La Cultura en Tiempos del Coronavirus-  Por RSMC- “Equilátero – La utopía del amor infinito”, es una obra teatral de Angélica González (*), que ella codirige con Romina Capote. “Equilátero…” se presentó en los días 6,7, 8 , 13, 14 y 15 de noviembre de 2020, en el Espacio Cultural Ignacio Espino (ECIE). Entrevistamos a Angélica, quien demuestra su creatividad una vez más, con un texto y puesta en escena  tan provocativos como dinámicos,  sobre el amor en la posmodernidad. La obra obtuvo la Primera Mención en el Concurso de Obras Inéditas, COFONTE- AGADU.

Obra  teatral "Equilátero", en el ECIE

El reto de la Tecnicatura en Dramaturgia

_ ¿Cuándo escribiste esta obra?

Angélica González: _ En 2018,  cuando inicié mi Tecnicatura en Dramaturgia. Fue un texto que utilicé y seguí trabajando, para someterlo a revisión, en tutorías con docentes como Jimena Márquez (**), y  con algunos compañeros.

_ ¿Dónde cursas esa Tecnicatura?

_ Se cursa en el Instituto Nacional de Artes Escénicas (INAE), en Montevideo. Está coordinada por la EMAD y  por la Facultad de Humanidades. Yo ya estaba escribiendo obras  teatrales,  y las había estrenado con anterioridad a  esta.  La  Tecnicatura me dio un espacio para mi formación, y para el trabajo específico sobre este texto, que no es una obra de egreso. Terminé de escribirlo a partir de las herramientas que fui adquiriendo en la Tecnicatura. Sigo cursándola.

“Esta tremenda armonía”

_ Ya desde el título se alude a un triángulo amoroso…

_ La historia gira en torno a la pareja formada por Natalia y Manuel, quienes nacieron en la década de los ’90 y son en apariencia tan “líquidos”, como la modernidad  en que les tocó vivir.

_ Son jóvenes que cambian, que son inestables…

Paty García y Gabriel Gozado , en "Equilátero", en el ECIE

_ Es una referencia a los filósofos de la posmodernidad, a esa “Modernidad líquida “, a la que alude en su libro homónimo Zygmunt  Bauman.  Natalia y Manuel hace 6 años que conviven. Están enamorados, pero el amor “les pesa”. Aparece Ana, el tercer personaje,  y con ella intentan encontrar el equilibrio. Creen que ella puede generar un reencuentro con esa estabilidad emocional perdida. No obstante, a veces, esa percepción que le atribuimos al triángulo equilátero, no condice con los seres humanos.

Cuestionamientos  y frustraciones

_ Una tercera persona en cualquier relación,  es potencialmente un factor de discordia. Aún más si se suma a una pareja amorosa…  

_ Es un poco paradójico, porque tanto el triángulo como el número 3, tienen una simbología asociada con la armonía.  La obra es un cuestionamiento a las lógicas con las que nos relacionamos tradicionalmente. Estos personajes están atravesados por la caída de  valores que nos sustentaban…

_ ¿Qué valores “cayeron”?

_ Por ejemplo el  valor de una institución como la familia. Las personas que nacimos en los ’80 y los ’90, comenzamos a descreer  en ella como  institución sólida. Ya no parece tan necesaria para completarnos como seres humanos. El  tener hijos también se pone en duda. Se cuestiona  hasta el hecho de concebirnos junto a otro. En muchos casos, primero está la realización personal. Esto anularía todos esos deseos que se nos imponían como mandatos de la sociedad.

Andreína Lamenza, Paty García y Gabriel Gozado en "Equilátero"

_ Eso aparece en esta obra…

_ Sí, pero no exento de conflicto.  Pertenecemos a una generación atrapada entre no querer reproducir el modelo tradicional familiar,  y  el enfrentamiento con el vacío, por la ausencia de valores reales. Somos una generación tan individualista, como frustrada.  La obra sondea acerca de esa insatisfacción constante, esa imposibilidad de conectar con el otro, por tener distintos ideales sobre el amor.  Entran en colisión el amor romántico con el amor más pragmático. Natalia  descubre que el amor es como una droga, porque es una “reacción  química” y eso la frustra…  Manuel representa una visión más tradicional del amor, no tan interpelativa,  no cuestiona tanto.  La deconstrucción está representada por Ana. En una pretensión utópica de estabilidad, obra el efecto contrario.

