Sábado 28 de noviembre, La bailarina de Maguncia, en el Macció

Sábado 28 obra teatral con Noelia Campo en el Macció- “La bailarina de Maguncia”

El sábado 28 de noviembre de 2020 a las 20h, “Teatro del Umbral” presenta la obra teatral  escrita y dirigida por Sandra Massera “La bailarina de Maguncia”, con la actuación de Noelia Campo en el Teatro Macció.  Está basada en la vida de la escritora italiana Luce D’Eramo (de  soltera Lucette  Mangione: 1925-2001), activista política, y defensora de los derechos humanos. Evoca varias etapas de su historia. Desde su juventud a fines de la 2ª. Guerra Mundial como voluntaria nazi, al enfrentamiento de situaciones que harán que dé un giro decisivo a su vida.    Noelia Campo encarna distintos roles en una obra que ha sido muy elogiada por el público y la crítica.

            Entradas: Venta por Tickantel. Platea y palco: $350. Cazuela y paraíso: $200.

_ ¿Cómo ha sido este desafío para ti? Has recorrido caminos diferentes y ha sido seguramente difícil. ¿Has tenido que luchar contra algunos prejuicios por ser mujer?

_ No sé… Creo que los hombres  y las mujeres que hacen televisión, si hacen teatro, no son bien mirados. Yo cursé en la Escuela de Arte Teatral Alambique, que ya no existe, pero que tuvo su auge, y que apuntaba mucho al teatro físico. Me parece que eso cambió un poco la historia… De todos modos, la gente me conoce más por la televisión que por el teatro. Hace tiempo que eso ya no es un “karma” para mí. Era más el miedo que yo tenía, que lo que me pasaba realmente.

De voluntaria nazi, a activista por los derechos de los más vulnerables

“La bailarina de Maguncia” es una obra preciosa de Sandra Massera, quien es  también la directora. Está  basada  en la historia real de la escritora italiana Luce D’Eramo, que murió en 2001. Ella se crió en una familia fascista, su padre era  Subsecretario del Régimen de  Mussolini. Cuando ella tiene 18 años, en el año 1944, y faltaba un año para que terminara la Segunda Guerra Mundial, se va de la casa de sus padres. Decide ir de voluntaria a la fábrica alemana “IG.Farben”, que era la que hacía el gas para los campos de exterminio. Ella iba de voluntaria, para demostrar que lo que se decía acerca de los alemanes y los nazis era mentira. Se  enfrenta a una cantidad de situaciones  y se encuentra con una realidad espeluznante, que ella desconocía o que no creía que fuera así.  Entonces empieza a organizar unas huelgas, y termina en el campo de concentración de Dahau.

“Nunca me he comprado una buena conciencia social con las cuatro monedas de una etiqueta ideológica”

Lo bueno que tiene la obra y ese personaje, es que tenía los dos bandos muy presentes. Cuando termina la guerra en 1945, Luce D’Eramo, se gradúa en letras, se hace escritora, pero también  es una gran crítica, ensayista  y una librepensadora. Fue una activista política y social que siempre defendía a  los más vulnerables.  Hay una frase de ella que siempre cito: “Nunca me he comprado una conciencia social con las cuatro monedas de una etiqueta ideológica”. En estos tiempos,  en que se trata de separar y de abrir grietas donde no tendría que haberlas, tiene mucho sentido.  Desde cualquier lado se han hecho cosas bastante complicadas y duras. Me parece que  esa frase  es importante y tiene mucha actualidad.

“Yo interpreto varios personajes”

Para mí como actriz fue un desafío muy grande, porque yo nunca había hecho un unipersonal y “me tiré al agua”. ¡Nunca pensé que fuera tan difícil!

_ Hay que poblar todo el tiempo de sentido, con muchos matices, para mantener al público expectante…

_ Además, yo interpreto varios personajes.  La obra arranca desde la vejez de Luce D’Eramo, cuando comienza a contar la historia y yo la encarno en ese momento, pero va hasta su adolescencia.  Tengo que pasar por una anciana, una señora adulta, hasta una jovencita de 18 años.  Después están otros personajes que se cruzan con ella: la madre, el padre, el  Lager Führer  del campo de concentración, Simone Weil, una filósofa francesa que en un momento tiene como un diálogo ficticio en un sueño… Hago todos esos personajes.

El proceso para hacer todo nos costó bastante, pero después nos quedamos muy contentas  con el resultado Sandra y yo, porque al público le gusta mucho la obra.

Ganamos un premio del  “Programa Fortalecimiento de las Artes” de la Intendencia de  Montevideo, que es un Fondo que nos permite hacer funciones gratuitas en distintos barrios.  El boca a boca posibilitó que cada vez fuera más gente a ver la obra.

_ Deseamos que en San José también haya una gran asistencia de público, porque si bien el aforo se limita por la emergencia sanitaria, en el Macció hay posibilidades  de que muchos vayan a verla.  

_ La gente está yendo al teatro en Montevideo.

_ Acá  también, por suerte…

_ ¡Los esperamos el sábado en el Macció!

Ficha técnica y artística:

Autora: Sandra Massera
Actriz: Noelia Campo
Diseño de escenografía, vestuario e iluminación: Álvaro Domínguez
Maquillaje: Agustín Rabellino
Asistencia de dirección: Romina Grassi
Difusión, diseño gráfico y edición digital de sonido: Carlos Rehermann
Producción: Teatro del Umbral
Dirección general: Sandra Massera

 

Autora y directora teatral Angélica González

Con la directora y autora teatral Angélica Gónzález -“Equilátero- La utopía del amor infinito” en el ECIE

La Cultura en Tiempos del Coronavirus-  Por RSMC- “Equilátero – La utopía del amor infinito”, es una obra teatral de Angélica González (*), que ella codirige con Romina Capote. “Equilátero…” se presentó en los días 6,7, 8 , 13, 14 y 15 de noviembre de 2020, en el Espacio Cultural Ignacio Espino (ECIE). Entrevistamos a Angélica, quien demuestra su creatividad una vez más, con un texto y puesta en escena  tan provocativos como dinámicos,  sobre el amor en la posmodernidad. La obra obtuvo la Primera Mención en el Concurso de Obras Inéditas, COFONTE- AGADU.

Obra  teatral «Equilátero», en el ECIE

El reto de la Tecnicatura en Dramaturgia

_ ¿Cuándo escribiste esta obra?

Angélica González: _ En 2018,  cuando inicié mi Tecnicatura en Dramaturgia. Fue un texto que utilicé y seguí trabajando, para someterlo a revisión, en tutorías con docentes como Jimena Márquez (**), y  con algunos compañeros.

_ ¿Dónde cursas esa Tecnicatura?

_ Se cursa en el Instituto Nacional de Artes Escénicas (INAE), en Montevideo. Está coordinada por la EMAD y  por la Facultad de Humanidades. Yo ya estaba escribiendo obras  teatrales,  y las había estrenado con anterioridad a  esta.  La  Tecnicatura me dio un espacio para mi formación, y para el trabajo específico sobre este texto, que no es una obra de egreso. Terminé de escribirlo a partir de las herramientas que fui adquiriendo en la Tecnicatura. Sigo cursándola.

“Esta tremenda armonía”

_ Ya desde el título se alude a un triángulo amoroso…

_ La historia gira en torno a la pareja formada por Natalia y Manuel, quienes nacieron en la década de los ’90 y son en apariencia tan “líquidos”, como la modernidad  en que les tocó vivir.

_ Son jóvenes que cambian, que son inestables…

Paty García y Gabriel Gozado , en «Equilátero», en el ECIE

_ Es una referencia a los filósofos de la posmodernidad, a esa “Modernidad líquida “, a la que alude en su libro homónimo Zygmunt  Bauman.  Natalia y Manuel hace 6 años que conviven. Están enamorados, pero el amor “les pesa”. Aparece Ana, el tercer personaje,  y con ella intentan encontrar el equilibrio. Creen que ella puede generar un reencuentro con esa estabilidad emocional perdida. No obstante, a veces, esa percepción que le atribuimos al triángulo equilátero, no condice con los seres humanos.

Cuestionamientos  y frustraciones

_ Una tercera persona en cualquier relación,  es potencialmente un factor de discordia. Aún más si se suma a una pareja amorosa…  

_ Es un poco paradójico, porque tanto el triángulo como el número 3, tienen una simbología asociada con la armonía.  La obra es un cuestionamiento a las lógicas con las que nos relacionamos tradicionalmente. Estos personajes están atravesados por la caída de  valores que nos sustentaban…

_ ¿Qué valores “cayeron”?

_ Por ejemplo el  valor de una institución como la familia. Las personas que nacimos en los ’80 y los ’90, comenzamos a descreer  en ella como  institución sólida. Ya no parece tan necesaria para completarnos como seres humanos. El  tener hijos también se pone en duda. Se cuestiona  hasta el hecho de concebirnos junto a otro. En muchos casos, primero está la realización personal. Esto anularía todos esos deseos que se nos imponían como mandatos de la sociedad.

Andreína Lamenza, Paty García y Gabriel Gozado en «Equilátero»

_ Eso aparece en esta obra…

_ Sí, pero no exento de conflicto.  Pertenecemos a una generación atrapada entre no querer reproducir el modelo tradicional familiar,  y  el enfrentamiento con el vacío, por la ausencia de valores reales. Somos una generación tan individualista, como frustrada.  La obra sondea acerca de esa insatisfacción constante, esa imposibilidad de conectar con el otro, por tener distintos ideales sobre el amor.  Entran en colisión el amor romántico con el amor más pragmático. Natalia  descubre que el amor es como una droga, porque es una “reacción  química” y eso la frustra…  Manuel representa una visión más tradicional del amor, no tan interpelativa,  no cuestiona tanto.  La deconstrucción está representada por Ana. En una pretensión utópica de estabilidad, obra el efecto contrario.

