación, con Noelia Herrera…

 “La idea original era mía, incluso por el dispositivo escénico”

_ Tú eres la directora y la idea original de “María” fue tuya, pero  tú y las actrices María Inés Cabaleiro y Analía Ruiz crearon juntas el texto final de la obra…

Directora Noelia Herrera Luzardo _ Sí. Les propuse una idea inicial, como  una especie de estructura narrativa, y las principales características de los dos personajes. Después escribimos el texto  entre las dos actrices y yo. Estuvimos casi un año solo para encuentros dramatúrgicos.  En ellos, yo les ponía consignas bastante lúdicas y ellas iban desarrollando ideas y textos.

La idea original era mía, incluso por el dispositivo escénico que permite mostrar los dos apartamentos de los dos personajes.  Las dos se llaman María, viven en apartamentos distintos, pero están “pegaditos”.

En general estamos acostumbrados a partir de un texto y no  tanto de un dispositivo escénico.

Dos mujeres con historias aparentemente muy disímiles

 _¿Cada una  de ellas desarrolla su historia por separado? ¿No interactúan?

_ No. Al principio parecen historias totalmente opuestas, pero después van apareciendo puntos de conexión  a través de temáticas y otras situaciones…

_¿Cómo es cada una?

_ “María A”, que vive en el apartamento “A”, es una actriz frustrada, que trabaja repartiendo volantes o como animadora de fiestas infantiles. Está encarnada por Analía Ruiz. Atraviesa  una crisis vocacional y económica  bastante importante.

“María B”(María Inés Cabaleiro), por el contrario, tiene resuelta su situación laboral y económica, pero tiene una crisis con  relación a la maternidad, pero sobre todo con el  amor…

_ ¿Esta obra surgió durante la pandemia de COVID 19 en el 2020?

_ Sí. En el año 2020 armamos el proyecto y lo escribimos en el 2021.  Yo tenía una deuda grande en  lo concerniente a la dirección. En la pandemia estuvimos en un caos y en mucho contacto con nuestra casa. Me puse a pensar en las personas que vivían al lado de mi casa.  En el interior es más normal saber quiénes son tus vecinos o vecinas.  En Montevideo muchas veces estamos en “esas cajas de zapatos” que son los apartamentos, y en los que nos separan tan solo unos centímetros de pared. Yo soy del interior (de Colonia Valdense), y eso siempre me llamó la atención desde que me vine a vivir a Montevideo hace 16años. . Mi mamá era de Ecilda Paullier, por lo que estamos muy relacionadas con el departamento de San José.

Los vínculos, la comunicación y otras situaciones vitales de hoy

“María A” es de un pueblo y se fue a vivir a Montevideo. “María B” es oriunda de la ciudad, pero añora lo que sería la vida en un pueblo.  Eso se trata en la obra.

_ Sentimos que hay mucho anonimato en Montevideo. Somos un número y la mayoría de las veces los que viven en Montevideo no tienen idea de quién es y cómo es la vida de los que viven en los otros apartamentos del edificio. Es una soledad multiplicada…

_ Exactamente! Otra de las cosas relacionadas con lo que mencionas y la obra  aborda, son los vínculos. Ahora estamos permanentemente vinculados a personas a través del celular y otros dispositivos virtuales, pero no nos comunicamos con las personas físicas.  Estos dos personajes hablan mucho con otros personajes ausentes.

“Tiene momentos dramáticos, pero hay mucha risa”

 _ ¿Cómo les ha ido con el público?

Directora Noelia Herrera Luzardo:_ Estrenamos en la Sala Verdi de Montevideo, porque la obra está coproducida por la Verdi. Tuvimos una muy buena respuesta de la gente. Incluso ya fijamos una temporada para el año que viene en la Verdi, a fines de mayo o principios de  junio.  Tuvimos una función en Canelones, con una hermosa respuesta, con mucho público joven. Fueron varios grupos del Liceo y de la UTU.

Productor Pablo Maytía Fernández: _ Esta comedia dramática  ronda un montón de temas que se dan en la sociedad, desde lo laboral, el acceso a la vivienda, el género y el amor. Predomina el humor. Tiene momentos dramáticos, pero hay mucha risa. Varios estudiantes que han asistido a la función, se rieron durante casi toda la obra.