“Lautréamont o su última carta”

_ ¿Qué otras obras de tu autoría se han representado?

_ “Lautréamont o su última carta” [unipersonal estrenado en el ECIE en 2018, y protagonizado por Julio Persa].

_ Esa obra ha sido  elogiada. Se dio varias veces en el ECIE,  en la “13ª Feria Internacional de Promoción de la Lectura y el libro de San José” y en otros lugares. Nunca pude verla…Fue muy oportuna por homenajear  al poeta franco- uruguayo  Isidoro Ducasse [1846-1870], quien se conociera como “Conde de Lautréamont”.

_ Estuvimos con “Lautréamont o su última carta” hasta fines de octubre de 2020, en el Teatro Circular de Montevideo.

Premonitoria “25 minutos de oxígeno”

Escribí también la obra “25 minutos de oxígeno”, dirigida por [la actriz maragata] Leonor Chavarría, que estaba enmarcada dentro de un “Proyecto de Teatro Foro” que se llevó a  instituciones sociales, culturales,  educativas, y a la Cárcel de Juan Soler…Plantea un intercambio con el público. Dura 25 minutos. Hace dos años que la estrenamos.

Se representó también en la 14ª Feria del Libro de San José [2019]. Su tópico es el encierro.  Un submarino está averiado y hundido en el mar. Sus tripulantes están atrapados,  y saben  que les quedan solo 25 minutos de oxígeno.

_  ¿Adivinaste que se nos avecinaba esta pandemia? ¡Van a tener que darla de nuevo!

_ Creo que en breve se van a dar funciones, porque obtuvo el Fondo Regional para giras, que otorgan los Fondos Concursables del MEC.

 “Nos propusimos estrenar ‘Equilátero’ en este año,  por dignidad y resiliencia”

 _ Hacen en el ECIE solo seis funciones de esta obra…

_  Sí. Fue todo un desafío estrenar en época de pandemia. Íbamos a estrenar este proyecto en el primer semestre de este año, pero la pandemia frenó todo. Hubo mucha incertidumbre, porque nos preguntábamos para qué seguir ensayando. Tampoco sabíamos qué iba a pasar con el ECIE. Todo quedó con mucha fragilidad: el teatro, los actores, los artistas…

_ Duele mucho lo que le ha pasado y continúa pasando, con todas las disciplinas artísticas durante esta pandemia. Todo lo que quedó en suspenso y vedado durante meses, es lo que hace (re)vivir a la gente.

_ Nos propusimos estrenar “Equilátero” en este año, por una cuestión de dignidad y resiliencia. Por eso nos planteamos hacer 6 funciones, para ver qué ocurría. La verdad es que llenamos la sala, claro que con el aforo reducido por la emergencia sanitaria. La capacidad es de 30 espectadores…

_ Eres muy versátil, porque escribes sobre temas diversos. ¿Qué mensaje o reflexión  harías sobre  “Equilátero…”?

_.  Mi reflexión es que “el amor es siempre subversivo, nos cuestiona y se resiste a ser encuadrado en un plan prediseñado para el cual deba ser funcional. No es nada nuevo. Desde los orígenes de la humanidad y recogido por el Arte, siempre es una experiencia subversiva, que se contrapone con el orden establecido.”

  (*) Angélica González es Profesora egresada del CERP en Lengua y Literatura. Obtuvo la Efectividad como Profesora de Idioma Español. Trabaja como docente.

 (**) Jimena Márquez es dramaturga, directora de teatro, profesora de literatura egresada del IPA,  actriz, y letrista de carnaval uruguaya.

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“Equilátero- La utopía del amor infinito”. Sala: Espacio Cultural Ignacio Espino.  Br. Manuel D. Rodríguez 610, Antiguo Galpón de AFE. San José de Mayo.