“Lautréamont o su última carta”

_ ¿Qué otras obras de tu autoría se han representado?

_ “Lautréamont o su última carta” [unipersonal estrenado en el ECIE en 2018, y protagonizado por Julio Persa].

_ Esa obra ha sido  elogiada. Se dio varias veces en el ECIE,  en la “13ª Feria Internacional de Promoción de la Lectura y el libro de San José” y en otros lugares. Nunca pude verla…Fue muy oportuna por homenajear  al poeta franco- uruguayo  Isidoro Ducasse [1846-1870], quien se conociera como “Conde de Lautréamont”.

_ Estuvimos con “Lautréamont o su última carta” hasta fines de octubre de 2020, en el Teatro Circular de Montevideo.

Premonitoria “25 minutos de oxígeno”

Escribí también la obra “25 minutos de oxígeno”, dirigida por [la actriz maragata] Leonor Chavarría, que estaba enmarcada dentro de un “Proyecto de Teatro Foro” que se llevó a  instituciones sociales, culturales,  educativas, y a la Cárcel de Juan Soler…Plantea un intercambio con el público. Dura 25 minutos. Hace dos años que la estrenamos.

Se representó también en la 14ª Feria del Libro de San José [2019]. Su tópico es el encierro.  Un submarino está averiado y hundido en el mar. Sus tripulantes están atrapados,  y saben  que les quedan solo 25 minutos de oxígeno.

_  ¿Adivinaste que se nos avecinaba esta pandemia? ¡Van a tener que darla de nuevo!

_ Creo que en breve se van a dar funciones, porque obtuvo el Fondo Regional para giras, que otorgan los Fondos Concursables del MEC.

 “Nos propusimos estrenar ‘Equilátero’ en este año,  por dignidad y resiliencia”

 _ Hacen en el ECIE solo seis funciones de esta obra…

_  Sí. Fue todo un desafío estrenar en época de pandemia. Íbamos a estrenar este proyecto en el primer semestre de este año, pero la pandemia frenó todo. Hubo mucha incertidumbre, porque nos preguntábamos para qué seguir ensayando. Tampoco sabíamos qué iba a pasar con el ECIE. Todo quedó con mucha fragilidad: el teatro, los actores, los artistas…

_ Duele mucho lo que le ha pasado y continúa pasando, con todas las disciplinas artísticas durante esta pandemia. Todo lo que quedó en suspenso y vedado durante meses, es lo que hace (re)vivir a la gente.

_ Nos propusimos estrenar “Equilátero” en este año, por una cuestión de dignidad y resiliencia. Por eso nos planteamos hacer 6 funciones, para ver qué ocurría. La verdad es que llenamos la sala, claro que con el aforo reducido por la emergencia sanitaria. La capacidad es de 30 espectadores…

_ Eres muy versátil, porque escribes sobre temas diversos. ¿Qué mensaje o reflexión  harías sobre  “Equilátero…”?

_.  Mi reflexión es que “el amor es siempre subversivo, nos cuestiona y se resiste a ser encuadrado en un plan prediseñado para el cual deba ser funcional. No es nada nuevo. Desde los orígenes de la humanidad y recogido por el Arte, siempre es una experiencia subversiva, que se contrapone con el orden establecido.”

  (*) Angélica González es Profesora egresada del CERP en Lengua y Literatura. Obtuvo la Efectividad como Profesora de Idioma Español. Trabaja como docente.

 (**) Jimena Márquez es dramaturga, directora de teatro, profesora de literatura egresada del IPA,  actriz, y letrista de carnaval uruguaya.

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“Equilátero- La utopía del amor infinito”. Sala: Espacio Cultural Ignacio Espino.  Br. Manuel D. Rodríguez 610, Antiguo Galpón de AFE. San José de Mayo.

Ficha técnica: Texto: Angélica González. Dirección: Romina Capote y Angélica González .Elenco: Andreína Lamenza Geninanzi (Ana) / Gabriel Gozado (Manuel)/ Paty García (Natalia). Investigación en el movimiento: Moriana Romero. Diseño de escenografía y luces: Nåndo Scorsela. Realización de escenografía: Alvaro Ortiz. Diseño y ambientación sonora: Jona Mieres. Vestuario: Tania Galaretto Audiovisuales: Álvaro González. Producción ejecutiva: Julio Persa. Operación de luces: Daniel Calero. Producción: Intermedios producciones. Venta de entradas por Redtickets.

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Apuntes: La obra es provocativa por su contenido y su desarrollo. Es  un relato no lineal, con saltos en el tiempo, y  escenas muy breves o aun vertiginosas, por  lo que capta la atención. Quizá se reitere más de lo necesario el concepto del  triángulo, en el texto e inclusive en una suerte de dramática y frenética “danza” entre los tres agonistas… Natalia (Paty García), logra desconcertarnos. Dudamos siempre qué piensa y/o siente “de verdad”, porque es la cuestionadora. Gabriel Gozado acierta en su personaje estructurado, casi impávido.  Andreína Lamenza convence como la libérrima Ana. El diseño  de la escenografía y su concreción son  muy buenos: su estructura  permite entradas y salidas veloces e imperceptibles de los actores. Iluminación y ambientación sonora se  conjugan para ello. Asimismo, estos contribuyen a  crear los distintos climas “vividos” por estos  tres jóvenes, a quienes el amor les hace bordear varias veces el abismo, literal y metafóricamente, lo que nos impacta y nos hace reflexionar sobre angustias de hoy y de siempre . RSMC.

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Fotografía que encabeza esta página: Autora y directora teatral Angélica González. Esta y las otras fotografías de esta página fueron gentilmente enviadas por nuestra entrevistada.

Esta nota fue publicada el martes 17 de noviembre de 2020, en la pág. 7 del periódico «Visión Ciudadana», de San José de Mayo, Uruguay.

 

Carlos Daniel Espinosa y Renzo Santucho en una escena de Pedro y el Capitán- Foto Adelina Chamorro

Obra teatral por el grupo “eLABORa” el jueves 12 en el Macció – “Pedro y el Capitán”, de Mario Benedetti

La Cultura en Tiempos del Coronavirus-  Por RSMC-

El próximo jueves 12 de noviembre de 2020 a las 20 horas,  el grupo local de  teatro independiente “eLABORa”, estrena su versión de la obra teatral “Pedro y el Capitán” de Mario Benedetti,  en la Sala Rafael Sienra del Teatro Macció.  Benedetti  enfrenta a torturador y  torturado en un intrincado juego de espejos, aparentemente imposible…  La puesta en  escena es de Renzo Santucho, quien también dirige la obra y encarna a Pedro. Carlos (“Calo”) Daniel Espinosa, tiene el rol del Capitán. La música original es de Bruno González, quien la interpreta en la obra. Aquí Renzo Santucho y Carlos Daniel Espinosa se refieren a esta versión. 

 Las localidades (invitaciones) ya están agotadas. Protocolos sanitarios. Duración aproximada de la obra: 1h 20 minutos.

El 21 y 28 de noviembre a las 20 h, se presentará en el Instituto Cultural Español (ICE). En estas funciones, las entradas tienen costo. 

Obra teatral Pedro y el Capitán- Foto: Adelina Chamorro

 El torturador y el torturado

_ Tú y Renzo se atrevieron con “Pedro y  el capitán”, escrita por Mario Benedetti y publicada en 1979 en México, en plena dictadura cívico-militar uruguaya (1973-1985), con un tema candente en ese momento. Empezó como novela con el título “El cepo”, y  luego el propio Benedetti la transformó en una obra teatral que denominó “Pedro y el Capitán”.  Eran dos personajes: el que interroga al prisionero y el que será torturado. La representó en 1979 el Teatro “El Galpón” en México cuando ese grupo teatral estaba allá en el exilio, porque fue perseguido por la dictadura uruguaya. Ha habido varias representaciones más de esta obra  en el Uruguay con diferentes elencos. Es muy bueno que ustedes la hayan retomado,  en este año del centenario del nacimiento de este gran escritor uruguayo.

Tú  encarnas al  Capitán…

Carlos (Calo) Daniel Espinosa: _ Sí. Renzo es el torturado…

  Una  herramienta de transformación y de apertura al diálogo

 Renzo Santucho: _ Agregamos personajes a la obra. Serán los acomodadores de la sala: Yanela Bolazzi y Federico Bentancor. También está el autor e intérprete de la música original: Bruno González.

En este proceso de elaboración, nos propusimos dos  premisas: una, el factor teatral en sí, con la comunión del rito de ir al teatro (por eso será en la “Sala Sienra” y en el ICE), y la otra, que esta obra sea un factor social, una herramienta de transformación, de acercamiento y de apertura al diálogo. Queríamos con esta obra,  ir a buscar a la gente en  varios lugares.

_ Podría presentarse también en espacios alternativos…

C.Espinosa: _ Esa fue nuestra idea original. Deseábamos presentarla en los sindicatos, pero al final, estará primero en el Macció y después en el ICE. Queremos que recorra otros lugares.

R.Santucho: _ Voy a citar la última parte del prólogo de la obra escrito por Benedetti, que hemos tenido mucho en cuenta: “Tenemos que recuperar la objetividad, como una de las formas de recuperar la verdad, y recuperar la verdad, como una de las formas de recuperar la victoria”. Hemos basado todo nuestro proceso creativo en esa frase, desde muchos aspectos.