_ ¡Es muy bueno que los jóvenes vean obras teatrales!

Directora Noelia Herrera Luzardo:_ Nosotros estábamos especialmente preocupados por eso. Fue uno de los objetivos que nos propusimos con la obra.  Se trata de traer nuevos espectadores al teatro, más allá de que  esperamos que también le guste a la gente "grande".

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Obra teatral “María”. Dirección: Noelia Herrera Luzardo. Texto: Noelia Herrera Luzardo, María Inés Cabaleiro Álvarez y Analía Ruiz Santesteban.  Actuación: Analía Ruiz Santesteban y María Inés Cabaleiro Álvarez. Diseño de iluminación y vestuario: Sofía Epíscopo Sosa. Diseño de escenografía: Rafael La Paz Cámera. Realización de escenografía. Rafael La Paz Cámera, Braian Dos Santos Gonzalez y Melisa Maračić Szabo  Producción: Pablo Maytía Fernández  y Noelia Herrera. Comunicación: Pablo Maytía Fernández.

Síntesis argumental: Una ciudad, un edificio, dos microapartamentos linderos. En cada uno de ellos vive una mujer. Como espectadores, somos testigos de la convivencia que se produce a través de esa pared que separa los dos hogares.

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Esta entrevista se publicó el martes 1 de noviembre de 2022, en la pág. 7 del periódico “Visión Ciudadana”, de San José de Mayo, Uruguay

La Comedia Nacional presentó en los días  9 (estreno),  y 10 de setiembre de 2022 en el Teatro Macció, “Esperando la carroza”, ya mítico “grotesco criollo” del  gran  Jacobo Langsner, estrenado hace 60 años. Asistieron al estreno la Intendenta de Montevideo, Ingeniera Carolina Cosse ; y la Directora General del Departamento de Cultura, Prof. María Inés Obaldía.

            Esta excelente versión y dirección de Jimena Márquez, con destacados actores de “La Comedia Nacional”, y actores independientes invitados, conquistaron al espectador en cada escena. Recrearon  la magia de la obra original con la impronta de hoy, logrando momentos desopilantes, que simultáneamente reflejan patetismos y dolores  de todas las  familias. El sábado 10, una sala colmada de público ovacionó al elenco  de pie…

En el día previo al estreno, conversamos con Gabriela Iribarren y Emilia Díaz quienes encarnan con el vigor y colorido requeridos, a dos personajes con dobleces y mordacidades varias, y claves de conflictos en la obra. Petru como “Mamá Cora”, recorrió pasillos y platea del Macció, en varios tramos, cosechando risas  con su mímica, parlamentos e improvisaciones (potenciadas por Claudia Rossi y Andrés Papaleo en ese periplo),   y aportando la contracara tragicómica.  

 La propuesta disruptiva de 1962  devino en clásico ineludible

 _ ¡“Esperando la carroza”, sigue  vigente después de 60 años! Marcó mucho al teatro nacional, rioplatense y aun internacional.

Gabriela Iribarren: _ En  1962 fue el  estreno de La Comedia Nacional [con dirección de Sergio Otermin], y  la obra no tuvo éxito. Por el contrario: recibió críticas agudas.  Hoy, mirado a la distancia, creo que fue positivo, porque las críticas eran en torno a lo disruptivo de la propuesta. Se metía a través del humor, con un montón de convencionalismos sociales y familiares en relación con la vejez, a sacar los trapitos sucios que podían darse en cualquier familia rioplatense: montevideana, uruguaya, argentina…

_ También aludía a lo que puede implicar la muerte de alguien de la familia, con punzantes enfoques…

_ Sí. Jacobo Langsner (*) es un autor maravilloso. En 1974 repuso esta obra el Teatro Circular [con dirección de Jorge Curi], con un éxito brutal, en otro contexto histórico. Después se hizo en los años ’90, en los 2000… Ahora nos llega a nosotros con toda esa información, identidad y distancia histórica impresionantes.

