El sábado 16  de diciembre de 2023, el Director General de Cultura de la Intendencia de San José, Dr. Pablo Pucheu, inauguró la exposición “Hijas del Viento”, de la reconocida artista plástica uruguaya Cecilia Pollio, junto a la artista,  en la Sala de Conferencias del Espacio Cultural San José  (18 de Julio 509).  Es la segunda muestra individual que ella  presenta allí. Conversamos con Cecilia, cuando estaba  realizando el montaje de  su exposición.

Puede visitarse de  lunes a jueves de 9 a 15 h.Viernes, de  9 a 15h y de 17 a 20h. Sábados, de 17 a 20h. Domingos y feriados: cerrado.

Sugerentes trazos tenues en “Hijas del Viento”

_ Esta muestra es bastante diferente a “Revisiones”,  que expusiste en el Espacio Cultural San José en 2020… En ella había obras en distintos soportes, algunas figurativas con rostros o figuras humanas y otras,  más abstractas…

Artista plástica Cecilia Pollio: _  Sí. En realidad, durante toda mi trayectoria artística he estado haciendo la figura humana, porque me gusta mucho. Parto de eso y después puedo ir al fresco, al collage, al hierro, como en esa exposición que mencionas.

En esta,  empleo las técnicas de chinta china, acuarela sobre papel…

_ Abordaste la temática de las mujeres, con una “mente poética”, según destaca en su comentario sobre esta muestra,  la Crítica de Arte Concepción Virgili.

¨_ Es algo que me surge espontáneamente…

Búsquedas expresivas permanentes

_ ¿Estas obras ya han sido expuestas en otro lugar?

_  No todas. Es la primera vez que expongo tantas. Hay muchas aquí y tengo más aún. Son cuadros de pequeñas dimensiones, por lo que podrán ver dos por ejemplo, colocados en una misma vertical.

Hice una muestra individual denominada “Interpretaciones y miradas” en 2018, en el “Hyatt Centric Montevideo” [Rambla República del Perú 1479]. En ella expuse en una pared,  parte de mis collages, trabajos en hierro que estuvieron en “Revisiones”; y en otra pared, algunas de las que están ahora acá.

_ ¿Continúas con tus búsquedas en el campo del Arte?

_ Sí, en forma permanente. Además, hace aproximadamente 10 años que asisto al “Museo Torres García” de Montevideo, con  Federico Méndez, quien es docente del Taller de Pintura al Fresco desde el año 2014 en ese Museo.

“Me encantan la tinta china y la acuarela”

_ ¿Qué nos dirías sobre estas mujeres que has pintado?

_ Me encantan la tinta china y la acuarela. Algunas mujeres están pintadas con azules, con verdes, con ocres, rojos…

_ Las acuarelas son difíciles. Eso han expresado varios artistas plásticos… Es mucho más complejo que trabajar con pintura acrílica.

_ Si se comete un error en la acuarela, no se puede enmendar: lo que sale,  queda. Ocurre lo mismo con la tinta china.

Muestras colectivas e individuales

_ Hace años que pintas…

_ Sí. Desde pequeña. Estudié con Jorge Damiani. Después me fui a vivir al campo. Retomé la pintura en el año 2008, ya encarándola en forma más profesional.

He expuesto varias veces en el “Museo Torres García”, de Montevideo. En Maldonado he participado en muestras colectivas. He hecho solo tres muestras individuales: “Interpretaciones y miradas”, en el Hotel Hyatt Centric (Montevideo); y “Revelaciones” e “Hijas del Viento”, en el Espacio Cultural San José.

(*) Cecilia Pollio nació en Montevideo. Hizo Veterinaria, y después de que obtuvo este título universitario, fue al “Círculo de Bellas Artes”, al taller del pintor Jorge Damiani. Desde niña le fascinó el Arte. Su abuela Luisa Maresca de Pollio pintaba y su madre María Angélica Cirión, también, por lo que recibió sus influencias, entre otras. Cuando tenía 15 años obtuvo un premio de Arte en el Colegío “British Schools” de Montevideo. Asistió a varios talleres de destacados artistas en forma simultánea. Si bien dejó de pintar con regularidad por un tiempo, retomó con brío la pintura en 2008. A partir de ese año, estudió durante cuatro años con el  artista Clever Lara, en el  taller que él tenía en Montevideo, en la calle Maldonado y Minas. Asistió al “Taller Cruz del Sur”, del artista plástico Sergio Viera, que “presentó”  la muestra “Revisiones”.  El lunes 3 de agosto de 2020, a través del sitio web sanjose.gub.uy y el Facebook del Gobierno Departamental, pudo verse el proyecto “AcercArte”, consistente en un ciclo de exposiciones.  En el video aparecía quien era entonces la Directora General de Cultura de la Intendencia, la Mtra. Celeste Verges, haciendo la apertura de este ciclo,  que iría de agosto a diciembre de 2020, con la participación de varios artistas. Ese ciclo se  inició con  la muestra “Revisiones”, de  Cecilia Pollio, quien también se veía  en ese video. Era una forma de poder disfrutar obras en plena emergencia sanitaria motivada por la pandemia del COVID 19,  que afectó a nuestro país.

Cecilia Pollio fue  en el año 2020 a un taller sobre figura humana con el artista visual y docente Rogelio Osorio. [Varios de estos datos fueron tomados de la entrevista a esta artista, que publicáramos en agosto de 2020 en nuestro periódico].

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“Hijas del Viento”: “Cecilia Pollio nos muestra en esta exposición, una parte de su trayectoria artística. ‘Hijas del viento’ se inspira en seres del mundo real con delicadeza y mucha sutileza, ideadas desde una mente poética que logra seducir al espectador utilizando la sensualidad del color y la forma, en busca de la imagen como medio para expresar estéticamente sus ideas y sentimientos, una serie que deslumbra al espectador y lo envuelve en ese mundo cargado de misterio y belleza, produciendo sensaciones de proximidad con su obra. La simplicidad de su creación, se basa en la intuición, en el equilibrio y en la armonía.”  Concepción Virgili. Crítica de Arte. [Texto que presenta la exposición].

Esta entrevista fue publicada el sábado 13 de enero de 2024, en la pág. 13 del periódico "Visión Ciudadana" de San José de Mayo, Uruguay.

 

 

                                                                                                   

El viernes 15 de diciembre de 2023 a las 20.30h,  en el Subsuelo del Espacio Cultural San José(18 de Julio 509),  se inauguró la muestra “Trazos y retazos”, de Mercedes Fuentes, artista plástica maragata destacada e nivel local, nacional e internacional. Comenzó a pintar desde niña. Asistió a valiosos talleres en San José. En Italia hizo cursos con el maestro Lino Dinetto(*) y otros grandes. Estos collages lúdicos de costurera calificada, brotan de inquietudes, viajes y reencuentros en varios sentidos, que Mercedes nos develó  con mucha calidez, en su taller de Treinta y Tres 354 de nuestra ciudad.

El collage “primigenio” fue creado en Venecia

 _ ¿Cuánto hace que  pintas?

_ De toda la vida… Pero empecé a estudiar pintura cuando tenía 8 años [en el Museo de San José]. Me dediqué a pintar de una forma más profesional a los 17 años…

_  Estamos más acostumbrados a tus pinturas. En “Trazos y retazos”, rompiste con casi todo lo  que has hecho, en una suerte de “deconstrucción” que lleva mucho trabajo y tiempo…

_ Sí. Es una deconstrucción de la realidad…“Trazos y retazos” es un reencuentro con varias cosas… La resolución de hacer así el collage, surgió en el año 2002, cuando hice un curso en Venecia, en el que estudiábamos mucho el desnudo al natural e íbamos a los museos a tomar bocetos de obras de los grandes maestros.

Taller cardinal con el Maestro Rainer Mordmüller

_¿Quién era el profesor?

_  Rainer Mordmüller,  artista alemán. A mí me encanta su obra.  Eran  talleres breves, en verano, pero muy intensivos. Hice asimismo, varios cursos de  acuarela, de técnicas  mixtas en la “Escuela Internacional de Gráfica” de Venecia. Era  muy interesante, porque asistían artistas de todo el mundo.
Habíamos trabajado con una modelo, la habíamos observado y estudiado en forma natural, y la habíamos dibujado en forma académica  empleando carbonilla, claroscuros, en tamaño natural, en pequeñas dimensiones... Mordmüller propuso en la última clase que nos dio,  que de manera rápida, cada uno de nosotros, sin tener a la  modelo  ahí presente, plasmáramos la imagen de ella que teníamos en el recuerdo, de la forma que nosotros quisiéramos.  Algunos hicieron dibujos, otros, pinturas… A mí me surgió hacerla con un collage de papeles. Primero jugué con los tonos y después intervine con trazos, la postura que ella tenía. Es el collage que viste colgado en una pared de mi taller. [Ver Estudio I]

Rompí de algún modo con lo tradicional, y eso despertó en mí el deseo de seguir esa idea.  La postergué por diferentes razones: compromisos personales, pinturas que debía hacer… Estaban en mí las ganas de volver al collage.