Objetivos de la “Fundación Benedetti”

_  Hay varios temas en la obra entre ellos: la ideología, cómo resistir a la represión y a la tortura, afines al compromiso de Benedetti como autor y como persona… ¿En qué pusieron el acento en esta versión? ¿Cómo manejan el movimiento escénico?

C. Espinosa: _ Esta puesta escénica está influenciada por una gran cantidad de teóricos teatrales del siglo XX. Fundamentalmente por Bertolt Brecht, en lo que concierne al distanciamiento, Meyerhold por su biomecánica teatral, Augusto Boal por el teatro pobre del “especta-actor”…

Te referías al centenario del nacimiento de Benedetti, y es bueno aclarar que la “Fundación Benedetti” decidió liberar los derechos de autor de “Pedro y el Capitán” para montajes que se hagan en el 2020. Esa fundación está financiada por el propio Benedetti, a pesar de que ya no esté físicamente. Sus libros se siguen editando y se venden mucho. Él quería que la “Fundación Benedetti” tuviera objetivos claros: en primer lugar alentar a los jóvenes creadores y el segundo, una lucha por los derechos humanos, sobre todo de los desaparecidos políticos, y el lema de “nunca más” terrorismo de estado… En esa Fundación aún se tratan de respetar esos objetivos.

Renzo Santucho (detalle), en Pedro y el Capitán. Foto: Adelina Chamorro

Dos roles polifacéticos y varias “rupturas”

_ En la obra Pedro no quiere revelar nada… ¿Cómo encararon esta puesta para que no fuera monótona?

R.Santucho: _ Le agregamos el acto “Cero” que la obra no tenía [en la original había 4 actos]. Tal como lo decía Calo, al basarnos en Brecht, en Boal, y también en otros teóricos como Stanislavski y Serrano, hacemos “quiebres”. El propio Benedetti lo hace en el Acto 3, en el que hay una suerte de mesetas oníricas como alternativas. No quisimos limitarnos a hacerlos en un acto, sino en todo el texto.

En el primer parlamento, el Capitán se dirige a los espectadores. En el 1er. Acto, en el que el Capitán habla solo y se dirige a Pedro, tratamos de que el Capitán no estuviese de pie y Pedro, sentado. Cambiamos las direcciones de las miradas de los intérpretes.

 “Todos somos Pedro”

 Se rompe la “cuarta pared” en casi todos los momentos, porque se involucra a los espectadores y se modifica la visión del Capitán hablándole directamente a Pedro. Es una puesta circular. Hablábamos con “Calo” sobre la identificación: “todos somos Pedro”. Puede ser una afirmación o una pregunta. Se trata también de que no haya un personaje bueno y otro malo.

Ni sentimentalina, ni demagogia

 _ Es bueno evitar el  maniqueísmo, que cada personaje tenga luces y sombras…

C. Espinosa: _ Benedetti señala además en su prólogo, que el texto no debe ser ni lacrimógeno, ni demagógico. Son dos personas que están cumpliendo un rol determinado en la historia. Pedro está destinado a ser un mártir.

_ ¿Y qué pasa contigo? El Capitán es el que trata de que Pedro ceda, se rinda, antes de la tortura…

_ Sí. Pedro tiene toda su carga ideológica. Busca hallar la respuesta de cómo una persona puede convertirse en un torturador.

R.Santucho: _ Esa es LA pregunta de la obra. Hay dos “territorios”: el del Capitán, y el de Pedro. Si bien resignificamos todo el texto de Benedetti, tomamos algunas de sus pautas. Modificamos planteos escenográficos, vestuario…

_ ¿Cómo es  el vestuario?

_ Es atemporal. El Capitán no es de ningún régimen militar ni de una fuerza armada  en particular… Su vestimenta es sutil. No usa botas, ni chaqueta… Pedro está muy despojado.

Resignificaciones de una obra siempre vigente

 En el prólogo de la obra, Benedetti dice que la tensión máxima de esta obra está en la acción dramática, sino en el diálogo interno de los personajes.

_ ¿Cómo logran en sus “máscaras” reflejar los matices de esos diálogos internos? Pedro se supone que está prácticamente inactivo. ¿De qué forma aportan dinamismo a esos dos personajes?C.Espinosa: _ Es una puesta de Renzo. He tenido que manejar en la creación del personaje los conflictos internos y cómo uno no los manifiesta. Trabajamos mucho en lo corporal.

_ El texto original de Benedetti, expresa lo que podría pasar en cualquier lugar del mundo en el que haya represión y tortura.

R.Santucho: _ Sí. Desde el principio nuestra metodología de trabajo fue en base a un laboratorio. Hubo dos jornadas muy intensas: una meramente teórica y la segunda, física.

C. Espinosa: _ La búsqueda intelectual para armar esta puesta fue profunda, pero todos van a entender lo que pasa en el escenario.

R. Santucho: _ Queríamos actuar en la Sala Sienra, porque no se estaba utilizando para obras teatrales.

Haremos otras funciones el sábado 21 y el sábado 28 en el Instituto Cultural Español de San José (ICE), en su local de  25 de Mayo 422. En el ICE se venderán entradas, respetando el aforo establecido por la emergencia sanitaria.

C.Espinosa: _ Hemos tenido un enorme apoyo de la Comisión Directiva del ICE, que nos ha permitido ensayar esta obra en su local, con una generosidad maravillosa, durante varios días y horarios. En el Macció hemos ensayado en el horario de la mañana y también lo agradecemos mucho.

Este estreno va a ser nuestra “prueba de fuego”…

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Ficha técnica de “Pedro y el Capitán”, de Mario Benedetti.Intérpretes: Carlos Espinosa, Renzo Santucho, Yanela Bolazzi, Federico Bentancor .   Intérprete musical: Bruno González.   Iluminación: Daniel Calero.  Maquillaje: Patricia Alvárez. Fotografía: Adelina Chamorro.  Registro audiovisual / Edición gráfica: Adelina Chamorro, Eduardo Gutiérrez. Difusión: Eduardo Gutiérrez. Dirección: Renzo Santucho. Producción general: Carlos Espinosa.

《《:: eLABORa ::》》Elenco Independiente de Laboratorio Teatral    Contactos:  092 039 649 –  099 765 864
elindependientelate@gmail.com

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Fotografía que encabeza esta página: Carlos Daniel Espinosa y Renzo Santucho, en una escena de «Pedro y el Capitán». Fotografía: Adelina Chamorro. Las tres fotografías que están en esta página,  fueron gentilmente enviadas por los entrevistados.

Esta entrevista se publicó el martes 10 de noviembre de 2020, en la pág. 7 del periódico «Visión Ciudadana» de San José de Mayo, Uruguay.

 

 

Directora teatral Lila García en el Macció -

Con la Directora Lila García, de Teatro “El Galpón” -“Arlequino” en el Macció

La Cultura en Tiempos del Coronavirus-  Por RSMC

El viernes 16 de octubre de 2020, Teatro “El Galpón” presentó la obra “Arlequino”, en el Teatro Macció, con la  versión  de Lila García, sobre la obra de Carlo Goldoni (Venecia 1707, París 1793) La  puesta en escena es muy dinámica, inteligente y creativa. Una “ecuación” (*), que condensa la brillante obra de Goldoni. El  excelente elenco no da tregua,  y Andrés Guido, nos “roba el corazón” con su Truffaldino. La risa, la carcajada y la reflexión de esta versión,  deben seguir contagiando calles y escenarios para goce del público de todas las edades. Conversamos con la directora Lila García, después de esta cautivante función.  

Elenco de Arlequino, servidor de dos patrones (de la página de facebook de «El Galpón»)

Versión en clave de farsa con ocho intensos personajes

_ Esta versión tuya de “Arlequino…”, es muy ágil, muy graciosa y certera.

_ “Arlequino, servidor de dos patrones”, fue originalmente una  “Comedia del arte” del siglo XVIII (“Commedia dell’arte”, italiana), escrita como tal por Carlo Goldoni. Lo que hicimos fue versionarla en muchos sentidos. Había en la obra original unos 18 personajes “accesorios” pero necesarios, porque servían a la escena o a sus protagonistas. Concentré todo en 8 personajes. También omití a dos personajes principales: el padre y la madre del Silvio, el novio. Lo que estos dos personajes tenían para aportar, lo hace el dueño de la posada, que es un importante pivot en la obra, como lo es el Señor Pantalone (el avaro).

Otra variación fue que Silvio en la obra original era un “galancito”. Acá es una especie de grotesco, poco inteligente. Fue como una proyección de lo que podría ser el hijo del “dottore” y su señora. Es una burla al  hijo de “los notables”. Silvio se quería casar con Clarisa, porque tiene la misma condición social, pero ella acá tampoco es inteligente. No es así en la obra de Goldoni.

Adoptamos otra decisión estética: hacemos una  farsa y no “Comedia del Arte”. Hemos utilizado algunos trucos, o pases que tenía la “Comedia…”, pero es casi como un guiño. La composición de personajes está totalmente en clave de farsa. Sacamos también la máscara que se usaba, porque quisimos darles más humanidad y más profundidad a los personajes en pocos detalles. En vez de las máscaras de la “Comedia del Arte”, están los antifaces que ni siquiera están puestos, sino pintados en los rostros de los actores.