Ficha técnica: Texto: Angélica González. Dirección: Romina Capote y Angélica González .Elenco: Andreína Lamenza Geninanzi (Ana) / Gabriel Gozado (Manuel)/ Paty García (Natalia). Investigación en el movimiento: Moriana Romero. Diseño de escenografía y luces: Nåndo Scorsela. Realización de escenografía: Alvaro Ortiz. Diseño y ambientación sonora: Jona Mieres. Vestuario: Tania Galaretto Audiovisuales: Álvaro González. Producción ejecutiva: Julio Persa. Operación de luces: Daniel Calero. Producción: Intermedios producciones. Venta de entradas por Redtickets.

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Apuntes: La obra es provocativa por su contenido y su desarrollo. Es  un relato no lineal, con saltos en el tiempo, y  escenas muy breves o aun vertiginosas, por  lo que capta la atención. Quizá se reitere más de lo necesario el concepto del  triángulo, en el texto e inclusive en una suerte de dramática y frenética “danza” entre los tres agonistas... Natalia (Paty García), logra desconcertarnos. Dudamos siempre qué piensa y/o siente “de verdad”, porque es la cuestionadora. Gabriel Gozado acierta en su personaje estructurado, casi impávido.  Andreína Lamenza convence como la libérrima Ana. El diseño  de la escenografía y su concreción son  muy buenos: su estructura  permite entradas y salidas veloces e imperceptibles de los actores. Iluminación y ambientación sonora se  conjugan para ello. Asimismo, estos contribuyen a  crear los distintos climas “vividos” por estos  tres jóvenes, a quienes el amor les hace bordear varias veces el abismo, literal y metafóricamente, lo que nos impacta y nos hace reflexionar sobre angustias de hoy y de siempre . RSMC.

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Fotografía que encabeza esta página: Autora y directora teatral Angélica González. Esta y las otras fotografías de esta página fueron gentilmente enviadas por nuestra entrevistada.

Esta nota fue publicada el martes 17 de noviembre de 2020, en la pág. 7 del periódico "Visión Ciudadana", de San José de Mayo, Uruguay.

La Cultura en Tiempos del Coronavirus-  Por RSMC-

El próximo jueves 12 de noviembre de 2020 a las 20 horas,  el grupo local de  teatro independiente “eLABORa”, estrena su versión de la obra teatral “Pedro y el Capitán” de Mario Benedetti,  en la Sala Rafael Sienra del Teatro Macció.  Benedetti  enfrenta a torturador y  torturado en un intrincado juego de espejos, aparentemente imposible...  La puesta en  escena es de Renzo Santucho, quien también dirige la obra y encarna a Pedro. Carlos (“Calo”) Daniel Espinosa, tiene el rol del Capitán. La música original es de Bruno González, quien la interpreta en la obra. Aquí Renzo Santucho y Carlos Daniel Espinosa se refieren a esta versión. 

 Las localidades (invitaciones) ya están agotadas. Protocolos sanitarios. Duración aproximada de la obra: 1h 20 minutos.

El 21 y 28 de noviembre a las 20 h, se presentará en el Instituto Cultural Español (ICE). En estas funciones, las entradas tienen costo. 

Obra teatral Pedro y el Capitán- Foto: Adelina Chamorro

 El torturador y el torturado

_ Tú y Renzo se atrevieron con “Pedro y  el capitán”, escrita por Mario Benedetti y publicada en 1979 en México, en plena dictadura cívico-militar uruguaya (1973-1985), con un tema candente en ese momento. Empezó como novela con el título “El cepo”, y  luego el propio Benedetti la transformó en una obra teatral que denominó “Pedro y el Capitán”.  Eran dos personajes: el que interroga al prisionero y el que será torturado. La representó en 1979 el Teatro “El Galpón” en México cuando ese grupo teatral estaba allá en el exilio, porque fue perseguido por la dictadura uruguaya. Ha habido varias representaciones más de esta obra  en el Uruguay con diferentes elencos. Es muy bueno que ustedes la hayan retomado,  en este año del centenario del nacimiento de este gran escritor uruguayo.