Brillos de una muestra individual en el Ministerio de Relaciones Exteriores

En octubre de  2008 hice una muestra en el Espacio Santos- Ministerio de Relaciones Exteriores [Montevideo, Uruguay], en la que retomé el collage. Hice una serie, pero eran pocas obras con mujeres reunidas o en solitario. En ese momento, esas obras fueron muy elogiadas. Inclusive, por el Dr. Julio María Sanguinetti [ex Presidente del  Uruguay], en el prólogo del catálogo de esa muestra.  Él me dio apoyo para que continuara con ese tipo de collages, porque eran muy originales…

 Alta costura que amalgama lo lúdico con lo académico

_ Es una forma impar de realizar el collage.

_ Empiezo por un boceto general de cada obra. En el caso de las ciudades, es más específico, porque debo representar un lugar. En  Venecia,  debe reconocerse que esa catedral es  la “Chiesa della Salute”. En Montevideo, está la aduana, el Palacio Salvo…En las mujeres, lo que más me importa es cómo juega el ritmo, el movimiento, y la composición.

_ Es preciso un gran dominio de la plástica…

_ Después viene lo más divertido, lo más lúdico: cortar  trozos de papel…

_ No es fácil que se adapten al boceto previo que hiciste…

_ No.  Estoy parada, observo las formas y trato de cortar una curva u otra forma.  Muchas veces, el rasgado del papel, va para otro lado… Es algo entre lo lúdico y lo formal.  Me acuerdo de las viejas costureras, que pinchaban con los alfileres. Pincho los papeles sobre  una hoja muy grande, y luego, sobre un panel de espuma plast. Tengo el desafío de que se pueda equilibrar el todo, con los tonos de los papeles… Queda como un puzzle o mejor, como un mosaico.  Empleo papeles de distintas texturas.  El trabajo más engorroso es pegar todo eso. En algunas áreas muchos papeles quedan yuxtapuestos. Quedan planos de color, como si fuera una pintura abstracta.

_ Por último, intervienes esos trozos-retazos de papel…

_ Sí. Les doy forma con alguna línea de pasteltiza, pastel graso, acrílico… En el de San José se observan algunas líneas en lápiz… Es un proceso largo y que te va sorprendiendo, porque las formas o los tonos disparan para otro lado. En un momento la concentración es absoluta y entro como en un “mantra”: rasgo, pincho, pego, compongo…

Reencuentros

Fui postergando esta muestra, ya que pensaba hacerla en marzo pasado, en el Mes de la Mujer. Quería también reencontrarme con aquellos personajes: yo trabajé la temática de la mujer durante varios años. Si bien la figura femenina siempre está en mis cuadros urbanos, no eran los personajes de  años atrás, en los que la mujer o las mujeres, eran las protagonistas. Hacía muchos años que no pintaba mujeres. Empecé a incorporar el tema del tango, en el que la mujer también estaba.

Es un reencuentro con una  técnica, y con una temática. También incorporo en esta muestra paisajes, en los que aparecen ciudades que han significado mucho para mí: San José, Montevideo, Venecia (donde estudié y me formé)…

Impronta del gran Dinetto

_ En 1999 viajaste a Italia para estudiar dibujo y pintura con el gran Maestro italiano Lino Dinetto, quien pintó los famosos frescos de la Basílica Catedral de San José (1951-1954).

_ Sí. Estudié casi tres años. Después volví, y estuve en su casa unos 8 meses. Fue un estudio muy intensivo, con una exigencia enorme. Yo era su única discípula, y eso fue otro “plus” increíble. Un enorme privilegio… En Italia nunca dio clases.

_ Sos “LA” discípula de Uruguay, como una “hija” artística…

_ No sé… Dio algunas clases en Montevideo también, después de que hizo los frescos de la Catedral en la década del ‘50, y fue director  del “Instituto de Bellas Artes de San Francisco”. Creo que  hizo una excepción  conmigo, por el cariño que le tiene a San José, y por lo que significa Uruguay para él… Estudié con Dinetto y lo asistí en algunos trabajos que hizo para El Vaticano: telares enormes para San Antonio de Padua, mosaicos para  Siena, vitrales…

_ Dinetto  retocó los frescos de la Catedral de San José.

_ Hizo una “limpieza” de los frescos, en la década del ’80, cuando se había casado en segundas nupcias. Algunos son falsos frescos, por eso se descaman. Son pinturas sobre la pared, con una leve preparación, pero no con todo el proceso del fresco que hay en otros.

La última vez que estuve  en su casa en Italia, él tuvo la propuesta de hacer telares, con su nueva faceta pictórica. Pensamos en la idea de hacerlos en bastidores, para que él las pudiera pintar en Italia, y esas medio lunetas se pondrían en la Catedral de San José,  retiradas de la pared,  para protegerlas de la  humedad.

 “Ha sido un lindo viaje compartido…”

_ “Trazos y retazos” va a sorprender a mucha gente…

_ ¡Es un cambio! Cada vez que hago una muestra me gusta  probar cosas distintas, en temáticas, en técnicas…

En mis pinturas de paisajes, está lo que aprendí en vitrales. Trabajo mucho los planos de los cielos como si fueran vitrales. No pienso en eso, pero “me sale”.

_ Hiciste en Italia cursos de vitrales y de fusión en vidrio…Ya están en ti. Son excelentes los textos de los artistas maragatos Claudio Chanquet y Marcelo Alpuy que “presentan” esta muestra en el Espacio Cultural.  

_ Son muy buenos amigos míos, los admiro y los quiero mucho . Han sido testigos de este proceso creativo. Ha sido un lindo viaje compartido, de intercambios… Creo que es también un reencuentro con esa Mercedes inquieta, experimental…

_Sigues dando clases en este taller.

_ Sí. Trabajo con niños y adultos. Son grupos preciosos. Le doy mucha importancia a cada grupo. El ámbito que se genera en el taller es fundamental.

Me siento orgullosa como docente,  de que varios de mis alumnos siguen su propio camino con muestras…Siempre nos encontramos, aun con aquellos que ya no asisten al taller...

Esta entrevista se publicó el martes 12 de diciembre de 2023, en la pág. 7 del periódico "Visión Ciudadana", de San José de Mayo, Uruguay.

 

 

 

 

 

 

El 31 de octubre de octubre de 2023, se  realizó la apertura de la muestra-instalación “Formas, luces y sombras”, del artista plástico Donato Marrero,  en el salón norte del Instituto Cultural Español de San José (ICE), en 25 de Mayo 422.  El artista realizó una visita guiada de su muestra el lunes  6 de noviembre, para el grupo de  alumnas de 5º año de Bachillerato Artístico del Liceo Nº 1 (IDAE),  que está a cargo de  la Profesora Gabriela Castro,  Docente de Comunicación Visual.  Conversamos con Donato Marrero  antes de esa actividad, que  entusiasmó mucho a este grupo, casualmente solo integrado por chicas.  Cumplieron con la consigna del título de la exposición y jugaron… Algunas obras abstractas en las que el autor explicita en esta nota qué quiso representar, tendrán otros significados, de acuerdo a la mirada (cargada de vivencias), de cada persona que asista a esta muestra…

            Puede visitarse hasta el 19 de noviembre de 2023, en horario de Secretaría del ICE, de lunes a viernes, de 15 a 17h y en días en los que hay actividades y talleres.

El color como rescate  del gris y del espanto

Artista Plástico Donato Marrero: _  Yo empecé a trabajar en la cárcel, durante el período de la dictadura civil-militar de nuestro país [1973-1985]. Estuve detenido casi 13 años, desde el año 1972 a fines de 1984.

_ A  partir de ahí, usted empezó a incursionar en la Plástica… ¿Le daban oportunidades de trabajar en la cárcel?