Más de 30 funciones en la calle y aún más en espacios alternativos

 _ ¡Me gustó mucho eso! Sin las máscaras, se  puede apreciar mucho más la gestualidad, las miradas. Por otro lado, se dispusieron sillas en los flancos de donde se centra la acción. Los actores se iban sentando cuando “debían salir” de escena y disfrutaban de la actuación de sus compañeros. Es el “teatro dentro del teatro”… 

_ Es una decisión de puesta en escena. Adapté esta obra para hacerla en calle y en todo tipo de espacio alternativo (abierto y cerrado). Cuando la hacemos en calle implica muchos desafíos. Entre otras cosas, puede hacerse a la luz del día, como la hemos hecho. Esta obra tiene más de treinta funciones en la calle y por todos los barrios de Montevideo y aún más, en otros lugares. ¡Es la cuarta vez que reestrenamos!

Para hacerla en la calle, necesitábamos validar la escena en un espacio barullento. Había que llamar la atención. Trabajamos mucho la paleta de colores, que son puros, con una estética “como de dibujo animado”. Si no se podía iluminar, porque era de día o  contábamos con  luces rudimentarias, igual se podían distinguir los personajes. Una de las cosas que facilitó mucho esto fue lo que  señalabas: los actores están al costado de la escena, sentados y disfrutando de la obra. Cuando el actor da un paso y entra al “tatami”, que es lo que define el escenario, está el personaje,  y cuando sale, de inmediato “rompe” y es el actor, no el personaje.

_¿Qué es el “tatami”?

_ Es la alfombra sobre la que están cuando actúan. Es difícil ese juego de actor-personaje. ¡Lo hicimos a la vista de todos!

_En un momento te estás riendo como actor y en otro, se están riendo de lo que tú haces… Estos personajes son todos muy convincentes. Es un precioso elenco.

_ Exige mucha precisión. Es un gran equipo.

Cómo ser mujer y administrar el  poder

 Quisimos dar entre otras, algunas lecturas del lugar de la mujer. Si bien en “Arlequino…” de Goldoni, está la mujer que se disfraza de hombre para lograr lo que quiere, hoy eso tiene otra significación. Hicimos recortes de parlamentos, dejando los más centrales, para que tuviese la crudeza de la actualidad, y para que llegase directo el mensaje de lo que significa ser mujer y tener que administrar el poder. “Tiene” que ser “masculina” de alguna manera. Otra lectura que aportamos fue que la criada, que siempre juega desde un lugar secundario, ya que  lo que habla es para “entretener” (en el mal sentido), con un discurso que en general es dejado de lado, acá lo pusimos en primer plano. La criada dice: “¡El mundo es así, porque las leyes las hicieron los hombres. Si las hiciéramos las mujeres…sería otra cosa!”. Eso que es de Goldoni, pasa absolutamente desapercibido en el siglo XVIII, pero en el siglo XXI lo pusimos “como un hueso pelado”, bien puro.

La esencia  del punzante texto de Goldoni

 _¡Qué increíble la visión de Goldoni en esa época!

_ ¡Es notable! Todos lo que está dicho en esta versión es de Goldoni. No hay texto mío.

_ “Podaste” texto para dejar lo medular.                                                              

_ Sí. Dejé la textura válida para hoy. También, más allá de que sea una comedia, traté de que tuviera un mensaje que ha trascendido los siglos, y que estamos tratando de atenderlo desde otro lugar. Quisimos darle mucha relevancia al otro tema: el  de la persona “dependiente de”. Arlequino (o Truffaldino), es de tan baja condición social y económica, que ni siquiera tiene un patrón.  Él no le pertenece a nadie, por lo que no tiene existencia. Su existencia depende de conseguir un patrón. En este personaje, “limpiamos mucho” la pirueta, nos centramos mucho en el hambre.

_ Es el reclamo notorio de ese tragicómico personaje que nos conquista de inmediato, porque nunca le dan de comer… [Guido parece no tener esqueleto, y se expresa con todo su cuerpo].

_ Sí. Este personaje es hasta torpe…Él engaña, pero con inocencia, para saciar su hambre…

_ Su hambre en varios aspectos. También de amor…

_… Y de sexo… Le quitamos adornos que son necesarios en la “Comedia del Arte” del siglo XVIII. Hoy sería demasiado texto. Nos concentramos en la acción escénica.

_ ¿Siguen de gira con la obra?

_ Estuvimos un mes haciendo una nueva temporada en la Sala Campodónico de Teatro “El Galpón”. Hace dos años hicimos una temporada en la Sala Atahualpa. El año pasado realizamos funciones específicas para adolescentes, trabajando en extensión cultural. Ahora salimos de gira. Hoy estamos en San José, en tres o cuatro semanas estaremos en Rocha y esperemos seguir mostrando este Arlequino.

_ Es fundamental que podamos volver al teatro…

_ Para este momento tan difícil, esta obra tiene algo maravilloso, porque es volver a la risa con mensaje. Asimismo, tiene una  ética y estética de la precisión de la actuación,  muy importantes.

Vos la viste en un monumental teatro como el Macció, pero mañana a esta obra la armamos en la plaza a  la luz del día o en el patio del colegio o de un liceo, en la esquina de una escuela, y funciona con la misma calidad que viste hoy. Ese era el gran desafío…

(*) Le dijimos a Lila García “off the record”, que había logrado una suerte de ecuación o sea,  el nudo de un clásico como este, con el mínimo de recursos y de palabras. Ella respondió que era “Matemática pura” y que todos los movimientos de los actores estaban calculados y “triangulados”, aunque ello no se percibiera.

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“Arlequino, servidor de dos patrones”, en el Teatro Macció

Autor: Carlo Goldoni. Directora: Lila García. Elenco: Andrés Guido (Truffaldino), Dulce Elina Marighetti(Beatriz), Rafael Hernández(Florindo), Sofía Tardáguila (Clarisa), Ignacio Duarte(Silvio), Marcos Zarzaj (Pantalone), Dennis Fernández (Brighella), Amparo Zunin (Esmeraldina). Producción: Teatro “El Galpón”, de Montevideo.

Reseña: Cuando Clarisa y Silvio están a punto de casarse, se presenta Truffaldino, anunciando la llegada de su patrón Federico Rasponi, anterior prometido de Clarisa a quien se lo creía muerto. El “muerto” es su hermana Beatriz, disfrazada de Federico, que llega a Venecia en busca de su novio Florindo Aretusi. Truffaldino encuentra a Florindo, quien también necesita criado y se emplea con los dos patrones al mismo tiempo. Eso provocará líos varios…


Foto que encabeza esta página: Directora  de teatro  Lila García en el Macció

Esta entrevista fue publicada el martes 27 de octubre de 2020, en la pág. 7 del periódico «Visión Ciudadana», de San José de Mayo, Uruguay.

El Otro en El Galpón

“EL OTRO”, CON LA ACTUACIÓN DE HUGO GIACHINO, EN EL TEATRO EL GALPÓN

REGRESA A ESCENA LA OBRA NOMINADA AL PREMIO FLORENCIO 2019 “EL OTRO”, CON LA ACTUACIÓN DE HUGO GIACHINO, EN EL TEATRO EL GALPÓN

En el marco del ciclo “Teatro a Puertas Abiertas” organizado por la Institución teatral El Galpón de Montevideo,  se presentará el jueves 29 y viernes 30 de octubre, a las 20.30 horas, en la sala César Campodónico, la obra interpretada por Hugo Giachino, bajo la dirección del argentino Becky Garello, que fue nominada al premio Florencio en la temporada 2019, “El otro”. Un unipersonal escrito por el autor uruguayo Gabriel Guerrero que lleva al protagonista a situaciones límite e incontrolables.
“El otro” se estrenó en noviembre de 2019, en el Teatro de La Candela, con intención de abrir la temporada 2020 de dicha sala. La pieza fue llevada a diversos puntos del país, subiendo a escena en Centros Culturales o Deportivos.
Por la temática que aborda, su puesta en escena y posterior debate, resultó sumamente útil para instituciones que tratan distintos tipos de adicciones. Y así fue presentada en Alcohólicos Anónimos y en espacios de rehabilitación de diversas adicciones.
El texto habla del amor y el desamor, de la cordura, el alcoholismo y las drogas. Tiene mucha realidad en sus palabras, y pone a los espectadores al borde del abismo…
El cuidado trabajo del actor, hace que todos se puedan identificar con el personaje desde distintos lugares, ya que los claroscuros por los que transita el personaje tienen también relación con la cotidianidad y las interrogantes que uno se hace a sí mismo.
“El otro” fue nominada a los premios Florencio 2019, tanto por la puesta en escena como por la labor del actor.
Por la complejidad presentada en la definición del personaje el actor logra que tanto alcohólicos, como adictos a drogas o pacientes psiquiátricos, e incluso el público en general, se identifique con ese ser sobre el escenario que va pasando por distintos estados de ánimo, enfrentándose a la soledad, el abandono, el desamor, en síntesis a sí mismo.
Un trabajo cuidado del autor muestra las sensibilidades del ser humano en los momentos más trágicos de sus vidas, situando el momento en que el hombre se enfrenta a su propio abismo.
El director, Becky Garello, logró sacar el mejor trabajo del actor, Hugo Giachino, para conmover al espectador, algo que se logra en cada función. La obra plantea una reflexión para todos sobre las situaciones por las que pasan las personas en sus momentos límites, y que no pueden controlar.
AGRADECEMOS LA DIFUSIÓN QUE PUEDAN DAR DE ESTAS FUNCIONES EN SUS MEDIOS. Y SOLICITAMOS ENTREVISTAS CON EL ACTOR. MUCHAS GRACIAS.
Contacto prensa:
Lic. Myriam Caprile
Celular: 099-883182
Mail: mimi@netgate.com.uy

Docente, directora y actriz de teatro Sandra Acosta Torrado

Con Sandra Acosta Torrado- El teatro como norte

La Cultura en Tiempos del Coronavirus-   Por RSMC                          

En el  pasado mes de agosto de 2020, se reanudaron los talleres  presenciales de la Escuela de Arte Escénico de la Casa de la Cultura de San José.  Conversamos con Sandra Acosta Torrado, docente del Taller de  1er. año de la Escuela de Arte Escénico, que se realiza los martes,  de 19 a 22 h en el Teatro Macció. En el marco de los talleres de descentralización de la Cultura del Gobierno Departamental, Sandra da clases  en Puntas de Valdez y en Mal Abrigo. Hace años que  se destaca también como directora, actriz  y autora de textos representados por el grupo teatral local “Sostenido por Bemoles”. La saga de  “Pijama Party” y otras obras para niños y adultos de ese elenco,  han conquistado al público.