Tú  encarnas al  Capitán…

Carlos (Calo) Daniel Espinosa: _ Sí. Renzo es el torturado…

  Una  herramienta de transformación y de apertura al diálogo

 Renzo Santucho: _ Agregamos personajes a la obra. Serán los acomodadores de la sala: Yanela Bolazzi y Federico Bentancor. También está el autor e intérprete de la música original: Bruno González.

En este proceso de elaboración, nos propusimos dos  premisas: una, el factor teatral en sí, con la comunión del rito de ir al teatro (por eso será en la “Sala Sienra” y en el ICE), y la otra, que esta obra sea un factor social, una herramienta de transformación, de acercamiento y de apertura al diálogo. Queríamos con esta obra,  ir a buscar a la gente en  varios lugares.

_ Podría presentarse también en espacios alternativos…

C.Espinosa: _ Esa fue nuestra idea original. Deseábamos presentarla en los sindicatos, pero al final, estará primero en el Macció y después en el ICE. Queremos que recorra otros lugares.

R.Santucho: _ Voy a citar la última parte del prólogo de la obra escrito por Benedetti, que hemos tenido mucho en cuenta: “Tenemos que recuperar la objetividad, como una de las formas de recuperar la verdad, y recuperar la verdad, como una de las formas de recuperar la victoria”. Hemos basado todo nuestro proceso creativo en esa frase, desde muchos aspectos.

Objetivos de la “Fundación Benedetti”

_  Hay varios temas en la obra entre ellos: la ideología, cómo resistir a la represión y a la tortura, afines al compromiso de Benedetti como autor y como persona... ¿En qué pusieron el acento en esta versión? ¿Cómo manejan el movimiento escénico?

C. Espinosa: _ Esta puesta escénica está influenciada por una gran cantidad de teóricos teatrales del siglo XX. Fundamentalmente por Bertolt Brecht, en lo que concierne al distanciamiento, Meyerhold por su biomecánica teatral, Augusto Boal por el teatro pobre del “especta-actor”…

Te referías al centenario del nacimiento de Benedetti, y es bueno aclarar que la “Fundación Benedetti” decidió liberar los derechos de autor de “Pedro y el Capitán” para montajes que se hagan en el 2020. Esa fundación está financiada por el propio Benedetti, a pesar de que ya no esté físicamente. Sus libros se siguen editando y se venden mucho. Él quería que la “Fundación Benedetti” tuviera objetivos claros: en primer lugar alentar a los jóvenes creadores y el segundo, una lucha por los derechos humanos, sobre todo de los desaparecidos políticos, y el lema de “nunca más” terrorismo de estado... En esa Fundación aún se tratan de respetar esos objetivos.

Renzo Santucho (detalle), en Pedro y el Capitán. Foto: Adelina Chamorro

Dos roles polifacéticos y varias “rupturas”

_ En la obra Pedro no quiere revelar nada… ¿Cómo encararon esta puesta para que no fuera monótona?

R.Santucho: _ Le agregamos el acto “Cero” que la obra no tenía [en la original había 4 actos]. Tal como lo decía Calo, al basarnos en Brecht, en Boal, y también en otros teóricos como Stanislavski y Serrano, hacemos “quiebres”. El propio Benedetti lo hace en el Acto 3, en el que hay una suerte de mesetas oníricas como alternativas. No quisimos limitarnos a hacerlos en un acto, sino en todo el texto.

En el primer parlamento, el Capitán se dirige a los espectadores. En el 1er. Acto, en el que el Capitán habla solo y se dirige a Pedro, tratamos de que el Capitán no estuviese de pie y Pedro, sentado. Cambiamos las direcciones de las miradas de los intérpretes.

 “Todos somos Pedro”

 Se rompe la “cuarta pared” en casi todos los momentos, porque se involucra a los espectadores y se modifica la visión del Capitán hablándole directamente a Pedro. Es una puesta circular. Hablábamos con “Calo” sobre la identificación: “todos somos Pedro”. Puede ser una afirmación o una pregunta. Se trata también de que no haya un personaje bueno y otro malo.