Elenco mixto: “preciosa propuesta de integración e intercambio”

 _ Es conocidísima la película de 1985, dirigida por Alejandro Doria. Todos recordamos a China Zorrilla en el papel de Elvira…

Desde el pasado martes 6 Jimena Márquez,  el equipo de La Comedia Nacional y el elenco de la obra, han estado ensayando en el Macció…  

_ Es una producción de La Comedia Nacional, que se hace en el marco de los 75 años de su creación.  Propuso una experiencia bastante inusual, a la que le damos la bienvenida: la de un elenco mixto, con actores y  actrices independientes y  de La Comedia. Es una preciosa propuesta de integración e intercambio. La idea era justamente, homenajear  los 100 años del nacimiento de  China Zorrilla, quien interpretó el papel de Elvira, el aniversario de la propia obra de Jacobo y de su escritura, y generar un trayecto hacia todo el país.

Es bueno destacar que está en el elenco Camila Giannotti becaria Comedia Nacional, egresada de la EMAD [muy convincente en la egocéntrica jovencita hija de Elvira y Sergio]. En  la nueva gestión, que lleva adelante Gabriel Calderón, se recuperaron las becas (que se habían discontinuado por 25 años), para  estudiantes egresados y egresadas de distintas instituciones. Entre ellas también se encuentra el Instituto de Actuación de Montevideo (IAM), que dirigimos María Mendive, Marisa Bentancur y yo.  En esta muy importante línea de gestión, está también este proyecto de “Esperando la carroza”, producción de “La Comedia…”, que integra a actores independientes.

“Jimena Márquez es increíblemente rigurosa, efectiva y  asertiva”

 A nosotros, actores y actrices uruguayos, nos gusta salir a otros departamentos, y no solo actuar en Montevideo, pero hay muchas dificultades para que eso ocurra.  A veces es  más sencillo acceder a festivales de teatro en el exterior, que en el interior de nuestro país.

_ Varios artistas  señalan esas dificultades…

 Este elenco está dirigido por la talentosa Jimena Márquez, quien por primera vez dirige un texto que no es de su autoría.

_ Jimena es una directora contumaz en toda materia, pero  en especial en lo concerniente al humor. Es increíblemente rigurosa, efectiva y asertiva. Ha tomado este trabajo de una manera impecable, generando un precioso proceso de trabajo. La parte plástica  es hermosa, porque aúna  la escenografía  de Gerardo Egea y la iluminación de Inés Iglesias.  ¡Por ahora, venimos muy contentos! Estamos muy felices con lo que vamos a ver mañana [por el 9 de setiembre, día del estreno en el Macció], en que nos damos contra el público, y ahí está la verdad de la cosa…

Que se dé el humor o no… “depende del convivio con el espectador”

Emilia Díaz: _… “La verdad de la cosa”, porque que se dé el humor o no, depende del convivio con el espectador, y Gabriela piensa lo mismo que yo. Toda obra se termina, se transforma, después de la conexión con el espectador. Sobre todo en el humor… Podés ensayar, y saber algunas cosas por tu trayectoria, y está garantizado con una directora como Jimena, quien puede saber en qué espacios puede haber risa, pero depende de cada función. En algunas, el público se conecta “por otro lado”. Uno cree que no está conectado, porque no se está riendo, y al final aplaude de pie… Y pensás: ¡Estaba ahí! (risas).

_Gabriela: No sé cómo lo viviste en el Macció  cuando hiciste los roles de “Simone de Beauvoir” (2017)  y de “Rosa Luxemburgo…”(2019), las dos dirigidas por María Dodera, … Conmoviste mucho al público en esas obras. No es comparable, porque eran obras dramáticas.

_ Es así. Es completamente diferente la reacción del público frente a una comedia.

 Elvira y Nora: dos personajes que se sacan chispas

_ ¿Y para vos, Emilia? ¿Has estado recientemente en el Macció?

Emilia: _ No. Estuve hace mucho con el elenco de “¡Plop!”. El Macció era otro, también… ¡Ahora está divino!

En esta obra encarno a Nora, la amante de Sergio, el marido de Elvira, soy la esposa pituca de Antonio…

_ Era el papel que hacía Betiana Blum en la película de Doria… ¿Cómo fue para ustedes dos abordar esos papeles? ¿Jimena trabaja por grupos con los actores y actrices?

_ Solo un par de semanas Jimena trabajó en forma segmentada, por temas de horarios, y para detenerse en algunas escenas. Después hicimos la obra desde el comienzo al fin, dándonos algunas consignas precisas. Al punto de que  teníamos la sensación de que ya  habíamos estrenado la obra.