Historia del Teatro y consignas de trabajo por WhatsApp

_¿Cuántos alumnos tienes?

_ Actualmente tengo 14 alumnos.

_ En la entrevista que le hice a Leonardo Preziosi,  docente de 2º y 3er. año de la Escuela de Arte Escénico, él señalaba que tenía una  buena cantidad de alumnos. 

_ Desde hace varios años, la matrícula de la Escuela de Arte Escénico ha ido aumentando.

_  Hemos hablado con otros docentes. Todos cuentan cuán complejo ha sido este año para abordar la enseñanza.

Sandra Acosta Torrado: _ Este año planteó muchos desafíos para los docentes y para los alumnos. Nos obligó a comunicarnos a través de medios que no utilizábamos habitualmente para dictar una clase.

Tengo a mi cargo el grupo de 1er. año de Arte Escénico de Casa de la Cultura. Empezamos en la primera semana de marzo, con las pruebas de admisión. Estalla la pandemia de Coronavirus en seguida (13 de marzo), y debimos ingeniarnos para continuar con los cursos a través de WhatsApp. Teníamos una frecuencia de encuentros como si fuesen clases normales. Yo distribuía material teórico y algunas consignas de trabajo para que los alumnos fueran desarrollando durante la semana. Ellos iban haciendo las entregas. Estas “llegaban” cuando el alumno las podía terminar. Los plazos se alargaron…

_¿Qué día son  las clases presenciales ?

_ Ahora las presenciales son los martes de 19 a 22 horas. Comienzo la clase haciendo relajación, luego seguimos con contenidos teórico-prácticos, y después creación libre o creación colectiva. Todo eso demanda concentración y dedicación.

Cuando hacíamos los talleres virtuales, intentamos mantener el día martes.  Las consignas teóricas abarcaron  en ellos desde la Historia del Teatro a corrientes teatrales como las de Stanislavski, Strasberg… Se han estudiado distintos teóricos del teatro, para que tuvieran una aproximación al Arte Escénico y su Historia.

Grupo de 1er año de la Escuela de Arte Escénico, en el Macció (2020)

Poema “Los leones rondaban la casa”: motivador de la creación colectiva

Realizamos después un acercamiento de contexto histórico para la creación colectiva, que empezamos a generar ya desde el momento en que trabajábamos desde la virtualidad.

_ ¿Cuándo iniciaron esa creación colectiva?

_ En abril y mayo empezamos a pensar qué queríamos contar… El disparador fue el poema “Los leones rondaban la casa”, de Marosa di Giorgio. A partir de él, surgió el tema del encierro, del aislamiento y del miedo, que era lo que nos estaba pasando a todos. Poco a poco el grupo fue llegando a principios del siglo XX, en la época de la Gripe Española. Tomamos desde fines del siglo XIX, hasta los años 1917 y 1918 del siglo XX.

Historias y personajes que derrotaron los miedos

 Se fueron generando distintas historias y personajes, que es sobre lo que estamos trabajando ahora.

Hicieron una línea de tiempo para la contextualización histórica en la que se esmeraron muchísimo. Fue maravilloso. Estudiaron además todo lo concerniente a la arquitectura, usos y costumbres de la época elegida. Nos detuvimos en todos esos contenidos, y en general, se dedicaron mucho a ellos. Hubo algunos altibajos, porque con toda esta situación de la pandemia, a veces se desmotivaban… Estábamos todos como equipo tratando de dar ánimo a los que flaqueaban.

_ Eso nos pasó porque siempre acechaban la ansiedad, los miedos…

_ Eso ocurrió en especial en esos meses en los que no podíamos salir. Todos necesitábamos la contención de los otros. Todo esto  ha sido una prueba muy movilizadora para nosotros como seres humanos.

Consolidación del grupo humano  y  uso adecuado  del espacio escénico

En agosto volvimos a las clases presenciales, y ahí comenzamos a realizar aprestamiento físico. Ahora tratamos de consolidar al grupo humano desde lo presencial, que es una forma de vincularse muy diferente a la virtual. Es importante analizar las posibilidades que tiene el  cuerpo de moverse en el espacio. Nos detenemos en el uso adecuado del espacio escénico. Les damos todos los elementos de desplazamiento y triangulación. Esta se refiere a la forma en la que el actor tiene que pararse y moverse en el escenario, para que cada escena sea estéticamente agradable y que un actor no tape a otro.

La semana que viene ya vamos a empezar con el montaje de la creación colectiva.

_ Deben pensar en la escenografía…

_ Mis propuestas con los alumnos son bastante escasas de escenografía. Me parece que lo que tiene que lucir es el trabajo del alumno. No se pretende mostrar la maestría del desarrollo escenográfico de un profesor. El profesor es un guía.

_ Hace tiempo que muchos directores  prefieren no abusar de artilugios y de escenografía.

_ Siempre se puede optar por hacer una obra muy realista . En mi caso, tiendo al minimalismo: poca escenografía.

Talleres en Puntas de Valdez y Mal Abrigo: Niños, jóvenes y adultos

 Quiero destacar que también estamos trabajando con talleres descentralizados en el interior del Departamento.

Es una experiencia maravillosa, por todo lo que implica: democratizar el acceso a bienes culturales para toda la población del Departamento de San José.

En mi caso, trabajo los miércoles en Puntas de Valdez y los jueves, en Mal Abrigo. Estamos en Mal Abrigo desde el año 2012, trabajando con elencos de niños, jóvenes, y vecinos de la localidad que se han acercado.

_ ¡Qué bueno!

_ ¡Es un motorcito cultural para toda la comunidad!

Este año, un grupo de adultas mayores de Puntas de Valdez, no pudo concretarse por la pandemia de Coronavirus. Estamos trabajando ahí con un grupo de niñas preadolescentes, que son muy dedicadas.

 “La formación docente o profesional debe ser permanente”

 _ ¿Qué puntualizarías sobre tu formación como docente de teatro?

_ Soy docente egresada de un Curso de Docencia y Dirección Teatral, que desarrolló el Ministerio de Educación y Cultura entre los años 2001 y 2004. En ese curso tuve docentes como Roberto Jones, Elena Zuasti, Isabel Pérez –Sawer, Graciela Escuder, Myriam Gleijer y Carlos Aguilera. ¡Era un staff docente “brutal”! De esos cursos salieron gente de  carrera como Sofía Sánchez en Paysandú, Estela Golovchenko en Río Negro… Era un curso que estaba destinado para personas del interior del país, para que nos tornáramos profesionales en la enseñanza del teatro.

Yo comencé a dar clases en el año 2012 en la Casa de la Cultura de San José, como docente ya recibida. Hubo un concurso  y yo quedé en “stand by”, porque se había cubierto el cargo con Leonardo Preziosi. Al siguiente llamado, me convocaron a mí.

También había estudiado teatro y había hecho cuatro años de Práctica Docente  en la Casa de la Cultura de San José.

_ Me comentaste “off the record”, que has participado en talleres de teatro por Zoom…

_ La formación docente o profesional debe ser permanente en cualquier área. Aprovechando esta situación de pandemia, hice unos talleres virtuales con “Espacio Potencia” de Buenos Aires. Eran con Diego Peretti y Mercedes Morán. Ahora espero iniciar otros talleres con el “Actor’s Studio”, con la gente de Martín Gandolfo, también de Buenos Aires.

“Sigo escribiendo”

 Sigo escribiendo y preparando obras que vamos a presentar cuando las condiciones sean óptimas. Este año se cumplen 10 años del elenco “Sostenido por bemoles”, pero dejamos los festejos para el año que viene:

Estamos desarrollando un proyecto que ganamos de ANDE (Agencia Nacional de Desarrollo), y parte del elenco participa en él, con dramaturgia mía, como siempre. Nuestro proyecto tiene que ver con la educación financiera a través del teatro.

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Esta entrevista se publicó el martes 15 de setiembre de 2020, en la pág. 7 del periódico «Visión Ciudadana», de San José de Mayo.

Fotografía que encabeza esta página: Docente, directora y actriz de teatro Sandra Acosta Torrado.

Las fotografías fueron gentilmente cedidas por la entrevistada.

Leonardo Preziosi

Con Leonardo Preziosi – ¡Mantengamos encendida la luz del teatro!

La Cultura en Tiempos del Coronavirus                              

 Por RSMC

El reconocido director, actor y dramaturgo uruguayo Leonardo Preziosi, es profesor de la Escuela  de Arte Escénico  de 2º y 3er.año de Adultos,  y de Niños y Adolescentes de la Casa de la Cultura de San José. También da clases en Ecilda Paullier, a través de los talleres de descentralización de la Cultura del Gobierno Departamental. Entrevistamos a Preziosi, quien se refiere a la reanudación de estos talleres en forma presencial. Destacó que todos los talleres de la Casa de la Cultura se realizan ahora con todas las precauciones sanitarias fijadas por los Ministerios de Cultura y Salud Pública.