Ni sentimentalina, ni demagogia

 _ Es bueno evitar el  maniqueísmo, que cada personaje tenga luces y sombras…

C. Espinosa: _ Benedetti señala además en su prólogo, que el texto no debe ser ni lacrimógeno, ni demagógico. Son dos personas que están cumpliendo un rol determinado en la historia. Pedro está destinado a ser un mártir.

_ ¿Y qué pasa contigo? El Capitán es el que trata de que Pedro ceda, se rinda, antes de la tortura…

_ Sí. Pedro tiene toda su carga ideológica. Busca hallar la respuesta de cómo una persona puede convertirse en un torturador.

R.Santucho: _ Esa es LA pregunta de la obra. Hay dos “territorios”: el del Capitán, y el de Pedro. Si bien resignificamos todo el texto de Benedetti, tomamos algunas de sus pautas. Modificamos planteos escenográficos, vestuario…

_ ¿Cómo es  el vestuario?

_ Es atemporal. El Capitán no es de ningún régimen militar ni de una fuerza armada  en particular… Su vestimenta es sutil. No usa botas, ni chaqueta… Pedro está muy despojado.

Resignificaciones de una obra siempre vigente

 En el prólogo de la obra, Benedetti dice que la tensión máxima de esta obra está en la acción dramática, sino en el diálogo interno de los personajes.

_ ¿Cómo logran en sus “máscaras” reflejar los matices de esos diálogos internos? Pedro se supone que está prácticamente inactivo. ¿De qué forma aportan dinamismo a esos dos personajes?C.Espinosa: _ Es una puesta de Renzo. He tenido que manejar en la creación del personaje los conflictos internos y cómo uno no los manifiesta. Trabajamos mucho en lo corporal.

_ El texto original de Benedetti, expresa lo que podría pasar en cualquier lugar del mundo en el que haya represión y tortura.

R.Santucho: _ Sí. Desde el principio nuestra metodología de trabajo fue en base a un laboratorio. Hubo dos jornadas muy intensas: una meramente teórica y la segunda, física.

C. Espinosa: _ La búsqueda intelectual para armar esta puesta fue profunda, pero todos van a entender lo que pasa en el escenario.

R. Santucho: _ Queríamos actuar en la Sala Sienra, porque no se estaba utilizando para obras teatrales.

Haremos otras funciones el sábado 21 y el sábado 28 en el Instituto Cultural Español de San José (ICE), en su local de  25 de Mayo 422. En el ICE se venderán entradas, respetando el aforo establecido por la emergencia sanitaria.

C.Espinosa: _ Hemos tenido un enorme apoyo de la Comisión Directiva del ICE, que nos ha permitido ensayar esta obra en su local, con una generosidad maravillosa, durante varios días y horarios. En el Macció hemos ensayado en el horario de la mañana y también lo agradecemos mucho.

Este estreno va a ser nuestra “prueba de fuego”…

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Ficha técnica de “Pedro y el Capitán”, de Mario Benedetti.Intérpretes: Carlos Espinosa, Renzo Santucho, Yanela Bolazzi, Federico Bentancor .   Intérprete musical: Bruno González.   Iluminación: Daniel Calero.  Maquillaje: Patricia Alvárez. Fotografía: Adelina Chamorro.  Registro audiovisual / Edición gráfica: Adelina Chamorro, Eduardo Gutiérrez. Difusión: Eduardo Gutiérrez. Dirección: Renzo Santucho. Producción general: Carlos Espinosa.

《《:: eLABORa ::》》Elenco Independiente de Laboratorio Teatral    Contactos:  092 039 649 -  099 765 864
elindependientelate@gmail.com

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Fotografía que encabeza esta página: Carlos Daniel Espinosa y Renzo Santucho, en una escena de "Pedro y el Capitán". Fotografía: Adelina Chamorro. Las tres fotografías que están en esta página,  fueron gentilmente enviadas por los entrevistados.

Esta entrevista se publicó el martes 10 de noviembre de 2020, en la pág. 7 del periódico "Visión Ciudadana" de San José de Mayo, Uruguay.