“A veces es más fácil llevar una obra al exterior que rotarla en Uruguay”

_ ¿Por qué el estreno es en San José?

_ Es la línea estratégica de  La Comedia Nacional y de su diseño de producción. Están por confirmarse Flores, y  el Florencio Sánchez, pero ya en Montevideo. Hay algunos guiños de Rocha, de Paysandú…Pero eso está vinculado con los departamentos de Cultura de las distintas Intendencias, que tienen ritmos diversos y eso no depende de La Comedia Nacional. Es como dijo Gabi: a veces es más fácil llevar una obra al exterior que rotarla en Uruguay, lo que es increíble. ¡Me parece tan injusto!

En la Sala Verdi de Montevideo estaremos en casi todo octubre.

Emilia y Gabriela: _ Esperemos que esta obra rote por todo el país.

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“Esperando la carroza”, del dramaturgo rumano-uruguayo Jacobo Langsner. Versión y dirección: Jimena Márquez. 75º Aniversario de La Comedia Nacional.

Síntesis del argumento: Mamá Cora, de casi 80 años, tiene tres hijos (Jorge, Sergio  y Antonio), y una  hija: Emilia. Vive con su hijo Jorge y con su nuera Susana, quienes tienen apremios económicos. Un domingo, parte de la familia se reúne para almorzar en la casa de  Elvira y Sergio, quienes viven con su hija Matilde. Irrumpen allí Susana y Jorge, y surge el planteo de quién puede llevarse a su casa a Mamá Cora,  iniciando dimes y diretes de conflictos latentes. Se complica todo cuando  reciben la noticia de que algo terrible le ha ocurrido a Mamá Cora…

 Reparto: Acomodador/Felipe –Andrés Papaleo. Jorge –Luis Martínez. Susana –Jimena Vázquez (invitada). Mamá Cora – Petru Valensky (invitado). Elvira – Gabriela Iribarren (invitada). Sergio –Juan Antonio Saraví. Matilde – Camila Giannotti (becaria Comedia Nacional, egresada de EMAD). Nora- Emilia Díaz (invitada). Antonio - Diego Arbelo. Rosaura/ Gertrudis/ella misma –Claudia Rossi. Elisa/ Oficial/ ella misma–  Fabiana Charlo (invitada). Escenografía: Gerardo Egea. Iluminación: Inés Iglesias. Vestuario: Daniela Renée López. Diseño sonoro: Martín Buscaglia. Traspunte: Andrea Auliso. Dirección General y Artística: Gabriel Calderón.

Esta nota fue publicada el 20 de setiembre de 2022, en la pág. 7 del periódico "Visión Ciudadana" de San José de Mayo, Uruguay.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

El 12 de agosto de 2022 a las 20.30h, se estrena en el Teatro Macció la obra musical “Vinchas y Medallón” del maestro, comunicador y periodista maragato Tomás Puerto (*),  en homenaje a Wenceslao Varela y Abel Soria. Es una ficción también basada en destacados hechos históricos de San José.  Duración aproximada: 90 minutos. La dirección es del dramaturgo, director y docente de teatro  Leonardo Preziosi. Participan 30 personas en escena.  Conversamos con el autor y con el director.

Platea y palcos: $400. Cazuela: $300. Paraíso: $200. Venta por Tickantel.

Apoyos: Intendencia de San José, Teatro Macció, Casa de la Cultura de San José.

 Ópera prima con íconos de San José

 _¿Cómo y cuándo creaste esta obra musical?

Mtro. Tomás Puerto: _ Estuve escribiéndola durante dos años en plena pandemia. Pensé primero en una comedia, pero después quise hacer  algo con más peso. Fue así que para armar este musical, decidí  tomar textos de  Wenceslao Varela y de Abel Soria.

_ Has trabajado en distintas obras y con varios directores de teatro.

_ Sí. He hecho teatro durante años como actor. Mi primer director fue Miguel Mutarelli.  Posteriormente, “crecí” con los directores Juan Del Castillo, Juan Florio... Vino la época de Carlos Aguilera y otros… Era gente muy formada en teatro, que me fue marcando. No soy dramaturgo, pero esa experiencia me permitió escribir esta obra.

_ ¿Es  tu primera obra teatral?