_ Sí.  Podíamos hacerlo, pero con frecuencia, en forma súbita,  nos rompían todo lo que habíamos hecho.  Tenía que estar motivado y predispuesto para  poder sobrellevar esos duros momentos.  No sé si comencé  a pintar por un bajón de ánimo que me deprimió o  porque  “descubrí” que el gris predominaba en la celda: paredes, mesa, colcha… No se podían poner objetos con colores en la celda… Creo que fue una reacción que tuve frente a tanto gris…

_ Necesitó una eclosión de color…

_ Sí. Comencé a trabajar con colores. Pegué con jabón revistas, y coloqué ropa en la pared… Me sancionaron,  pero no recuerdo cuántos días estuve  castigado por haber hecho eso.  Descubrí que los colores generaban en mí una adrenalina muy grande…
_Usted siguió explorando con la plástica…

_ Sí. Continué trabajando desde que salí de la cárcel. Hubo interrupciones, pero ya hace aproximadamente seis años que me dedico a la plástica, en forma continua, porque me gusta mucho, es un gran incentivo para mí.

 “Es una muestra- instalación participativa o interactiva”

_¿Cómo caracterizaría a  esta muestra?

_ Es una muestra-instalación participativa o interactiva, diferente a otras obras que he hecho, porque me gusta mucho la pintura. He experimentado con otros materiales.

_¿Qué material emplea para construir estos collages  con los que arma  estos objetos o estructuras ?

_ Es cartón corrugado,  que corto, pinto, y pego para armar estas formas.

_ Vemos en uno de los casos,  una estructura que podría ser un barco…

_ Puede serlo o no. Hay otra  aquí que no se identifica  con algo determinado La propuesta consiste en iluminar cada estructura, girarla  y ver la sombra que proyecta, y cómo interactúan, para ver distintas imágenes.

Fui descubriendo que la luz  se integraba a la expresión  estética, según yo acercaba o alejaba cada estructura. Las sombras cambian mucho, de acuerdo al ángulo de iluminación que tenga la estructura elegida. Se puede inclinar, girar… para  cambiar la proyección de esa sombra.

Después de hacer esas formas, les fui sacando fotos que se pueden ver aquí, con fondo rojo o en colores. Cuando  observas las fotos, quizá no reconozcas cuál fue la  estructura que se fotografió.

Armo formas sobre cartón negro, que creo que “saltan” de ese fondo

_ Hay también otros collages en los que hay formas abstractas sobre fondo negro…

_ Es cartón corrugado cortado con su color original, y armo formas que se pegan sobre  un cartón negro. Creo que las figuras “saltan” de ese fondo.  Gustavo Tabares, el curador de esta muestra, expresa que ordenadas “en ese espacio parece que se fueran a desplazar, vibrando sobre el fondo negro.” Muchos de estos trabajos los hice deshaciendo cajas para trabajar con el cartón corrugado.

 

Abstracciones y simbolismos

Otros cuadros,  están armados con trocitos coloreados de ese cartón. En ellos, jugué con lo simbólico, a través de los colores. Uno de ellos [de formas dinámicas, en espiral, o  sugiriendo movimiento por el modo en que están organizadas], tiene el blanco, el azul y el rojo, colores de la Revolución Francesa de 1789. Podría considerarse que fue la primera vez que la humanidad dicta una declaración de derechos humanos universal.  La dictadura uruguaya quiso oponerse a que la mayoría de las organizaciones sociales plasmaran derechos cada vez más amplios. Por eso se agrega en ese cuadro en una de las formas, el violeta, con el que hoy se identifica el Movimiento Feminista; el rojo de los movimientos obreros que cruzan todo el siglo XIX y el XX; el negro de los movimientos antirracistas; y el verde y el azul, simbolizan en ese cuadro, la tierra y el agua.

Ya en el otro cuadro se ven todos esos trocitos coloreados de cartón “integrados” [o con los colores intercalados], porque la Declaración de Derechos Humanos es actualmente mucho más amplia.  Otra forma que está separada, puede aludir a  la “diversidad”, por los colores utilizados. En este cuadro, traté de simbolizar la sociedad que tenemos hoy…

“La interrelación entre la luz y la sombra, nos aporta nuevas percepciones e ideas”

En la medida en que existe la luz, existe la sombra. Eso ocurre con todos los objetos que nos rodean. Es bueno que empecemos a incursionar en eso  hasta en lo cotidiano. Pensemos, por ejemplo, cuando miramos un árbol, la profundidad, el volumen, se lo da la oscuridad o la sombra. Cuando relacionamos la luz y la sombra en cualquier situación de la Naturaleza, la interrelación entre ellas nos aporta nuevas percepciones e ideas…

(*)Donato Marrero nació en 1946 en Tacuarembó, Uruguay. Realiza sus primeras experiencias en arte, estando recluido en el Penal de Libertad, entre 1972 y 1984. Estudió Bioquímica en la Facultad de Química, y fue docente de Bioquímica en la Facultad de Agronomía de la UDELAR. Ha concurrido a varios talleres de arte, entre ellos, los de Guillermo García Cruz, Gladys Sousa Saravia y la Escuela Pedro Figari. Actualmente asiste al taller de Gustavo Tabares. Ha participado en exposiciones colectivas en Montevideo y en Canelones. “Formas, luces y sombras”, en el ICE de San José, con la curaduría de Gustavo Tabares, es su primera exposición individual.[Síntesis tomada del currículo del artista, cuya totalidad figura en la exposición].

“El artista es un propositor. Nos propone tocar, mover, jugar (…) En otras piezas, esas que digo que son hechas con nada, los cartones están cortados y pegados de manera que construyen objetos que ocupan la tridimensionalidad y que, si son manipulados frente a la luz, generan sombras con las cuales podemos jugar hasta el infinito.(…) El público generando sombras a partir de la luz que nos propone Donato. Un juego colectivo que hay que jugar para que pueda existir el arte.” [Fragmentos tomados del  texto “Sobre luces y sombras” de Gustavo Tabares, Curador de esta muestra, quien hace un comentario crítico sobre la obra de Marrero, escrito en 2023, en Ciudad Vieja, Montevideo.  El texto completo está en la exposición.]

Esta entrevista fue publicada el martes 14 de noviembre de 2023, en la pág. 7 del periódico "Visión Ciudadana" de San José de Mayo, Uruguay.

 

 

El miércoles 4 de octubre de 2023 a las 19 horas, en la Sala Horacio Delgado del Museo de San José, hubo una excelente  Función de Narración Oral a cargo de “Caszacuento San José”: “Por siempre Paco” (*), en conmemoración de  los 122 años del nacimiento del  gran escritor maragato Paco Espínola (**).

A las 20 horas, se inauguró en la misma sala, la exposición “Semblanzas”, del doctor y artista plástico maragato Danilo Rolando, quien presentó entre otras, una serie de obras dedicadas a Paco. Aquí compartimos la entrevista que le hiciéramos al artista cuando concluyeron estas dos valiosas actividades.

La muestra ya no está, porque continúan las obras de restauración de la antigua Casona del Museo.

Vocación inicial por la fotografía y el cine

 _ ¡Bienvenido nuevamente a San José! Usted dijo en la apertura de esta muestra, que había venido al Museo en el año 2014…

_ Esa fue la primera exposición que hice aquí. Estaba constituida en general por cuadros abstractos. Pasé por una larga etapa en la que me dediqué al arte abstracto, pero también hacía cuadros figurativos.

_ Usted es médico… ¿Hace mucho que se dedica a la pintura?

_ No… ¡Empecé muy viejo, a los 62 años! (risas). Uno se da cuenta de que “quedan materias pendientes”… Yo había tenido una vocación que se dirigía más hacia la fotografía, el video, el cine… Después opté por la pintura, también por el incentivo de algunos amigos.

 “La técnica que empleo es el hilo conductor de mis obras”

 _ ¿Asistió al taller de algún pintor?

_ Empecé a concurrir a un taller que había sido del artista plástico Guillermo Fernández [1928-2007], y algunos amigos míos de ese grupo que fueron sus discípulos, me invitaron. Fueron mis primeros “coqueteos” con la pintura.

Después asistí al taller del artista Álvaro Amengual.

_ El comentario crítico sobre su obra fue realizado por Amengual, y apareció en el boletín mensual del Museo como presentación de esta muestra. Destacaba que las  series de obras que usted presenta, tenían puntos en común, aunque a primera vista no se percibiesen…

_ Recién estaba conversando con la artista plástica [maragata] Seida  Lans sobre eso… El hilo conductor es la técnica que yo empleo, que hace que  en los distintos cuadros, se perciba mi impronta.