Más información por tel.: 434 22104; casadeculturasj@gmail.com

Ensayo general de la Escuela de Arte Escénico de Niños y Adolescentes en el Macció (2019).

Planificado trabajo que se mantuvo sin pausa  a través de medios virtuales

 _ Hace años que eres profesor de los talleres  de  Arte Escénico de 2º año de Adultos…

_ Sí. Ahora también tengo a mi cargo 3er. Año, porque se jubiló Myriam Gleijer(*), quien  fue la profesora de 3º durante varios años.  Comencé con 3er. Año en la primera semana de agosto, cuando retomamos el trabajo presencial.  Fue mi primer contacto con esos alumnos.

Yo había iniciado la tarea en marzo. La última clase presencial fue el sábado 14 de  marzo con el grupo de niños y adolescentes. A partir del lunes 16 de marzo, se produjo un “impasse” por la pandemia del Coronavirus. Iba a ser por dos semanas, pero se transformaron en meses.  Mantuve con los alumnos un contacto virtual, muy diferente a lo que estábamos acostumbrados, pero avanzamos de acuerdo a un plan de trabajo.

_¿En qué  días trabajas con los distintos grupos y cuál es la carga horaria?

_ Trabajo con 2º año los lunes y con 3º,  miércoles y viernes. Los viernes y sábados tengo  la Escuela de Arte Escénico de niños y adolescentes y son dos horas y media de clase. Los dividí en cuatro grupos. Son de 1º y 2º años. Son dos grupos por cada año.

 Análisis e interpretaciones de cuentos con niños y adolescentes

_¿Qué tareas realizaban los más pequeños en forma virtual?

_ Hacían tareas escritas en las que  me planteaban historias o yo les planteaba un cuento que íbamos analizando. En una segunda etapa,  interpretaban ese cuento a través de un video armado libremente por ellos. Yo les iba marcando ciertas correcciones, en función de lo que me iban mostrando: en el guión, lo actoral… Se enfocaban distintas temáticas. Algunas relacionadas con la cuarentena que estábamos viviendo y otras, que apuntaban al rescate de cuentos o de lo que ellos imaginaban, creando su “propia literatura”. Ahora por suerte, retomamos lo presencial.

_ Supongo que era una tarea ardua, porque recibirías en cualquier momento los mensajes por whatsapp…

_ No fue sencillo… Al principio se trataba de mantener o respetar que los intercambios fuesen en los días y horarios de las clases. Sin embargo, con el correr del tiempo, todo se fue desajustando. Decidí acompañar el trayecto de  todos modos, aun cuando no se ajustaban a días y horarios preestablecidos. Nos comunicábamos a través del whatsapp. Más allá del sostén artístico, había un sostén emocional, para no perder el vínculo con los alumnos. Fue un gran sacudón para todos. No era buen momento para dejar en soledad a nadie. A veces era un sábado a las 23 horas y yo le estaba corrigiendo un cuento a un niño o a un adolescente que me lo había enviado a esa hora… Fue un tanto “loco” pero así se pudo trabajar…

Poemas de Benedetti entrelazados con “La tregua”

_ ¿Cómo trabajabas con 2º año?

_ Tengo 12 alumnos en este grupo.Utilizábamos la misma herramienta virtual. Trabajábamos a nivel grupal, pero insistí mucho en las devoluciones individuales, para no focalizar todo en un grupo de whatsapp. Se planteaban tareas colectivas, pero luego les hacía un seguimiento individual. Entre varias ideas,  fuimos enfocando el tema que ahora estamos trabajando de manera presencial: el Centenario del nacimiento de Mario Benedetti.

_ ¿Trabajan sobre una novela o sobre textos de Benedetti?

_ Comenzamos trabajando libremente textos de Benedetti, que fueron elegidos por los propios alumnos. Después traté de que se dirigieran a los “Poemas de la oficina” de ese autor uruguayo. Ahora nos dedicamos a ellos, y se me ocurrió entrelazarlos con escenas de su novela “La tregua”. Son dos mundos distintos, que conviven, porque todo gira en torno al tema de la oficina. Le aportamos imaginación, para generar algo que creo que podrá disfrutarse (esperemos que) con un buen marco de público hacia fin de año. Si no se pudiera por la pandemia, veremos cómo lo presentaremos.

_ Ahora algunos están haciendo teatro por streaming Está claro que no es lo mismo tener a los actores cerca de nosotros.  Son dos lenguajes diferentes…

_ Sí, pero son caminos alternativos que se han buscado para que el teatro no muera del todo.  Ahora hay una suerte de “resurrección”, con la posibilidad de trabajar en público, pero sabemos que con un margen muy reducido. El Teatro Macció aún no ha reanudado su actividad pública. Sí lo han hecho algunos teatros en Montevideo, pero con un aforo que ni se aproxima a lo que se necesita para los actores y el público.

Tributo a  la poeta Idea Vilariño y otros proyectos

_ Se han perjudicado todos los que están relacionados directa o indirectamente con la actividad teatral. Eso  ha sido malísimo desde el punto de vista económico para ustedes.

            ¿Qué vas abordar con 3er. Año?

_ Estamos analizando algunas posibilidades,  pero aún no están definidas. Estamos trabajando, pero el egreso de estos alumnos se posterga por razones obvias para el 2021. Empezamos a mitad de año y terminaremos a mediados del año que viene, para lograr el egreso. Trabajaremos sobre algunas figuras públicas que se están reconociendo culturalmente. Quizá en  el mes de octubre de este año, hagamos una representación pública brindando tributo a la  poeta Idea Vilariño. También se deberá buscar un texto de dramaturgia. Estoy pensando qué obra teatral vamos a elegir entre cuatro que preseleccioné… Son 15 alumnos, por lo que no es fácil. Confirmados al día de hoy tengo 13. La concurrencia es opcional por la emergencia sanitaria.

_ Es preciso saber con cuántos alumnos cuentas “efectivamente” para realizar los ensayos…

_ Sí. Por suerte hace cuatro años que la Escuela de Arte Escénico ha tenido un incremento importante de alumnos. Cuando inicié mi trabajo como profesor en la Casa de la Cultura hace  12 años, había un máximo de 9 alumnos.

Las artes en este momento han tenido una preponderancia en la vida de la sociedad, debido a la posibilidad de las redes sociales, de lo virtual a nivel masivo…

Autor de varias obras  teatrales exitosas

_ Defendamos que se sigan abriendo las salas de teatro, de cine, y de otras  disciplinas artísticas y que se les brinden oportunidades de trabajo a profesores como tú. Eres además director, actor de teatro y dramaturgo.

_El último trabajo que hice como actor fue en el Teatro “El Galpón”, hace más de 10 años. Me enfoqué más a la dirección, a la docencia y a la dramaturgia. Escribí obras que se hicieron en distintos teatros montevideanos. En el Teatro Circular de Montevideo: “Llorones (Industria Nacional)”, protagonizada por Wálter Reyno, fue muy popular. En la 2ª edición de la obra “¡Ah, machos!”, participamos varios autores: Fontanarrosa, Fernando Toja, Franklin Rodríguez y yo.

En el Teatro del Centro, se representó mi obra “A las doce de la noche se baila La Traviata”, protagonizada por Gabriela Iribarren, con dirección de Mario Ferreira.               “Detrás del olvido” se representó en 2008 por la Comedia Nacional en la reapertura de las alas laterales del Teatro Solís. Fue dirigida por Juan Saraví. Los actores eran Pepe Vázquez, Claudia Rossi, entre otros del elenco de la Comedia Nacional.

_Sería bueno que pudieras reponer una de tus obras con tus alumnos…

_ Cuando hay muchos alumnos se buscan textos con varios actores y existen textos de autores clásicos que están por encima de uno… Es casi obligatorio que los alumnos puedan enfocarse en una obra de Lorca, de Brecht, de Molière, de Shakespeare, de Florencio Sánchez…

_ Sandra Acosta Torrado es la profesora de 1er. Año de la Escuela de Arte Escénico…

_ Sí. Creo que ella está trabajando los martes en el Teatro Macció. Siempre con la Escuela hacemos ensayos en el Macció, además de trabajar en la Casa de la Cultura con los alumnos.

El trabajo de los artistas es vital para todos

_ ¿Qué les dirías a los teatreros?

_ Creo que la peor tormenta ya pasó y que estamos saliendo a flote. Tratemos de ver el lado positivo. Si bien estamos lejos del arte teatral como lo concebimos, no estamos hundidos como hace unos meses. La gente no debe olvidar que durante la pandemia todos escuchamos música, miramos cine, series, alguna obra de teatro por Youtube… Eso es trabajo de los actores. Mientras sucedió todo eso, los actores estábamos con la luz apagada, sin poder generar recursos. Es bueno que la gente vislumbre la importancia de la Cultura y del Arte…

(*) Consagrada actriz del Teatro El Galpón, al que está vinculada desde 1961. Ha sido galardonada con incontables premios.  Recibió el Florencio a Mejor Actriz en 2015 por “Cocinando con Elisa”. Fue docente en la Casa de la Cultura de San José durante más de dos décadas.

Esta entrevista fue publicada el martes 18 de agosto de 2020, en la pág. 7 del periódico «Visión Ciudadana», de San José de Mayo, Uruguay.

En la fotografía que encabeza esta página, está el Director, dramaturgo y docente de teatro Leonardo Preziosi.  Esa y la otra foto de esta página, fueron gentilmente enviadas por Leonardo Preziosi.