_ No.  He escrito otras obras, pero esta es la primera que se va a representar. Yo necesitaba que alguien la leyera. El primero que la leyó fue Leonardo Preziosi, que es un dramaturgo y director de teatro. Me dijo: “Esta obra tiene valor. ¡Vamos a hacerla!”.

“Vinchas y Medallón”

_¿Por qué titulaste esta obra “Vinchas y Medallón”?

_ “Vinchas”, porque es un homenaje a  los que lucharon en el Combate de San José [25 de abril, 1811.] Recreo personajes de la obra de Wenceslao Varela “Diez años sobre el recao” como María Chiripá, Anacleta, y Juliana “La Tercerola”, que describe muy bien ese autor. En la ficción teatral, ellas velan las armas. Esperan a Manuel Artigas para tomar San José,  en el Combate de San José.

“Medallón”, es por el “Romance a la Muñeca del Horno”, poema escrito por Abel Soria. Se recrea a la Familia Larriera, que prepara una fiesta para recibir a Manuel Oribe  en la Quinta del Horno. En la ficción, Rosalinda es la hija de la Familia Larriera, y ella aparece con un medallón que le regaló un oficial de Oribe. Claudia Puerto encarna a Rosalinda y canta “Muñeca del Horno”, poema de Soria. Se recrea en la ficción, el Romance de la Quinta del Horno…

Son todos íconos de San José: el Combate de San José; la Quinta del Horno; y estos escritores como Wenceslao Varela y Abel Soria, de gran trayectoria en la literatura gauchesca. No aparece la veta humorística de Soria.

_ Abel Soria fue también un gran payador. En esta obra, aparecen los payadores Gabriel Luceno y Víctor Hugo Clavijo.

_ Esos payadores estarán sobre el escenario. En sus décimas, relatan la parte histórica: el Combate de San José, el sitio de Montevideo…

Emociones de esta ficción basada en hechos históricos

_ Después se representa “La Redota” o “Éxodo del Pueblo Oriental”  [23 de octubre, 1811]…

_ Sí. En ese momento, Carlos Alberto Rodríguez canta las “Décimas a José Artigas”.

_ ¿Qué fuentes utilizaste para recrear la parte histórica de la obra?

_  Soy docente y como tal, durante mi formación he tenido acceso a textos que informan sobre el Combate de San José, dónde estaba Manuel Artigas antes de llegar a San José, cuándo toma San José…  No me basé en un texto histórico en particular.

_ ¿La música es en vivo?

_ No. La banda sonora fue seleccionada por el director de la obra Leonardo Preziosi, y por el Ballet Folklórico “Sangre Oriental”.

_ El Ballet Folklórico“Sangre Oriental” danza, dirigido por Juan Manuel Rodríguez.

_ Ha sido un gran desafío. Me ha exigido mucho tiempo y  tareas diferentes a las que he desempeñado como actor.

_¿Cómo te has sentido en los ensayos?

_ Cuando veo a los actores y artistas en escena, me parece que lo ha escrito otra persona. Es una extraña sensación…He visto crecer a los personajes. Hay un gran trabajo de Leonardo Preziosi en la puesta en escena. También seleccionó las imágenes cuya proyección en una pantalla gigante es manejada por Fabián Méndez. Se van a utilizar todos los recursos tecnológicos que brinda hoy el Macció. Tenemos mucha expectativa con esta obra…

En esta puesta en escena confluyen varias áreas artísticas

 _ Leonardo: tienes a tu cargo la dirección de la obra, la selección de imágenes, la banda sonora…

Director Leonardo Preziosi: _ Sí. La puesta en escena   no es convencional, porque  recurre a varias disciplinas. Si bien la columna vertebral de la obra es la actuación, en varios momentos hay cantantes, el cuerpo de   baile “Sangre Oriental”... Todas las áreas artísticas están entrelazadas.

_ Son 30 en total, pero no todos actúan al mismo tiempo…

_ Así es. Hay escenas colectivas en las que se da un vínculo entre el equipo de la danza, el de los actores, los cantantes. Tenemos payadores que dan el inicio a la obra. Ellos forman parte del todo. Está la exigencia de manejar mucha gente en el escenario, pero es un espectáculo muy dinámico.

“Busco formas y lenguajes visuales que no sean  muy naturalistas”

_ ¿Tomás escribió todo en el guión?