“No  hago bocetos previos;  voy armando el cuadro…”

Si tengo el propósito por ejemplo de representar a Paco Espínola [como en una serie de cuadros de esta muestra], no hago un estudio previo o bocetos.  Parto de una foto en algunos casos, y en otros, tomo una idea externa o que proviene de mi interior. Voy armando el cuadro a medida que lo estoy pintando. Ni yo sé dónde va a terminar. Muchas veces tomo un camino y después, las cosas van por otro lado. Es cuando decido si me gusta o no ese nuevo rumbo.

 Sobre Caszacuento: “Excelente. Fue una narración y actuación vívida, cálida…”

_ Hoy las narradoras de “Caszacuento San José” se dedicaron a obras escritas por Paco y a alguna correspondencia epistolar de este maravilloso escritor maragato.

_ El “Grupo Caszacuento” tuvo un desempeño excelente. Fue una narración  y actuación vívida, cálida, con mucho sentimiento. Crearon el clima de Paco, la atmósfera y también la modalidad del cuento oral, que él cultivó siempre.

_ Paco era un enorme narrador oral… Fue un precioso homenaje de Caszacuento, tal como usted lo destaca… Usted presenta una serie de obras sobre Paco.

_ En el el año 2020 yo estaba haciendo retratos de distintas personalidades. Acá hay una “Versión de un autorretrato de Lucian Freud”, que hice sobre ese pintor que era nieto del famoso Sigmund Freud. De esa serie de retratos, hice una de Paco Espínola, porque “siempre me tiró”, como me pasa con San José.  La Presidente de la directiva del Museo, Liliana Mangeney (amiga mía desde que éramos niños), me había propuesto un homenaje a Paco, en forma conjunta con “Caszacuento”, que no pudo concretarse primero por la pandemia y luego, por otras razones. ¡Ahora se logró!

_ Usted nació en San José…

_ Sí. Nací en 1944.  Y viví acá hasta que tuve 13 años. Acá cursé Primaria y mitad de Secundaria. Después nos mudamos a Montevideo.

Los personajes universales de Paco

_ Se refirió hace unos minutos, al discurso pronunciado por Paco Espínola en el Liceo Departamental de San José [actualmente IDAE], el 5 de octubre de 1957…

_ Fue un homenaje que se le hizo en el Liceo e hizo un discurso sobre su vida y obra. En ese momento, me conmovió su voz y la forma de expresar sus historias. La literatura de Paco es admirable. Es de San José, es uruguayo, pero su legado es de todo el mundo.

_ Es un autor de alcance universal.

_ Si bien su atmósfera es muy criolla, de leyendas, de mitos…  los perfiles de sus personajes, pueden ser identificados a lo largo de nuestra vida. Son universales.

_ Hay un cuadro de un  Paco joven, que tiene un dinamismo poco habitual,  a la manera de Rafael Barradas, con cierto “vibracionismo”["Paco Espínola 2"]

_ Puede ser…  A mí también me gusta ese cuadro.  

_ El que está junto a usted, es muy bueno, y los otros de la serie, se van tornando más abstractos, hasta uno que parece un Paco hecho en madera…

_ ¡Exactamente! Esa idea surgió en la ejecución, no antes. En el primer momento raspé, y quise dejar ese raspado, pero parecía madera. Empecé a jugar con esa idea y fui transformando la imagen de Paco como si fuera de madera… Otro de la serie parece una máscara. Es una abstracción…

Usted hablaba de “vibracionismo”. Quise darle movimiento a otro cuadro de Paco que  tiene dos pares de lentes y su mejilla “se corre”. Me propuse  reproducir lo que él hacía cuando miraba hacia abajo y tomaba mate. Además, cuando hablaba, era tan efusivo, que “se le descomponía la cara”, por lo que deseé expresar eso también.

Expresionismo y “palimpsestos”

 _ La mujer en blanco y negro titulada “Intimidad”, nos  conmueve…

_ Ahí quise conjugar lo formal y lo expresivo, para mostrar una actitud de esa mujer retratada, en la que reflexiona profundamente sobre su vida.

_ “Furia” es un cuadro inquietante, que distorsiona los rasgos del retrato…

_ No sé si hay una relación directa, pero es de 2020. Estábamos en plena pandemia. Todo ese color negro me invadió. El mundo de ficción se volvió realidad…

_ Fue muy duro…  Hay otra serie de cuatro cuadros.

_ Sí. Son retratos ovalados. Esas semblanzas son en general femeninas. Hay una en la que no se distingue si es una mujer. Usé elementos que remiten a cuadros antiguos como el marco dorado y el óvalo, pero adentro puse una imagen inesperada. No aparece la bisabuelita o el bisabuelito con su traje de época, sino algo que desconcierta, que choca…

_ Es disruptivo. Eso también sería expresionismo…

_ Sí. Usé mucha espátula, como en otros cuadros, y también pincel. A veces no me gusta hacia dónde va un cuadro, lo raspo y pinto encima de lo que había pintado. Procedo así dos o tres veces, hasta que quedo conforme con la obra. El profesor Álvaro Amengual me decía que son como “palimpsestos”, por la superposición, que se percibe más en otros cuadros que he expuesto. Eso me divierte mucho.  El “palimpsesto” era un manuscrito en el que se borraba, mediante raspado u otro procedimiento, el texto primitivo para volver a escribir un nuevo texto. Pasaba en los textos manuscritos religiosos antiguos…

Ha sido muy placentero volver a San José y exponer en el Museo.

(* )El“Taller Caszacuento de Narración Oral”, funciona desde 2017 en la Biblioteca Departamental de San José, bajo la dirección de la narradora Niré Collazo y tiene el auspicio de la Intendencia de San José. Trabaja en clases presenciales y por Zoom, incluyendo a integrantes de Ciudad del Plata, Tacuarembó y Montevideo. El grupo está integrado por 14 personas. Han narrado en instituciones culturales y educativas en San José y otros departamentos, en las Ferias del Libro…El 4 de octubre narraron con gran expresividad e histrionismo, adaptaciones  realizadas por las participantes, de obras de Paco como: “Saltoncito”, “Sombras sobre la tierra”; los cuentos “Rodríguez”, “Lo inefable”… Participaron: Angélica Cabrera, Ilse Schölderle, Jacqueline Menchaca, Marianela Elicheix y Juana Pereyra. Colaboró Silvia García.  (**)Francisco (Paco) Espínola nació el 4 de octubre de 1901 en San José, y falleció el 27 de junio de 1973 en Montevideo. Fue un  fecundo narrador oral, escritor, dramaturgo, guionista, profesor universitario y conferencista.

Esta entrevista fue publicada el martes 24 de octubre de 2023, en la pág. 7 del periódico "Visión Ciudadana" de San José de Mayo, Uruguay.

 

El 6 de octubre de 2023, se  realizó en la Sala Eduardo Carbajal del Teatro Macció,  la apertura de la muestra  de algunos de los artistas que forman parte de “ChafaloteArte”(*), colectivo que se reunió a través de la invitación del Maestro Ignacio Zuluoaga y de la iniciativa del Intendente de Rocha Alejo Umpiérrez, para diseñar una galería de arte a cielo abierto con murales y esculturas, en el Pueblo 19 de Abril sobre Ruta 9, km 235 (Chafalote es el nombre original de la población), del Departamento de Rocha.

            La apertura fue realizada por el Director de Cultura de la Intendencia de San José, Dr. Pablo Pucheu; el Director de Cultura de la Intendencia de Rocha Fabricio Núñez; el Coordinador del Área de Gestión Cultural de la Dirección General de Cultura del MEC, el artista visual maragato Juan Carlos Barreto; y otros artistas integrantes de este colectivo.

            Conversamos con Juan Carlos, en el “Café del Teatro”, un lugar al que está muy ligado emocionalmente, horas antes de la inauguración de esta muestra.

“Fuimos sumando experiencias y encuentros desde el año 2019”

 _ Integras el colectivo de artistas del Grupo ChafaloteArte…

Juan Carlos Barreto: _ Esta “barra de artistas” en Rocha, se fue reuniendo previamente a la pandemia. El “Grupo ChafaloteArte” surgió en 2019. Empezamos a crear el proyecto por invitación de Nacho Zuloaga. Primero hubo una reunión con vecinos en el pueblo 19 de abril (Ruta 9, km 235- Rocha, Uruguay), cuyo nombre original era “Chafalote”. Era necesario que esta “galería a cielo abierto” no invadiese su territorio, y que ellos se sintieran parte de este proyecto.