La Cultura en Tiempos del Coronavirus-  Por RSMC

El viernes 16 de octubre de 2020, Teatro “El Galpón” presentó la obra “Arlequino”, en el Teatro Macció, con la  versión  de Lila García, sobre la obra de Carlo Goldoni (Venecia 1707, París 1793) La  puesta en escena es muy dinámica, inteligente y creativa. Una “ecuación” (*), que condensa la brillante obra de Goldoni. El  excelente elenco no da tregua,  y Andrés Guido, nos “roba el corazón” con su Truffaldino. La risa, la carcajada y la reflexión de esta versión,  deben seguir contagiando calles y escenarios para goce del público de todas las edades. Conversamos con la directora Lila García, después de esta cautivante función.  

Elenco de Arlequino, servidor de dos patrones (de la página de facebook de "El Galpón")

Versión en clave de farsa con ocho intensos personajes

_ Esta versión tuya de “Arlequino…”, es muy ágil, muy graciosa y certera.

_ “Arlequino, servidor de dos patrones”, fue originalmente una  “Comedia del arte” del siglo XVIII (“Commedia dell'arte”, italiana), escrita como tal por Carlo Goldoni. Lo que hicimos fue versionarla en muchos sentidos. Había en la obra original unos 18 personajes “accesorios” pero necesarios, porque servían a la escena o a sus protagonistas. Concentré todo en 8 personajes. También omití a dos personajes principales: el padre y la madre del Silvio, el novio. Lo que estos dos personajes tenían para aportar, lo hace el dueño de la posada, que es un importante pivot en la obra, como lo es el Señor Pantalone (el avaro).

Otra variación fue que Silvio en la obra original era un “galancito”. Acá es una especie de grotesco, poco inteligente. Fue como una proyección de lo que podría ser el hijo del “dottore” y su señora. Es una burla al  hijo de “los notables”. Silvio se quería casar con Clarisa, porque tiene la misma condición social, pero ella acá tampoco es inteligente. No es así en la obra de Goldoni.

Adoptamos otra decisión estética: hacemos una  farsa y no “Comedia del Arte”. Hemos utilizado algunos trucos, o pases que tenía la “Comedia…”, pero es casi como un guiño. La composición de personajes está totalmente en clave de farsa. Sacamos también la máscara que se usaba, porque quisimos darles más humanidad y más profundidad a los personajes en pocos detalles. En vez de las máscaras de la “Comedia del Arte”, están los antifaces que ni siquiera están puestos, sino pintados en los rostros de los actores.

Más de 30 funciones en la calle y aún más en espacios alternativos

 _ ¡Me gustó mucho eso! Sin las máscaras, se  puede apreciar mucho más la gestualidad, las miradas. Por otro lado, se dispusieron sillas en los flancos de donde se centra la acción. Los actores se iban sentando cuando “debían salir” de escena y disfrutaban de la actuación de sus compañeros. Es el “teatro dentro del teatro”... 

_ Es una decisión de puesta en escena. Adapté esta obra para hacerla en calle y en todo tipo de espacio alternativo (abierto y cerrado). Cuando la hacemos en calle implica muchos desafíos. Entre otras cosas, puede hacerse a la luz del día, como la hemos hecho. Esta obra tiene más de treinta funciones en la calle y por todos los barrios de Montevideo y aún más, en otros lugares. ¡Es la cuarta vez que reestrenamos!

Para hacerla en la calle, necesitábamos validar la escena en un espacio barullento. Había que llamar la atención. Trabajamos mucho la paleta de colores, que son puros, con una estética “como de dibujo animado”. Si no se podía iluminar, porque era de día o  contábamos con  luces rudimentarias, igual se podían distinguir los personajes. Una de las cosas que facilitó mucho esto fue lo que  señalabas: los actores están al costado de la escena, sentados y disfrutando de la obra. Cuando el actor da un paso y entra al “tatami”, que es lo que define el escenario, está el personaje,  y cuando sale, de inmediato “rompe” y es el actor, no el personaje.

_¿Qué es el “tatami”?