La creación de la historia en sí y los diálogos de los personajes, basada en parte de la historia de la Banda Oriental,  fue escrita por Tomás, pero no reproduce fielmente los hechos históricos. Es una mezcla de realidad y ficción.

Escribió los parlamentos, e hizo  acotaciones en algunas escenas, pero en ciertos casos, con su autorización, le di mi impronta escénica. Busco decodificar en algunos momentos la situación, la época y el lenguaje. A un rancho, por ejemplo, lo construyo de una manera más abstracta. Busco formas y lenguajes visuales que no sean muy naturalistas. Es un camino de investigación y de trabajo, que he realizado en buena parte del espectáculo.

Intento que sea una obra integrada. Si  hay una danza, trato de que esos artistas ya estén involucrados en la historia.

_¿Quién hizo el casting?

_ Es un proyecto de Tomás, tanto en lo autoral, como en la producción, y lo organizativo. Tomás eligió toda la faceta técnica: a los actores, a los cantantes, al equipo de danzas folklóricas y a mí, para dirigir la obra. Es un muy buen actor, pero prefirió estar abajo del escenario.

Todos los que están sobre el escenario, han sido mis alumnos en  la Escuela de Arte Escénico de  la Casa de la Cultura de San José o  han egresado hace años de esa Escuela. Fernando Calzada fue un descubrimiento para mí: es un gran actor de San José.

_ Fernando Calzada Herbón, es un reconocido actor, director y autor maragato…

_ Es un artista completo, pero yo nunca había trabajado con él.

“Musical con temática novedosa  y de gran profundidad y calidad textual…”

En octubre de 2021 accedí a la obra de Tomás. Desde ese momento hasta ahora he trabajado en ella. Estoy acostumbrado a trabajar con mucha gente, por lo que me siento muy cómodo en un espectáculo “coral”, como los de los griegos… (risas)

Es un musical con una temática novedosa y de gran profundidad y calidad textual para el Uruguay, porque se basa en textos y personajes de Abel Soria y Wenceslao Varela. Los entendidos sabrán en qué pasajes del espectáculo, Tomás homenajea sutilmente a esos autores.

Sobre el final habrá una sorpresa…

(*) Tomás Puerto es Maestro de Educación Primaria y ejerció esta profesión en San José. Empezó en la radio “CW 41 Broadcasting San José” a los 15 años. A mediados de los ’70 comenzó con el “Largo de la Tarde”, que evolucionó de un programa de entretenimientos a un periodismo informativo. Actualmente trabaja en la radio 103.3 FM de San José, que se retrasmite en 90 AM de Montevideo, en Tacuarembó, Melo y Florida.

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Obra Musical “Vinchas y Medallón”, del Mtro. Tomás Puerto.  Dirección: Leonardo Preziosi. Asistente de Dirección: Bettina Lalane. Reparto: Beatriz Vitette, Juanita Pereyra, Bettina Vitette, Anita Fernández, Claudia Permuy,  Adriana Mora, Claudia Puerto, Fernando Calzada, Gualberto Larrondo, Julián Amuedo, Bruno Sellanes.

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Esta entrevista se publicó el martes 2 de agosto de 2022, en el periódico "Visión Ciudadana" de San José de Mayo, Uruguay.

El viernes 8 de julio de 2022 a las 20.30h, se presenta en el Macció “Recuerdos de Niza”, de Jorge Esmoris y Federico Silva. Entrevistamos al gran murguista, autor, director, actor y humorista Jorge Esmoris, que la describe como “una comedia absurda criolla”. Jorge Esmoris, Jorge Temponi y Néstor Guzzini, integran este excelente elenco que construye un carro alegórico en un lugar incierto, (re)creando sin pausa hechos e historias de distintas épocas.

 Platea y palcos $ 550. Cazuela y Paraíso $ 450. Venta por Tickantel.

“Tres personajes, tres escaleras y tres mundos”

_ Te he seguido y entrevistado en el Macció en tus unipersonales  como candidato en “Esmoris Presidente” en casi todas las versiones que creaste, en “Todo bien, bo!”, Sobrewater… Sos un showman,  y un factótum de enorme talento.

        “Recuerdos de Niza”, sería otra obra más dentro del teatro del absurdo o comedia absurda, ¿no?