Comenzamos a trabajar con la presencia de artistas locales de Rocha capital,  de Punta del Diablo… Fuimos sumando experiencias y encuentros. Cada uno de los artistas, cuando podía, pintaba su mural…

_ En esa galería a cielo abierto hay murales y otras expresiones artísticas…

_ Hay murales,  y obras escultóricas de importantes artistas como Ricardo Pascale, entre otros.  Actualmente, Alejo Umpiérrez está conversando con Octavio Podestá para contar con alguna de sus obras en “ChafaloteArte”…

 Muestras en Buenos Aires, Punta del Este, Palacio Legislativo, Minas…

En finales de 2022 y comienzos de 2023, se fueron dando muestras.  Se dio la oportunidad de exponer en la Terminal de Buenos Aires de Buquebus, y nos propusimos mandar una obra cada uno. También expusimos en el Palacio Legislativo. Participamos hace poco en la celebración de la fundación de Punta del Este. Fuimos con obras a Minas, Treinta y Tres…

_ Ya hacen muestras itinerantes…

_ Sí. Lo bueno es que cada artista sugiere lugares diferentes para exponer. “La barra de artistas” se ha ido fortaleciendo.

_¿Cómo se dio esta muestra en la Sala Carbajal del Macció?

_ En San José, como se venía  del Día del  Patrimonio (sábado 7 y domingo 8 de octubre), hablé con Fabricio Núñez, quien es el Director de Cultura de Rocha; con Alejo Umpiérrez, con Pablo Pucheu, y con Ana Bentaberri [ Intendente de San José]. A todos nos parecía ideal que en el fin de semana del Patrimonio, se inaugurara esta muestra en un lugar patrimonial  como el Macció, con la característica y excelencia de su Sala Eduardo Carbajal.  A todo el grupo de artistas le encantó la idea y acá estamos.  Van a ver obras de 15 artistas, porque algunos presentan más de una obra.

 Relevantes pinturas, estampas digitales, fotografía, grabados y esculturas

_ Menciona a algunos de los artistas del colectivo “ChafaloteArte” que exponen en la Sala Carbajal…

_ Ignacio (Nacho) Zuloaga es uno de los artistas más importantes de este momento en nuestro país. Sus obras están en una gran cantidad de espacios de arte. Es un artista contemporáneo que tiene una luminosidad y un color impresionantes, y sus obras son de formatos relevantes. Pueden ver su obra “Ventana”[óleo sobre tela]. Su atelier está en la Barra de Maldonado.

Florencia Capdepon tiene también una obra muy contemporánea y vigorosa, que está por todo el mundo. Ella está afincada en Punta del Este.

Están también Adolfo (Fito) Sayago y Micaela Núñez. En este caso van a ver una obra muy linda, con colores agradables y un clásico de Fito: las orquestas sinfónicas, que le han dado el reconocimiento internacional. Micaela es de Maldonado, vive en Punta del Este y su obra está dedicada al mar. En realidad hace “potentes” embarcaciones, muy reconocidas, que tienen más presencia que el mar.

Hay acá esculturas de Daniel Cardozo Da Silva. Él fusiona muy bien la piedra con el hierro.

_  Cada uno tiene su impronta y sus técnicas…

_ Sí. Hay grabado, fotografía, estampas digitales, pinturas al óleo, pinturas al acrílico. Son distintas técnicas, de artistas que las dominan…   Pueden verse obras contemporáneas y otras, de pintores con mucha escuela  y más volcados a la pintura tradicional…

Durante un mes podrán disfrutar de esta variada exposición.

_ ¿Cuál es la obra que expones acá?

_ Traje una estampa digital, que resulta de un proceso que he trabajado en estos últimos años, con el que me siento cómodo.

_ Recordemos cómo  logras esa “estampa digital”…

_ La estampa digital surge de lo que dibujo en una servilleta de un café. Luego genero un archivo digital, donde trabajo con color las líneas que nacieron en la servilleta, y mediante un proceso tecnológico le doy un formato. Esta obra que expongo, es de 80cm X 80cm. Después se imprime en una tela. Sería un grabado digital, pero me gusta más denominarla estampa digital. Forma parte de una serie de dibujos que llamé “Piedras” y es una obra que me gusta mucho. Tiene unos colores “muy otoñales”…

“Chafalote se ha transformado a través de la pintura, la escultura…”

_ También hay un video continuo…

_ Sí. Cuenta la historia del proyecto  “ChafaloteArte”, cómo  empezó esta galería a cielo abierto en 19 de Abril. Muestra  asimismo, cómo se pinta y cómo se ha transformado Chafalote a través de la pintura, la escultura… El Intendente Alejo Umpiérrez bromeaba que tenía que ver con esos “compromisos de campaña [electoral]”. Él había dicho que si ganaba la elección “iba a transformar” 19 de Abril, y lo hizo con este hermoso proyecto que ya  cuenta con más de 50 artistas cuyas obras pueden verse allá. Nacho Zuluoaga es amigo de Alejo. Fueron invitando a artistas y se conformó todo esto…

Alas que levantan vuelo y abrazan…

_ Y tú aportaste en tu rol de Coordinador del Área de Gestión Cultural de la Dirección General de Cultura del MEC…

_ En este caso mi rol ha sido más como muralista de “ChafaloteArte” en el pueblo 19 de Abril.

_ ¿Qué características tiene el mural que pintaste allá?

_ Ese mural tiene mucho que ver con las mesas de los cafés en general, en los que me senté a lo largo de estos años, y principalmente, durante esos dos años de pandemia del COVID-19. Una de las cosas que más sufrí, fue que yo me sentaba en “aquella mesa” (señala la Mesa Nº 1, del Café del Teatro en el que estamos,  que da a la calle 18 de Julio). En una oportunidad en que me quise sentar en ese lugar, algunos de los amigos que se sentaban junto a mí, ya no estaban…

_ Es cierto, recuerdo que te sentabas siempre ahí. Sufrimos esas y  muchas otras ausencias definitivas durante esa pandemia….

_ Si mirás el pájaro que pinté en 19 de Abril, es muy distinto a otros que he pintado, que o están alertas, o están parados… Ese pájaro está levantando vuelo de tal modo, que sus alas parecen estar abrazando a aquellos que se fueron… ¡Me erizo de la emoción! Creo que tiene que ver con eso. Traté de darle mucho color. En ese muro está representado un rinconcito de encuentros, que quiero mucho de San José…

(*)Artistas integrantes del grupo “ChafaloteArte, cultura en movimiento”, coordinado por Ignacio Zuloaga:  Fito Sayago, Gabriela Acevedo, Ricardo Pascale, Victoria Rodríguez, Juan Carlos Barreto, Pablo Solari, Silvana Montañes, Alberto Saravia, Paloma Szkope, Pilar Lacalle, Verónica Artagaveytía, Katherine Muller, Fito De Ávila, Álvaro Errandonea, Paula Barbini, Micaela Núñez, Laura Morás, Roberto Weigel, Walter Blanco, Daniel Cardozo, Florencia Capdepon, Nicolás Fariña, Enrique Abal Oliú, María Etcheverry, Humberto Ochoa, Guiyermina Umpiérrez.

El pasado viernes  18 de agosto de 2023,  se inauguró en la Sala Manuel Benavente del Museo de san José, la exposición “Recordando al rubio”, de pinturas y dibujos del artista plástico maragato Eduardo Mernies (1945-2022). La emotiva apertura de la exposición fue realizada por la Presidente de la Comisión Directiva del Museo, Prof. Liliana Mangeney y por Juan Palleiro(*), Director de la Galería de Arte homónima, entrañable amigo del artista, quien organizó otras de sus exposiciones.

Hubo una numerosa concurrencia de  familiares, amigos “del rubio”,  que vinieron de distintos puntos del país, además de autoridades y público de San José, lo que posibilitó reencuentros afectivos y el disfrute de lo más representativo de la obra de este artista, que navega entre lo onírico y lo real, con un sello muy personal.    Conversamos en esa instancia, con Juan Palleiro y con el escritor  Leonardo Garet, cuyo elocuente retrato vemos  en esta exposición.

            Puede visitarse de martes a viernes, de 15 a 18h,  sábados, de 17 a 19 h y domingos, de 16 a 18h. Invitan: Museo de San José y Juan Palleiro- Galería de Arte.