 

COFONTE

COFONTE INFORMA

COFONTE INFORMA

Montevideo, 11 de agosto 2020

La Comisión de Fondos del Teatro (Cofonte) comunica la resolución sobre los apoyos del Segundo Llamado 2020 -sólo en Infraestructura, como se informó oportunamente-, los que serán entregados el lunes 24 de agosto, a partir de las 14 horas, en nuestra sede de la calle Tacuarembó 1442 of. 319.

Para cumplir con los protocolos que impone la actual pandemia, se enviará la próxima semana -por mail- a cada grupo apoyado el horario en que deben presentarse las dos personas responsables de cada proyecto, para firmar el contrato y recibir el apoyo correspondiente.

Quienes no lleguen a la hora indicada, con documento de identidad y en forma (con tapabocas) no podrán ser atendidos.

Los grupos a ser apoyados son los siguientes:

Monteamérica (Teatro a la vista)

  1. Biblioteca Varela

Teatro Itinerante Paysandú

AnimArte Teatro Agraciada

Espacio Teatro

Grupo Teatral A Proscenio

La Cretina Asociación Civil

Grupo Atrapasueños

Hidalgos T.IND.

Pequeño Teatro de Durazno

Teatro ParaTodos

La Escena

Institución Teatral El Galpón

Espacio Palermo-IAM

Animalismo Teatro

Cuarto Ensayo

C.C. Carlos Brussa-SUA

Teatro Victoria

Grupo Independiente Del Patrimonio

Pequeño Teatro de Morondanga

Grupo Babilonia

Teatro del Museo

Arteatro Montevideo

Kinderspiel

Teatro El Tinglado

Grupo Si porque sí

Teatro de la Mancha

Los Winnis- Arteatro Paysandú

Círculo de Teatro de Dolores

La Loca Compañía – E.C. Las Bóvedas

Entropía

Teatral Cañada Nieto

Grupo Experimental San Ramón

Teatro Eslabón

Aquinomás Títeres

Títeres de Cachiporra

Leonor Chavarría

Maragata Leonor Chavarría en serie de teatro por Web- Inquietantes “Dos hermanas” nos dejan sin aliento

La Cultura en Tiempos del Coronavirus                       

 Por RSMC

El pasado viernes 19 de junio, a las 20.30h, se estrenó la miniserie de teatro “Dos hermanas” de Anthony Fletcher, con la actriz maragata Leonor Chavarría y Florencia Santángelo, dirigidas por Claudia Sánchez. Son 4 capítulos que se ven los viernes en vivo y simultáneo, desde Uruguay y Brasil por el Canal de Youtube de Sala Verdi. Entrevistamos a Leonor. La intriga fue tal que ya vimos los dos capítulos y nos cuesta esperar hasta el viernes 10 de julio…

            Entrar en: Dos Hermanas/Sala Verdi. Duración de cada capítulo: 20 minutos. Deben ponerse auriculares y esperar como si estuviesen habilitando la sala teatral. Pueden verse los dos capítulos anteriores.

                                        Florencia Santángelo

_ ¿Cómo surgió esta idea de hacer esta obra de teatro por Streaming? La obra se refiere a  Leonor y Flor, dos hermanas.

Leonor Chavarría: _ El proyecto surge desde el año 2016. Hacía mucho tiempo que Florencia y yo queríamos trabajar juntas. Cuando viajé en 2016 a Río de Janeiro, surgió la idea de hacer una obra de teatro. Ella en Río y yo acá, en Uruguay. Florencia vive en Río.

Germen en “Latencia” obra que también se vio en Brasil y Uruguay por Streaming

_ ¿Florencia pertenece a algún elenco estable o es actriz de teatro independiente?

_ Es independiente, pero trabaja con varios elencos. Es uruguaya y fue una compañera mía de la EMAD [Escuela Multidisciplinaria de Arte Dramático, Montevideo, Uruguay]. Se fue para Brasil en el año 2003.

El actual proyecto “Dos hermanas”, tiene un germen en “Latencia”, una obra de teatro que se estrenó en 2018. Se trasmitía simultáneamente  en Río de Janeiro en el “Teatro Poeira” y en el Teatro El Galpón de Montevideo. Vos veías el público que estaba allá y el de acá a través de las pantallas. Desde el año 2017 estamos trabajando con esa plataforma de “Zoom”, tanto para los ensayos, como aplicándola a escena.

_ Fueron premonitoras de todo lo que tendríamos que hacer…

_ En realidad, en todo lo que tiene que ver con la escena, los lenguajes se van cruzando. Ya se estaba trabajando en eso antes del año 2017. Creamos ese lenguaje por la necesidad de estar juntas… En “Latencia” se hablaba más de lo que era la “autoficción”, de nuestra historia, atravesada por la historia de los hermanos “Caín y Abel”, que lo transformamos en dos hermanas.

El lenguaje teatral con toda su magia merced a un potente equipo de trabajo

 A raíz de que se produce todo ese problema con los teatros, la Sala Verdi nos ofrece hacer “Latencia”, pero nosotras queríamos seguir investigando sobre ese formato, las plataformas digitales y cómo contar  una historia que fuera teatral. Los lenguajes se pueden cruzar y puede ser más cine que teatro.

 _ Ese es el riesgo…

_ Queríamos explorar el lenguaje teatral a partir de esta plataforma que es por un lado el “Zoom”, pero que se vuelve complejo. Tú no solo ves una conversación por “Zoom”, sino que es una trasmisión que pasa por una editora que es Claudia Sánchez, la directora de la obra. Ella está trasmitiendo, pero todo pasa por su computadora y ella  manda lo que ves en la pantalla: las placas, la entrada o salida de una actriz, la música… Ha tenido una tarea increíble en dirección técnica y actoral. Claudia ha estado con nosotras permanentemente. Nosotras somos las que manejamos la cámara en nuestros dispositivos: el primer plano, la voz… Es muy teatral.

_ La música original es de Silvia Meyer y logra un clima muy sugerente.

_ Sí. Es una autora uruguaya genial. Ahora está en Nueva York, pero compone para la serie. Le mandamos los capítulos de los ensayos y ella crea la música.

 Agradecimiento a la Sala Verdi

_ Cada una de ustedes está en su casa. Claudia y tú en Uruguay, y Florencia, en su casa en Río. Es un trabajo complejo…

_ “Parece” muy simple, pero no lo es, porque implica el manejo de herramientas. Debemos ensayar muchísimo para que parezca simple y que no se perciba que hay una edición.

Quiero destacar la  generosidad de  la Sala Verdi al ofrecernos este proyecto.

__ Ustedes salen por el Canal de Youtube de esa sala… ¿Quién es el director de la Sala Verdi?

_ Gustavo Zidán.

La inexplicable y perjudicial postergación del inicio de clases artísticas

_ Si bien como artistas nos es posible investigar, creo que es necesario a nivel gubernamental, dar un colchón a los artistas para que podamos seguir trabajando. No hemos podido trabajar desde que se cerró todo por la pandemia. Desde ayer [25 de junio], un comunicado del Ministerio de Cultura postergó el inicio de clases artísticas sin que sepamos bien por qué. La Educación Primaria y Secundaria ha arrancado. Para nosotros los artistas, el momento de la clase es primordial para vivir.

_ ¿Dónde darías clases tú cuando puedas hacerlo?

_ En el “Teatro Stella”, de Montevideo. Los artistas no entendemos qué pasa. Se están abriendo los shoppings y no nos permiten trabajar en nuestras clases con protocolos sanitarios…

_ No se entiende esa postergación…

            Volvamos a “Dos hermanas”. Las personas que nos perdimos el primer capítulo… ¿podemos verlo después?

_ Sí. Y cada capítulo dura 20 minutos. Se trata de que sea un lenguaje cercano y que te permita verlo en cualquier momento.

_ Es inteligente que sean solo 20 minutos, porque posibilita que el espectador se concentre.

_ ¡Claro! Estamos trabajando con otra atención en las pantallas. No estás en una sala de teatro. El espectador puede irse o distraerse  porque agarra el celular. Apostamos a que en esos minutos que están con nosotros, puedan meterse en la historia.

        Obra teatral «Dos hermanas», de Anthony Fletcher

Dos hermanas. Dos países. Algo o alguien acechan a una de ellas…

_ Hablemos del argumento…

_ Son dos hermanas en situación de pandemia. Flor la llama desde Río de Janeiro a Leonor, para decirle que hay un intruso en su casa. A partir de eso, se atraviesa la relación entre ellas, la vida de cada una, la referencia a sus padres y también el aislamiento. La serie plantea esa realidad. Si bien para nosotros hay una flexibilización de la cuarentena, muchos no están trabajando o se cambiaron las formas de hacerlo. Aparece el  “tele-trabajo” y  la realidad actual. Flor está en Brasil, en una cuarentena total, desocupada, y llama a su hermana porque siente que hay alguien en su casa.

El espectador y la adrenalina de la trasmisión en vivo

_Cada capítulo culmina con una incógnita…

_ Hay suspenso, pero se apunta a generar el lenguaje teatral, que sientas que lo que ves está pasando en ese momento. Queremos que la gente “se cuelgue” en vivo. Cuando entrás a la trasmisión, ves que se va uniendo la gente, comenta a través del chat y se genera eso en un plano virtual. Deseamos que las verdaderas salas se abran, pero es lindo que el espectador lo vea en vivo y que sienta la adrenalina de que pueda fallar ese mecanismo. Eso crea en el espectador la conciencia del momento. Pasa  en el teatro al que estamos habituados, porque el actor se puede olvidar de la letra (risas), se puede caer un objeto… Tiene esa cosa de equilibrista.

Flor y yo tenemos nuestros celulares como dispositivos. Trabajamos con alguna luz, pero poco más. Necesitamos una buena conexión. Hay un proceso previo que hicimos de la herramienta “Zoom” desde el año 2017, que aplicamos para que se acerque a la magia del teatro.