_ Es la alfombra sobre la que están cuando actúan. Es difícil ese juego de actor-personaje. ¡Lo hicimos a la vista de todos!

_En un momento te estás riendo como actor y en otro, se están riendo de lo que tú haces… Estos personajes son todos muy convincentes. Es un precioso elenco.

_ Exige mucha precisión. Es un gran equipo.

Cómo ser mujer y administrar el  poder

 Quisimos dar entre otras, algunas lecturas del lugar de la mujer. Si bien en “Arlequino…” de Goldoni, está la mujer que se disfraza de hombre para lograr lo que quiere, hoy eso tiene otra significación. Hicimos recortes de parlamentos, dejando los más centrales, para que tuviese la crudeza de la actualidad, y para que llegase directo el mensaje de lo que significa ser mujer y tener que administrar el poder. “Tiene” que ser “masculina” de alguna manera. Otra lectura que aportamos fue que la criada, que siempre juega desde un lugar secundario, ya que  lo que habla es para “entretener” (en el mal sentido), con un discurso que en general es dejado de lado, acá lo pusimos en primer plano. La criada dice: “¡El mundo es así, porque las leyes las hicieron los hombres. Si las hiciéramos las mujeres…sería otra cosa!”. Eso que es de Goldoni, pasa absolutamente desapercibido en el siglo XVIII, pero en el siglo XXI lo pusimos “como un hueso pelado”, bien puro.

La esencia  del punzante texto de Goldoni

 _¡Qué increíble la visión de Goldoni en esa época!

_ ¡Es notable! Todos lo que está dicho en esta versión es de Goldoni. No hay texto mío.

_ “Podaste” texto para dejar lo medular.                                                              

_ Sí. Dejé la textura válida para hoy. También, más allá de que sea una comedia, traté de que tuviera un mensaje que ha trascendido los siglos, y que estamos tratando de atenderlo desde otro lugar. Quisimos darle mucha relevancia al otro tema: el  de la persona “dependiente de”. Arlequino (o Truffaldino), es de tan baja condición social y económica, que ni siquiera tiene un patrón.  Él no le pertenece a nadie, por lo que no tiene existencia. Su existencia depende de conseguir un patrón. En este personaje, “limpiamos mucho” la pirueta, nos centramos mucho en el hambre.

_ Es el reclamo notorio de ese tragicómico personaje que nos conquista de inmediato, porque nunca le dan de comer… [Guido parece no tener esqueleto, y se expresa con todo su cuerpo].

_ Sí. Este personaje es hasta torpe…Él engaña, pero con inocencia, para saciar su hambre…

_ Su hambre en varios aspectos. También de amor…

_... Y de sexo… Le quitamos adornos que son necesarios en la “Comedia del Arte” del siglo XVIII. Hoy sería demasiado texto. Nos concentramos en la acción escénica.

_ ¿Siguen de gira con la obra?

_ Estuvimos un mes haciendo una nueva temporada en la Sala Campodónico de Teatro “El Galpón”. Hace dos años hicimos una temporada en la Sala Atahualpa. El año pasado realizamos funciones específicas para adolescentes, trabajando en extensión cultural. Ahora salimos de gira. Hoy estamos en San José, en tres o cuatro semanas estaremos en Rocha y esperemos seguir mostrando este Arlequino.

_ Es fundamental que podamos volver al teatro…

_ Para este momento tan difícil, esta obra tiene algo maravilloso, porque es volver a la risa con mensaje. Asimismo, tiene una  ética y estética de la precisión de la actuación,  muy importantes.

Vos la viste en un monumental teatro como el Macció, pero mañana a esta obra la armamos en la plaza a  la luz del día o en el patio del colegio o de un liceo, en la esquina de una escuela, y funciona con la misma calidad que viste hoy. Ese era el gran desafío…

(*) Le dijimos a Lila García “off the record”, que había logrado una suerte de ecuación o sea,  el nudo de un clásico como este, con el mínimo de recursos y de palabras. Ella respondió que era “Matemática pura” y que todos los movimientos de los actores estaban calculados y “triangulados”, aunque ello no se percibiera.