 Reproducimos un fragmento de lo que dijera Juan Palleiro en la inauguración:

 “Queremos expresar el agradecimiento a ustedes, de la Galería nuestra, y de Susana [Gayol**], su compañera,  por darnos la oportunidad de presentar toda la obra. La parte de pintura está en su totalidad. Faltaría algo de sus dibujos. “El rubio” empezó sus estudios en la Escuela Nacional de Bellas Artes. Después se vinculó con su amigo de toda la vida Hugo Nantes y su gran amigo Espínola Gómez, que aparece por ahí en algunos retratos. Yo lo conocí por la década de los ’80. Yo tenía 14 años. En seguida generamos una gran empatía con el rubio, con Espínola y con Hugo Nantes. El rubio me marcó mucho. En el 2006 cuando me independizo y abro mi propia galería, todo vino gracias al rubio, porque las primeras dos exposiciones que yo hice en la galería fueron las del rubio. [Él me llamaba] todos los días o día por medio. Había juntadas con Ruben Barba también para almorzar o tomar un café. Esto es un reconocimiento enorme para él, que creo que nos estará mirando. Que lo disfruten, porque no sé si podrá juntarse toda esta obra otra vez. No sé qué decir… Me siento muy emocionado porque al rubio yo lo consideraba, más que un amigo. Era como un padre para mí.”

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Exhaustiva e impactante muestra de la obra “del rubio”

_ Felicitaciones por esta exposición  medular “del rubio”.

Juan Palleiro: _ Todo esto se gestiona a raíz del fallecimiento de Eduardo Mernies en marzo de 2022. Ahora, conversando con Susana (la esposa de Eduardo), que está aquí,  me recordó que me había manifestado en el día en que él falleció,  la necesidad de hacer una muestra de Eduardo. Y agregó: “Gracias, porque tú te moviste y lograste que esto pudiera concretarse hoy.”

_En la apertura de esta muestra usted mencionó el apoyo que tuvo del Coordinador del área de Gestión Territorial de la Dirección Nacional de Cultura, Juan Carlos Barreto, maragato reconocido como artista  visual y gestor cultural…

_ Sí. Juan Carlos Barreto hizo el contacto de nuestra Galería con la Directiva del Museo de San José y con Julia Sierra (***) Empezamos a dialogar para hacerle este homenaje a Eduardo en su ciudad natal  y después de casi un año, se logró esta gran muestra…

_ En cuanto a la obra pictórica de Mernies… ¿esta es la más grande que se ha hecho hasta el momento?

_ Sí. Eduardo había expuesto en “Galería Quesada”,  que estaba en el barrio Pocitos de Montevideo, allá por los años ’70. Las otras dos muestras  de pintura y de dibujo de su autoría, se hicieron en  Juan Palleiro Galería de Arte, pero fueron de selecciones de obras.

“Este  surrealismo que tiene Eduardo puede estar en cualquier museo del mundo”

En este Museo de San José, podrán observar toda su obra pictórica. Se incluyó la pintura inconclusa que está antes de ingresar a la Sala Manuel Benavente, en la entrada de esta institución.  Ahora  hablando con alguna gente, estamos viendo que es un autorretrato que parece anticipar su muerte…

_ … El cuadro podría interpretarse como  “su” versión el “Descenso de Cristo” de la Cruz, que ha sido pintado por tantos artistas. Pero en él habría más de un autorretrato de Eduardo Mernies.  Él aparece de pie, con un estigma en su mano izquierda, y sus rasgos (sugeridos) están también en el Cristo.  Es una pintura tan inquietante como conmovedora que puede tener más lecturas aún…

 “En muchas de sus obras se basó en la profesión de su padre”

 _ ¿Cómo describiría en grandes rasgos su obra?

_ Yo estaba recién hablando con Ruben Barra, amigo mío y de Eduardo, que tiene 91 años, y se vino desde Montevideo para la inauguración de esta muestra. Ruben fue un Restaurador y Director del Taller de Restauración del Patrimonio Nacional. Comentábamos con Ruben, que este surrealismo que tiene Eduardo, puede estar en cualquier museo del mundo. ¡Es una obra increíble! La pena es que no se mostró lo suficiente. Al rubio, como se le decía, no le gustaba exponer sus obras.

_ En varias de sus obras, se ve algo relacionado con el  interior del organismo humano. Pueden “vislumbrarse” partes de nuestra anatomía. Quizá eso esté relacionado con su padre Germán Mernies, que era médico…

_ Por lo que yo conversé con Eduardo, sí. En muchas de las obras que hizo, se basó en la profesión de su padre. La parte de retratos que también hizo, eran de amigos de su padre y de sus propios amigos.

Retratos-tributos a sus amigos y  grandes maestros

_ Algunos  retratos son más figurativos, pero otros, tienen mucho de imaginativo y de onírico. Ocurre eso en sus dibujos y pinturas.

_Si bien algunos retratos son más figurativos, hay varios que tienen su marca, de acuerdo a lo que sintió él al querer retratar a esa persona.

Después aparecen acá los homenajes a otros artistas plásticos como Hugo Nantes, Manuel Espínola Gómez, porque fueron sus grandes maestros. Cuando vi esa pintura por primera vez [Retrato teleonómico de Espínola Gómez], pensé que era de Espínola Gómez, y él contestó: “¡No. Ese cuadro es mío!”

Hay una intensa variedad, para que todo San José  pueda disfrutar de esta muestra del “rubio”.

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“El Mincho Bar está de alguna manera en esta exposición”

_ Hay una obra de Eduardo Mernies  que lo retrata a usted: “El mundo de Leonardo Garet”.

Escritor, poeta , ensayista  y docente Leonardo Garet: _ Sí.  Vivo en Salto, pero no podía faltar… Fui amigo de Eduardo desde “lejanos tiempos”. Nos encontramos muchas veces en el “Mincho Bar” de Montevideo que estaba en Yi, entre 18 y Colonia. Yo iba semanalmente a Montevideo, porque asistía a las reuniones de  FENAPES que se hacían los viernes,  representando a Salto.

_ Usted es docente…

_Sí.  Soy profesor de Literatura. En el “Mincho Bar” nos juntábamos Marosa di Giorgio, Eduardo Mernies y su esposa Susana Gayol, Juan Introini  (cuentista y catedrádico de latín, también retratado), el dramaturgo Ricardo Prieto…

_ Otro de los cuadros de Mernies se llama “El mundo de Ricardo Prieto”.

_ Sí. El “Mincho Bar” está de alguna manera en esta exposición, con todo ese cariño que Eduardo sabía dar a sus amigos. Por eso quise acompañar esta muestra.  Acá en San José tengo un querido amigo, el Dr. Julio Pereyra, por lo que quise verlo también. Está recorriendo la exposición…

_Hay varios médicos… Germán Mernies, el padre de Eduardo, fue un muy querido y destacado médico de San José, tal como lo expresó la Prof. Liliana Mangeney en la apertura…

_ Yo también hice Facultad de Medicina, antes de dedicarme después a las letras…Escribo poesía, narrativa. Dejé en este Museo dos de mis libros. Uno de poesía: “Entre la noche y el luminoso mar”, y una recopilación de estudios sobre Horacio Quiroga. Me he dedicado toda la vida a estudiarlo.
Es un gusto estar con un medio de prensa de San José, porque tengo recuerdos de acá desde la década del ’80 cuando he venido a visitar a mi amigo Julio Pereyra.

_ Próximamente usted va a presentar un libro…

_ Sí. Es una antología de toda mi poesía, que se llama “El río imaginario”.

 

 (*) Juan Palleiro- Galería de Arte, en Ituzaingó 1423/25, Montevideo.

(**)Estuvo presente  durante toda la muestra y en detalles de su organización.

 (***)Coordinadora de actividades culturales y educativas del Museo de San José.

Esta nota fue publicada el martes 23 de agosto de 2023, en la pág. 7 del periódico "Visión Ciudadana" de San José de Mayo, Uruguay.

 

El pasado viernes 4 de agosto de 2023 a las 20h, se inauguró en el Espacio Cultural San José,  la muestra fotográfica “La pregunta en la mirada”, del Taller de Proyectos Fotográficos coordinados por el Fotógrafo Armando Sartorotti. Participaron el Director General de Cultura de la Intendencia, el Dr. Pablo Pucheu, el Coordinador de la muestra y seis de los doce fotógrafos que exponen.  

Los abordajes  son tan diversos como apasionantes.  Debajo del panel de fotos de cada artista, un texto y un  código QR, resume sus datos personales y su proyecto…  Sorprendimos a los fotógrafos en el montaje de la muestra. Conversamos con Armando Sartorotti, Daniela Hernández, Marnels Ferreira, Adriana Fernández, Elba Hernández y Gabriel Alba.

Otros expositores: Eduardo Storch, Eduardo Villemur, Marcelo Segovia, Loredana Morando, Ana María Gabaria, Alfredo Borrazás, y Adrián  Plassencia. 

 Visitas: De  lunes a jueves de 9 a 15 h.Viernes, de  9 a 15h y de 17 a 20h. Sábados, de 17 a 20h. Domingos y feriados: cerrado.