En la página de Sala Verdi, está la música de inicio, pero hay que esperar, porque es como “dar sala” en la trasmisión.

_¿Quieres agregar algo?
_ Sería muy bueno que se habilitaran las salas teatrales y otros espacios, con los protocolos sanitarios correspondientes.

Asimismo, sería importante que los gobiernos municipales abrieran la posibilidad de utilizar ese tipo de plataformas, para que los artistas avancen en esta situación tan complicada, y que potencien el lenguaje teatral.

Serie teatral en vivo por Youtube de Sala Verdi/Dos hermanas.

Ficha técnica  – Dramaturgia: Anthony Fletcher . Dirección: Claudia Sánchez . Actrices: Leonor Chavarría (Montevideo) y Florencia Santángelo (Río de Janeiro) .Música original: Silvia Meyer. Producción: Kashmir Productora / Sala Verdi.

Esta entrevista fue publicada el sábado 03-07-2020, en la pág. 13 del periódico «Visión Ciudadana», de San José de Mayo, Uruguay.

La fotografía que encabeza esta página es la de Leonor Chavarría.

 

EL COMFORT DE LOS ESCLAVOS (foto gentileza de Daniel Andino) -

20 de setiembre en el Macció- «El comfort de los esclavos”: La Tabaré y el Cretino

El próximo viernes 20 de setiembre a las 21 horas, se presentará en el Teatro Macció, el espectáculo “El comfort de los esclavos”, basado en el último álbum  de la banda “LA TABARÉ”: “Blues de los esclavos de ahora”.  Rock, blues, otras sonoridades, y humor crítico sobre la sociedad actual,  con los amalgamados talentos de Tabaré Rivero, su banda, y el elenco de teatro el “Cretino”, de Federico Guerra. Entrevistamos al gran Tabaré Rivero el pasado 6 de setiembre, en el local del periódico «Visión Ciudadana» de San José.  Entradas $400, por Tickantel.

Música con humor corrosivo

 Tabaré Rivero: _ Este espectáculo de la banda “La Tabaré”, tiene

                                      Tabaré Rivero

rock y blues, tal como está acostumbrada a tocar, al que se suma un grupo de actores dirigidos por Federico Guerra, joven actor y dramaturgo que ha sido muy reconocido últimamente, ya que ha ganado premios.

_ El grupo teatral se llama “Cretino”…

_Sí. “La Tabaré” tiene mucha afinidad con  los textos que Federico escribe, y con su forma de dirigir. “La Tabaré” se caracteriza por los textos corrosivos. “Mete el dedo en la llaga”. Hacemos un espectáculo en el que decimos lo que pensamos, pero siempre con humor.

Nuestras múltiples esclavitudes cotidianas

 _ Está relacionado con los esclavos de este siglo XXI…

_ Además de los muchos esclavos que corren detrás del dinero, y trabajan más de 14 horas por día, todos lo somos. Nos creemos libres en una sociedad democrática, y todos estamos sujetos a  modas y publicidades que nos imponen. Estamos siempre corriendo detrás de “esa zanahoria” que nos muestran y queremos conseguir, para aliviar nuestra vida, aunque sea por un instante. Hay todo tipo de drogas, las “pesadas” y que están prohibidas, y las livianas como los divertimentos baratos, la música chatarra…

La música chatarra también es una “droga”         

 _¿Cuál es para ti, la música chatarra?

_ Es aquella música hecha para ganar dinero fácilmente. Repite el mismo esquema durante años:“Te amo, mi amor, te necesito. Siento celos del sol que te ilumina…” ¡Estoy harto de escuchar esas frases! En la música chatarra,  el artista no entrega el alma como debería. Las letras tienen que innovar, ser poéticas. Esa música bailable  tiene estribillos que pueden tornar estúpidos a los que los oyen, aunque suene agresivo. Es comercial, pensada para vender.

Nosotros también queremos que nuestros discos se vendan, nuestra forma de pensar el arte, es lograr la comunicación con la gente.

¡Este espectáculo ya tiene cautivos! 

 _¿Quiénes participarán en el espectáculo del viernes 20 de setiembre?

_ Será con música en vivo, con la banda “La Tabaré” y sus siete instrumentistas. Además estará el elenco de teatro de Federico Guerra, constituida por seis o siete actores. En una pantalla se proyectarán imágenes relacionadas con todo lo que hemos hablado acerca de cuán esclavos somos todos. El «leitmotiv» es la esclavitud que coarta nuestras libertades.

_ Ustedes presentaron este espectáculo en la sala Hugo Balzo del SODRE, en Montevideo.

_ Hicimos tres funciones a sala llena y terminaron aplaudiendo de pie, lo que fue muy reconfortante para nosotros.

_ Hay canciones de “Blues de los esclavos de ahora”…

_ Exactamente. También interpretaremos canciones nuevas y otras de los tres primeros discos que editamos. Son aproximadamente  23 canciones de mi autoría  (música y texto). Le pedí ayuda a Federico Guerra como director y dramaturgo, para que se hiciese cargo de la parte teatral. Entre los dos, hilvanamos este espectáculo.

_ ¿Has estado en el Macció?

_ Una vez estuve con  el espectáculo “Dandy”, de Pinocho Routin, en el que participé, pero en general  “La Tabaré” ha actuado en otros lugares.

Rock, blues, charango, bandoneón y “La Tabaré” sin límites

 _ Haces fusión de blues y rock…

_ En esta oportunidad están esos ritmos, pero en otros discos hemos hecho milongón, milonga, música acústica… Hemos incluido bandoneones, charangos, quenas. Me gusta mezclar murga, por ejemplo. Yo soy del Barrio Sur de Montevideo, por eso lo tengo el candombe todos los días, aun cuando no sea “un candombero de ley”. ¡Es mi cortina musical!

_ Nuestra vida se impregna de sones y de elementos visuales, que nos enriquecen…

_¡Es así! Conversamos con mi banda y les digo que no quiero que toquen como una banda de rock inglés. ¡Que aparezcan los bandoneones! Yo no soy un tanguero, pero mi familia siempre escuchó tango. Me gusta la música folclórica, el canto popular y eso tiene que estar… Han pasado muchos músicos por “La Tabaré”, después de 34 años de existencia. Algunos me han cuestionado cuando quiero incluir charango o bandoneón, porque dicen que no es rock. ¡Es rock uruguayo!

_ La música uruguaya bebe de muchas fuentes: milonga, milongón, tango, y otros ritmos. Estoy pensando en el compositor y cantante uruguayo Jorge Nasser, que empezó con el rock. Dijo que después entró en la  milonga, porque confesó “Fui compelido a hacer milonga”. Tenía toda una historia musical uruguaya detrás.

_En algún lugar de nuestro corazón está todo eso. Yo soy un esclavo de lo que escuché cuando era chico: la música de Elvis Presley, de los Beatles. Eso “me voló la cabeza” cuando tenía 6 o 7 años.

_¿Qué grupo(s) de rock elegirías de Uruguay y del mundo?

_ Sin duda a los Beatles, quienes  iniciaron el cambio musical del siglo XX. También me gustan los “Rolling Stones”, “The Who”… Me quedo con la música de  los años ’60.

Si hablamos de rock uruguayo, soy amigo de muchos, por lo que no querría nombrar a unos y dejar de lado a otros. Me gustan mucho las letras de “El Cuarteto de Nos”, algunas de sus músicas no tanto.

_ “No Te Va Gustar” es una banda muy buena, pero muchos no la identifican como grupo de rock.

_ Sí. Me pasa eso con ese grupo. “La Vela Puerca” es muy interesante.

_ “La Vela Puerca” hace una crítica punzante, como la que tú haces.

_ Sí. Me llevo muy bien con el “Enano” y el “Cebolla”, de “La Vela…”. Son muy sencillos. No tienen nada de estrellato, a pesar de que les ha ido muy bien en Argentina.

_¿Cómo los recibió Buenos Aires a ustedes?

_ Nos fue muy bien. Estábamos comentando eso. Tenemos un público interesante, que no es el de “La Vela Puerca” ni el de “No Te Va Gustar”, en cuanto a cantidad, pero llenamos los lugares a los que vamos. Tuvimos un manager argentino, pero ahora nuestro manager es uruguayo. Se llama Daniel Andino.

_ Tú eres un músico merecidamente muy valorado.

_¡Yo creía que no! Pero parece que sí. Ha sido un arduo trabajo… Somos siete tipos que ensayamos y conversamos mucho sobre lo que hacemos. La Banda tiene mi nombre, pero es de todos. Yo quería que la tomaran como propia y lo he logrado. Me gusta mucho compartir.

_ ¿Eres estricto en cuanto a los arreglos, al sonido?

_ Antes fui tajante y se me fue un poco la mano. Me peleé con gente con la que no debí hacerlo. Decidí cambiar y ser más amable. Delego… Estoy mejor así. Pero no niego que cuando estoy arriba del escenario quiero que todo salga perfecto. Si algo sale mal, tratamos de mejorarlo en el próximo toque.

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Integrantes de “La Tabaré”: Pamela Cattani, Leonardo Lacava, Enzo Spadoni, Marcelo Lacava, Martín García, Sebastián Gagliardi y Tabaré Rivero.

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La fotografía que encabeza esta página fue gentilmente cedida por el productor Daniel Andino.

 Esta entrevista se publicó el martes 17 de setiembre de 2019, en la página 7 del periódico «Visión Ciudadana», de San José, Uruguay. www.visionciudadana.com.uy 

 

 

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San José de Mayo, Uruguay

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