Jorge Esmoris: _ Sí. Sería una comedia absurda “criolla”, de este lado del mundo, con una fuerte pata en el teatro que puede tener el absurdo de las obras de Ionesco o  de Samuel Beckett, pero también tiene mucha cosa del esperpento de  Ramón del Valle-Inclán.

_ El esperpento está muy vinculado a tu estética, en todo lo que has hecho. Inclusive en la “Antimurga BCG” que fundaste, dirigiste, integraste y para la que hacías las letras. Recuerdo descripciones de trajes que usaron, maravillosamente esperpénticos.

_ Sí. “Recuerdos de Niza” es parte de una trilogía. Es la primera que hacemos, pero habría una obra anterior a esta, que será nuestro próximo espectáculo: “Una noche de tablado”.

_ “Una noche de tablado”, sería una “precuela”, como se designa al primer capítulo de una serie de películas, que  aparece después de la que supuestamente era la primera…

_ En “Recuerdos de Niza”, se habla de un tablado y que se va a hacer algo en ese tablado. La próxima obra “es” en ese tablado y con estos personajes que sin saberlo, estarán juntos.

_ Américo, Ferrón y Lucien son esos personajes. Tú sos Américo…

_ Sí. Ferrón es Jorge Temponi y Lucien es Néstor Guzzini. Américo es el que lleva el ritmo de la obra y representa las décadas de los ’20, ’30, 40’: “La Suiza de América”, las vacas gordas…   Ferrón corresponde a las décadas del ‘50, ’60: tiene un discurso más contestatario, más cínico, más filosófico, más existencialista. Lucien es como “el loco”, “el tonto” del barrio, pero en realidad es el más lúcido, más sensible, y es el único que llegó a algo concreto. Él ganó el Premio al Mejor Cupletero, y está obsesionado con eso.

_Guzzini es extremadamente expresivo como actor. Se destaca hasta en los avisos comerciales…

_ En la semana siguiente a la función en San José, él se va a filmar a Brasil  y permanecerá allá hasta mediados de setiembre.

_ Esos tres están construyendo un carro alegórico no se sabe dónde…

_ Sí. Nosotros lo definimos como tres personajes, tres escaleras y tres mundos. Cada personaje es como un mundo.

 “Es un no tiempo y un no lugar”

 El tiempo tiene un papel fundamental y se va rompiendo constantemente. Federico Silva (quien es el otro autor) y yo, empezamos a trabajar en esta idea en plena pandemia. En la obra se hace referencia a películas infantiles, a cosas que pasaron a principio del siglo pasado, al ahora… Es un no tiempo y  un no lugar. No se sabe si estos tres personajes son  reales o inventados.

La obra arranca con ellos y empiezan a dialogar. Forman parte de un juego que va cambiando. La batuta es llevada a veces por uno, a veces por otro…

_ ¿Para qué están construyendo ese carro alegórico?

_ ¡No se sabe! Surgen varias preguntas, pero ellos no tienen las respuestas. Un personaje dice: “Habría que llamarlos”. Otro personaje pregunta: ¿A quiénes? Supuestamente, a quienes les encargaron el carro, pero tampoco se sabe.

“Aquellos” carnavales y el sueño de Pietromarchi (*)

_ La trama nos remite mucho a  “Esperando a Godot”, de Beckett…

_ Sí, pero es un absurdo criollo, porque lo del carro alegórico tiene que ver con la estética del carnaval. Para que la obra fuese atemporal,  intentamos llevarla a principios del siglo pasado, cuando el carnaval era  más festivo y primitivo: décadas del ’30, del ’40. Tomamos un personaje que fue Director de la Escuela de Bellas Artes: [Alejandro] Pietromarchi.(*) Fue un artista plástico de primera línea, y a él le fascinaban los carros alegóricos. Siempre soñó hacer un carro alegórico en los carnavales de Niza, y se iba a llamar “Recuerdos de Niza”.

_ De ahí viene el título de esta obra…

_ Un periodista cuenta en una crónica cómo trabajaba Pietromarchi: “Mientras él arma los muñecos, les va recitando pasajes de Virgilio, Dante, Cervantes, y parece que los muñecos lo entendieran…” ¡Es increíble!

_ ¿Cómo encontraste esa crónica?