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“Arlequino, servidor de dos patrones”, en el Teatro Macció

Autor: Carlo Goldoni. Directora: Lila García. Elenco: Andrés Guido (Truffaldino), Dulce Elina Marighetti(Beatriz), Rafael Hernández(Florindo), Sofía Tardáguila (Clarisa), Ignacio Duarte(Silvio), Marcos Zarzaj (Pantalone), Dennis Fernández (Brighella), Amparo Zunin (Esmeraldina). Producción: Teatro “El Galpón”, de Montevideo.

Reseña: Cuando Clarisa y Silvio están a punto de casarse, se presenta Truffaldino, anunciando la llegada de su patrón Federico Rasponi, anterior prometido de Clarisa a quien se lo creía muerto. El “muerto” es su hermana Beatriz, disfrazada de Federico, que llega a Venecia en busca de su novio Florindo Aretusi. Truffaldino encuentra a Florindo, quien también necesita criado y se emplea con los dos patrones al mismo tiempo. Eso provocará líos varios…

Foto que encabeza esta página: Directora  de teatro  Lila García en el Macció

Esta entrevista fue publicada el martes 27 de octubre de 2020, en la pág. 7 del periódico "Visión Ciudadana", de San José de Mayo, Uruguay.

REGRESA A ESCENA LA OBRA NOMINADA AL PREMIO FLORENCIO 2019 “EL OTRO”, CON LA ACTUACIÓN DE HUGO GIACHINO, EN EL TEATRO EL GALPÓN

En el marco del ciclo “Teatro a Puertas Abiertas” organizado por la Institución teatral El Galpón de Montevideo,  se presentará el jueves 29 y viernes 30 de octubre, a las 20.30 horas, en la sala César Campodónico, la obra interpretada por Hugo Giachino, bajo la dirección del argentino Becky Garello, que fue nominada al premio Florencio en la temporada 2019, “El otro”. Un unipersonal escrito por el autor uruguayo Gabriel Guerrero que lleva al protagonista a situaciones límite e incontrolables.
“El otro” se estrenó en noviembre de 2019, en el Teatro de La Candela, con intención de abrir la temporada 2020 de dicha sala. La pieza fue llevada a diversos puntos del país, subiendo a escena en Centros Culturales o Deportivos.
Por la temática que aborda, su puesta en escena y posterior debate, resultó sumamente útil para instituciones que tratan distintos tipos de adicciones. Y así fue presentada en Alcohólicos Anónimos y en espacios de rehabilitación de diversas adicciones.
El texto habla del amor y el desamor, de la cordura, el alcoholismo y las drogas. Tiene mucha realidad en sus palabras, y pone a los espectadores al borde del abismo...
El cuidado trabajo del actor, hace que todos se puedan identificar con el personaje desde distintos lugares, ya que los claroscuros por los que transita el personaje tienen también relación con la cotidianidad y las interrogantes que uno se hace a sí mismo.
“El otro” fue nominada a los premios Florencio 2019, tanto por la puesta en escena como por la labor del actor.
Por la complejidad presentada en la definición del personaje el actor logra que tanto alcohólicos, como adictos a drogas o pacientes psiquiátricos, e incluso el público en general, se identifique con ese ser sobre el escenario que va pasando por distintos estados de ánimo, enfrentándose a la soledad, el abandono, el desamor, en síntesis a sí mismo.
Un trabajo cuidado del autor muestra las sensibilidades del ser humano en los momentos más trágicos de sus vidas, situando el momento en que el hombre se enfrenta a su propio abismo.
El director, Becky Garello, logró sacar el mejor trabajo del actor, Hugo Giachino, para conmover al espectador, algo que se logra en cada función. La obra plantea una reflexión para todos sobre las situaciones por las que pasan las personas en sus momentos límites, y que no pueden controlar.
AGRADECEMOS LA DIFUSIÓN QUE PUEDAN DAR DE ESTAS FUNCIONES EN SUS MEDIOS. Y SOLICITAMOS ENTREVISTAS CON EL ACTOR. MUCHAS GRACIAS.
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