 “Mi primera foto documental fue la del Acto del 1º de Mayo de 1983”

_ Felicitaciones por esta excelente muestra de miradas múltiples… ¿Cuánto hace que te dedicas a la fotografía?

Coordinador de la muestra, Armando Sartorotti: _ Cumplo 40 años de mi primera foto documental, que fue la del Acto del 1º de Mayo de 1983. Fue el primer trabajo por el que cobré, por eso es el punto de partida de mi trabajo profesional como fotógrafo y como editor.

_ ¿Cuándo comenzaste con los talleres?

_ Tengo los talleres desde el año 2013. Soy docente en forma continua a partir del año 2000 en la Universidad ORT en Montevideo.

Este Taller de Proyectos Fotográficos funciona con modalidad presencial  en San José y Yi, en Montevideo, en una sala ejecutiva que alquilo para eso. Hace un par de años, como resabio de la pandemia, hacemos clases por Zoom, salvo cuando vamos a editar. En ese momento, les pido a los fotógrafos que impriman las fotografías, para que hagamos la selección con las fotos sobre la mesa. Es preciso “ver y tocar cada foto”. Después editamos las fotos finales…

“Formé el grupo de “El Observador” que creó un estilo de fotografía en la prensa”

 _ Eres autodidacta…

_ Sí. Formé el primer grupo inicial de fotógrafos del diario “El Observador” de nuestro país. Cambiamos con ese equipo, el estilo con que se hacía fotografía en los diarios en el Uruguay. Empezamos a hacer una fotografía de prensa que ningún diario de nuestro país hacía.  Fuimos creadores de un estilo de prensa diaria. Los demás diarios como “la diaria” o   “El País” hoy, no harían una fotografía diferente al estilo que generamos en 1991.

_ Se destacaban también con las infografías de “El Observador”…

_ Las infografías, como estilo de comunicación, y la fotografía en sí misma. Me refiero al punto de vista de la fotografía: el ángulo, la espera, el sentido… Se trata de entender al otro, para conseguir la mejor foto posible. Todo eso lo conseguimos con el equipo desde 1991 en adelante…

“La foto de mi vida” : recuerdos para guardar

Daniela Hernández (Nueva Helvecia): _ Soy de Nueva Helvecia,  pero vengo a dar clases acá. El año pasado, en el Taller de Proyectos Fotográficos, surgieron estos, que configuran una muestra colectiva que está viajando por distintas ciudades del país.

Son  proyectos personales, con distintas temáticas.  El mío es “La foto de mi vida”. Trata sobre los álbumes familiares, y el valor y la importancia de la impresión de las fotos, que se ha perdido bastante en estos tiempos digitales. Es remover, recordar… Son personas que me han mostrado sus  álbumes familiares. Pueden ser álbumes de viajes, que cuentan la historia con la foto…

“Glorialdo”… ¡por la forma de atajarla!

 Marnels Ferreira (Tacuarembó): _  Glorialdo es el nombre que eligió el padre de este hombre, porque “sabía” que iba a ser glorioso… Glorialdo Méndez Piedra, es un golero mítico de Tacuarembó, de origen muy humilde. En  todos los cuadros de fútbol en los que jugaba, los llevó a ser campeones. Ahora tiene más de 70 años. Él se contactó conmigo para pedirme que le restaurara  una fotografía que está en el panel con su nombre, en la que aparece  con su hijo chiquito (que ahora tiene más de 40 años). Cuando vi esa foto corroída por la humedad, y por el tiempo, sospeché que él tenía muchas historias para contar. Dejé esa foto tal cual estaba. Cuando lo visité en su casa muy humilde,  en el Barrio Centenario de Tacuarembó, tenía todos sus trofeos. Le costaba ya mucho movilizarse, en una de las fotos aparece  él contándome toda su historia.  Tomé una foto de Glorialdo con su lorita, que en determinado momento se posó sobre su hombro. También posó anteponiendo un marco a su rostro, como simbolizando la gloria. En la foto en la que está con las manos abiertas, me muestra cómo debe agarrarse la pelota para poder atajarla.  Si observamos la foto, percibiremos que todos sus dedos están fracturados. Cuando él jugaba, él se abrazaba a la pelota, pero los jugadores del cuadro rival, se la trataban de sacar con esos zapatos que tenían tapones. Los guantes que él usaba no lo protegían.

_ Él amaba lo que hacía, pero  alcanzar la gloria le  exigió muchos sacrificios…

_ ¡Así fue! A sus 44 años colgó sus guantes [pueden verlos en una  foto], en el arco del Estadio Raúl Goyenola de Tacuarembó  y se dedicó al Baby Fútbol, por eso está con todos los niños. Él atrae a los niños que tienen alguna dificultad. Antes no dejaban  jugar a los que tienen lentes, y él los alienta mucho  y les repite la frase: “El fútbol es un juego, por lo tanto, no es una competencia. Diviértanse.”

“Templos”- exteriores e interiores palpitantes

Adriana Fernández (Montevideo) _   Nuestro Estado es laico, pero quise  hacer un primer acercamiento hacia la Iglesia Católica. Mi idea es después seguir con otras religiones. Hay fotos de la Cripta del Señor de la Paciencia [popularmente: catacumbas de Montevideo], debajo de la Iglesia San Francisco de Asís en Cerrito esq. Solís, de Montevideo.  La gente dejaba ruegos,  escritos en las paredes de la catacumba, por eso  la fotografía tiene esos tonos [gamas de ocres].

_ Hay otra imagen…

_ Sí. Los viernes de tarde y  misa. Hay una foto de la fachada de la Catedral  de Montevideo- Iglesia Matriz (de estilo neoclásico), en la Ciudad Vieja de Montevideo, y  esculturas de  esa Catedral. La  de la Iglesia Clara Jackson, en el Barrio del Prado es un ejemplo del estilo arquitectónico gótico.

Incursioné  también en los símbolos, porque forman parte de los valores culturales y espirituales  de Uruguay y de cualquier nación, independientemente de si se profesa o no una religión. Aparece la Cruz  que se erigió después de la visita del Papa Juan Pablo II a Montevideo… Este es un primer paso de mi proyecto de la temática de Templos, que voy a continuar…

 La Rambla: “refugio, escape, búsquedas…”

Elba Hernández (Montevideo): _ La Rambla nos acoge en toda su larga extensión…  Cuando estamos lejos de Montevideo, extrañamos el mar.  En las fotos se ven desde el Parque Capurro hacia el Cerro de Montevideo. Vemos la Usina de ANCAP, la rambla de Pocitos, el Frigorífico Nacional, la Subestación de Gas…La Playa del Cerro es un deleite, y  también tiene otros usos como el culto a “Yemanjá”…

La rambla es el refugio, es el escape, y la búsqueda de energía que a veces se necesita. Diferentes vidas, sensaciones y climas.

 “La Escuelita”… de Jazz a la Calle, regalo mercedario

 Gabriel Alba (Montevideo): _ Se trata de La Escuelita de “Jazz a la Calle”, de la ciudad de Mercedes (departamento de Soriano). En enero de 2022 fui por primera vez al encuentro de” Jazz a la Calle” en Mercedes (que se hace anualmente desde el 2006). Me encantó. Es un evento muy importante. Muchos músicos uruguayos locales que tocan ahí, pasaron por la formación  de la Escuela de Jazz a la Calle, por la UTU, y por la UTEC (nivel terciario), que son los tres niveles que tienen. Empiezan desde los 4 años, hasta cualquier edad. Pagan una cuota de $400. Este año La Escuelita tiene aproximadamente 120 alumnos, que es una cantidad significativa… Es un fenómeno que creo que solo se da en Mercedes, y me pareció importante divulgarlo.

En una foto aparecen jugando: cuando el docente toca la música, ellos corren hacia adelante; cuando cesa, se quedan quietos… A mitad de año se hace una fiesta Fui a Mercedes una vez por mes hasta agosto, pero después seguí sacando fotos. Ojalá pueda hacer algo con todo el material que tengo...

Esta nota fue publicada el martes 8 de agosto de 2023, en la pág. 7. del periódico "Visión Ciudadana" de San José de Mayo, Uruguay.

El  6 de mayo de 2023, se inauguró la muestra “El Eterno Retorno”, de los destacados artistas plásticos maragatos Rodrigo Castrillo y Marcelo Alpuy, en el  Subsuelo y Bóveda Chica  del Espacio Cultural San José.  Participó en la inauguración, el Director General de Cultura de la Intendencia de San José, el Dr. Pablo Pucheu.  Mucha gente acompañó durante largo rato a  los expositores, entre quienes estaban varios artistas plásticos (*).  