_ Estuve rastreando materiales en el “Museo del Carnaval”. Encontramos  imágenes de corsos, de tablados barriales, y ahí aparecieron estas crónicas.

“Viajes alucinados” en constantes  juegos escénicos

 _ La figura de Pietromarchi es todo un símbolo para esta obra… Estos tres personajes hilvanan recuerdos…

_ Hacen el derrotero. Américo (mi personaje), quiere a toda costa seguir haciendo lo mismo de siempre: terminar algo que no sabe ni para quién es ni por qué está ahí. (risas)

Ellos hacen “una recorrida” y van mostrando cosas que no existen. Están las escaleras, pero parece que ellos “ven” cosas ahí. Están como alucinando. Hay cabezudos “en la vuelta”. No se sabe si estos personajes son los cabezudos o qué…

_ ¿Cuánto tiempo les llevó crear esta obra a ti y a Federico?

_ La pandemia del Coronavirus empezó el 13 de marzo de 2020. Comenzamos a trabajar en abril. En setiembre u octubre teníamos el texto. En diciembre de 2020 iniciamos los ensayos. Estrenamos la obra en agosto de 2021 en el Auditorio Vaz Ferreira de Montevideo. Pensábamos hacer 4 funciones y terminamos haciendo 8, porque se agotaban las localidades. En enero y febrero de 2022 hicimos funciones en la Sala Zitarrosa.

_ ¿Cómo reacciona el público?

_ ¡Es impresionante! La gente se ha parado antes del final y ha bailado, porque hay música. Queda impactada por el imponente trabajo actoral. Los personajes se bajan, se suben, y van armando sin tregua todos los universos. Hay mucho juego escénico.

_¿Qué música tiene la obra?

_ Hay música de las décadas del ’30 y del ’40, con  temas de Alberto Castillo y de otros. La gente se transporta a esa época. Haciendo la obra, parecía que estábamos en la cápsula del tiempo. Al no haber un tiempo concreto, son “todos los tiempos”. Se nombran las grandes inundaciones de nuestro país, la huelga de los trabajadores cuando se produjo el golpe de estado cívico-militar de 1973… ¡Pasan todos esos años y estos tres siguen armando el carro alegórico! (risas)

En la última obra de la trilogía, se deja entrever qué son estos tres personajes. Es la más metafísica de las tres, pero también tiene humor. Quizá se llame “Más allá del bien y del mal”.

Dramaturgia carnavalesca

 _ En tus obras siempre está presente la Filosofía…

_ Sí, pero llevada a un lado muy cotidiano y muy visceral.

_ En “Recuerdos de Niza” también hay humor... Sos un enorme de la escena y tus compañeros son excelentes.

_  Es una obra para actores…El humor es por momentos dicharachero, salvaje como era el de “Los tres chiflados”, el de “Los Hermanos Marx”, y también se da el humor que desestabiliza… Es una dramaturgia carnavalesca. Acá se dice carnaval y se piensa en una murga, pero es mucho más que eso. El carnaval es una forma expresiva, que fue mantenida por la gente.

_ Tú siempre le diste esa impronta teatral al carnaval, que puede ser una opereta.

_ “La ópera de los tres centavos”[obra de Bertolt Brecht], podría ser “La  murga de los tres vintenes”… (risas)

Los esperamos en el Macció. Nos divertimos mucho en la obra. Es un placer enorme para mí volver a esta sala maravillosa.

(*) Alejandro Pietromarchi  (Veletri, Italia 1877-Montevideo, Uruguay 1958). Esmoris dijo que figuraba en algunas crónicas que leyó como Pietromanchi.

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 “Recuerdos de Niza”.   Autores: Jorge Esmoris y Federico Silva. Dirección: Jorge Esmoris. Elenco: Jorge Esmoris, Jorge Temponi y Néstor Guzzini. Síntesis: Américo, Ferrón y Lucien, construyen un carro alegórico en un lugar enigmático, un universo fuera del tiempo. Deambulando en jornadas en las que no se sabe si el tiempo pasa, Américo, Ferrón y Lucien hacen memoria, deshacen recuerdos e inventan otros.

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Esta entrevista fue publicada el 05 de julio de 2022, en la pág. 7 del periódico "Visión Ciudadana" de San José de Mayo, Uruguay.