Las obras están organizadas en series de  pinturas, dibujos, xilografías, monocopias… Hay figuración, abstracción, y  búsquedas expresivas personales de estos dos artistas. Conversamos con Marcelo y Rodrigo el 3 de mayo.

            La muestra pudo visitarse de  lunes a jueves en los meses de mayo y junio, de 9 a 15 h; viernes, de  9 a 15h y de 17 a 20h; sábados, de 17 a 20h.

El Eterno Retorno al “A B C” de la Pintura

_Eligieron un título original para esta exposición...

Rodrigo Castrillo: _  Surgió en las charlas que teníamos en el taller que tiene Marcelo en Puntas de Valdez. Hablábamos “de los dos árboles”  que pueden simbolizar al arte contemporáneo. Uno  va al “A B C” de la Pintura: el ritmo, la armonía y la estructura. El otro árbol “se viste” de arte contemporáneo, pero puede no tener sustancia, y  niega lo tradicional.

Nosotros tratamos de retornar a  ese “viejo árbol”, pero respondiendo a este tiempo en el que vivimos.

Marcelo Alpuy: _  Procuramos mantener el vínculo con la Historia del Arte.

Rodrigo: _ Marcelo dijo que es como “El Eterno Retorno”… De ahí salió el título de esta muestra. Consiste en series de diferentes ejecuciones, pero están presentes el ritmo, la armonía, la estructura. El eterno retorno surge de las ideas de Friedrich Nietzsche [célebre filósofo alemán]…

Marcelo: _ “Así habló Zaratustra” [quizá su obra más famosa].  Rodrigo y yo discrepamos con Nietzsche, porque pensamos que no se trata de que las cosas se repitan eternamente. Nos referimos al eterno retorno a la base.

“Tenemos claro además, que no queremos ser repetidores de fórmulas”

Rodrigo: _ Tenemos claro además, que no queremos ser repetidores de fórmulas.

_ El afiche de la muestra une dos mitades de autorretratos: uno de Marcelo, y otro tuyo.

Rodrigo Castrillo: _  Yo tenía un dibujo con un autorretrato mío, que iba a ser expuesto en la muestra, y Marcelo tenía un autorretrato suyo y lo cortó a la mitad, porque no le gustaba. Él hizo ese montaje que parece un solo rostro…

 Homenajes

 _ ¿Qué características tiene esta exposición?

_ Está organizada en series de xilografías, de naturalezas muertas, de retratos…

Marcelo Alpuy: _ En mis cuadros hay retratos en los que alguien posó como modelo. Otros retratos son mentales, porque se hacen recordando a la persona: tienen trazos más sueltos, son más “a la mancha”. Hay naturalezas muertas del natural, y también alguna abstracción, pero que surge de esculturas en madera, que me sugieren abstracciones en el plano. Expongo xilografías “mentales”: una de ellas se llama “Ida y vuelta” y es  un homenaje a  Ema Delgado, a quien valoro mucho como artista y como persona (**).

_ ¿Por qué se llama “Ida y vuelta”?

_ Es una xilografía tallada en madera con dos personas. Vi a alguien acompañando a una anciana: cuando  iban y cuando retornaban. A Ema la quiero mucho, y asocié a uno de los personajes  de esa xilografía con ella, porque se le parecía físicamente.

La xilografía “El día derramado”,  fue un homenaje al “Chiche” Tagliabúe (muy conocido por la bohemia maragata por su arte para tocar el violín). En un bar le hice un boceto rápido, y “apareció” un personaje extraño, siniestro, que no estaba allí… Pocos días después falleció el Chicho Tagliabúe…  Tengo la xilografía, pero desapareció el taco original  tallado en madera.  Verán otra xilografía dedicada al escritor uruguayo Washington Benavídes, porque su poesía siempre me encantó.

Rodrigo Castrillo: _ Hice un retrato de Hugo Nantes [famoso pintor y escultor maragato], porque fue uno de los maestros que más me influenciaron.

_ ¿Tuviste un vínculo con él?

_ Sí. ¡Mirábamos juntos hasta partidos de fútbol! Iba asiduamente a su casa -taller [en Ciganda 664], porque vivía a la vuelta de mi casa… Casi todos los que pintábamos, íbamos a consultarlo a Hugo. Él nos decía  qué debíamos corregir en nuestros dibujos y pinturas.

_ A veces  Hugo era un crítico lapidario… (risas)

También visité en varias oportunidades a  Dante Cola [otro artista maragato ya fallecido], porque me encantaba  cómo pintaba.

_ ¡Era muy bueno Dante Cola!

_  En el Museo de San José, tuve como Profesora  a la artista plástica  uruguaya Nelbia Romero, y continué estudiando un par de años más con ella en Montevideo.

 Etapas de la obra de Rodrigo

_ Tuviste una fase en tu obra, en la que a través de los pliegues de una tela, hacías dibujos con mucha minuciosidad, que fueron muy elogiados por la crítica especializada… Parecía que tus pinturas tenían volumen. ¡Eran excelentes! ¿Armabas las telas y luego pintabas lo que te sugerían esos pliegues?

_ Surgía todo en forma simultánea: era una combinación.  Yo manejaba los claroscuros y la textura de la tela… Nelson Romero (otro gran artista maragato), también me apoyó mucho…Él me orientaba en el tema del puntillismo, y también en el uso de los materiales.

_ Esas obras tuyas estaban “emparentadas” con los cuadros de Nelson Romero.  Ahora te separaste del puntillismo…

_ En esos cuadros que yo hacía, tenía mucho trabajo el dibujo, pero eran abstracciones. La imagen en ellos estaba sugerida.

_ Aun así, reconocíamos rasgos en lo que podría ser un retrato, por ejemplo.

_ Sí. Esa etapa se terminó. Hice esas obras aproximadamente en el año 2000 y ya en el 2011 todo se fue transformando. Fui  abstrayendo cada vez más, hasta que empecé a  tener trabajos más sueltos, más sugerentes… La estructura está  allí, aunque se hayan producido algunos cambios. No llegué a la abstracción total, porque exige todo un proceso.

_  ¿Cómo trabajas actualmente?

_ Estoy trabajando en una variación del dibujo con lápiz (grafito), con manchas. Es monocromo en las obras que expongo en el Espacio Cultural, ya que quería contrastar un poco con lo que hace Marcelo. Las mías son más dibujos, que pinturas.

Marcelo: _ El hiperrealismo, que es casi fotográfico, llega un momento que agota. El ojo humano no ve así… Ve contrastes, manchas… El naturalismo abstracto  se parece más a cómo vemos las cosas.

Rodrigo tiene el manejo de la anatomía, de la proporción, domina la mancha…

“Marcelo tiene muchas influencias del Taller Torres García”

 _ ¿Y vos Marcelo, cómo te autodefinirías?

Marcelo: _ (Carcajada)

Rodrigo Castrillo: _¨Yo  compararía la obra de Marcelo  con la de Alceu Ribeiro. Opina lo mismo el artista plástico Sergio Viera que vive en Montevideo,  con quien Marcelo y yo comimos hace poco un asadito.  Sergio  también dio clases en el Museo de San José. Marcelo tiene muchas influencias del  Taller Torres García (TTG). Se percibe eso en cómo maneja el color, y cómo compone…

Marcelo: _Hay algún naranja, algún azul, pero me gusta más  la paleta baja.

Rodrigo: _ . Marcelo tuvo maestros que fueron discípulos del TTG.

_ La artista visual  María de los Ángeles Martínez [nacida en Rodríguez, Departamento de San José], fue  tu profesora en el Museo de San José. Ella a su vez, fue alumna del gran artista Dumas Oroño, discípulo del TTG.  Ángeles tiene una reconocida trayectoria a nivel nacional e internacional…

Marcelo: _ ¡Sí!… Gabriel Bruzzone fue discípulo de José (Pepe) Montes del  TTG. También fue mi profesor…

(*) Algunos de los artistas plásticos presentes: Mariano Albistur, Mercedes Fuentes, María de los Ángeles Martínez, Luis Souza Cortés y Ema Delgado.(**) Cuando Ema llegó a la exposición, recibió un gran aplauso. Ella  reside en Montevideo. En julio realizará una muestra de su obra, en el Museo de San José.

Esta entrevista se publicó el martes 16 de mayo de 2023, en la pág. 7 del periódico "Visión Ciudadana" de San José de Mayo, Uruguay.