fondo-cabezal-1
La escritora y periodista Rosa Montero, y Julián Ubiría, director editorial de Penguin Random House, en la presentación de Un dí - copia

19ª Feria del Libro: Con la consagrada escritora española Rosa Montero - “Mi manera de vivir, es escribir”

La 19ª Feria Internacional de Promoción de la Lectura y el Libro de San José, contó con la presencia de la premiada escritora y periodista española Rosa Montero(*), el lunes 7 de setiembre de 2026, en la ceremonia de apertura de la Feria en el Macció, donde destacó la importancia de la palabra, de la escritura, como resistencia, como compromiso con lo mejor de la humanidad, y los riesgos que tiene el mundo hoy.  El miércoles 9 a las 20h, estuvo con su amiga, la destacada escritora argentina Claudia Piñeiro en la Mesa “Literatura y locura”, en la Carpa de la Palabra, en la que se desmitificaron algunos rótulos. ¡Todos tenemos rarezas! Además, son necesarias algunas obsesiones, para poder escribir…

El miércoles de mañana, conversamos con Rosa Montero, sobre las crisis y problemas actuales del mundo, algunos de sus libros y su novela “Un día en la vida de Clarita”, que fuera presentada por primera vez en esta Feria, el pasado martes 8 a las 20h, en el Espacio Cultural San José. Agradecemos su generosidad por concedernos unos minutos, y porque disfrutamos una vez más de su humor, de su calidez y  de sus agudezas.

“La democracia del mundo está amenazada, y la deberíamos refundar”

_ Tienes una trayectoria impresionante, como periodista y escritora. Has escrito novelas excelentes.  Hace un momento estuviste en el programa “Opinión pública”,  de los periodistas Jorge Scagni y Leonardo Ábalo, de “Visión Ciudadana” en la Carpa de la Comunicación de la Feria.  En ese programa mencionaste tu preocupación sobre los peligros que tiene el mundo hoy, y que la democracia  está “en caída libre”

Escritora y periodista española Rosa Montero: _ La democracia está amenazada, y la deberíamos refundar. Deberíamos volver a los valores primeros, para que la gente no se sienta abandonada por el sistema como le pasa actualmente. No estoy diciendo que sea fácil. Es muy complicado, porque hay muchos retos…

Está la presión que ejerce el calentamiento global del planeta, la crisis climática también es tremenda.  En este año hemos pasado por incendios brutales. El año pasado,  hubo incendios en Australia, donde nunca se habían producido.  Hay terremotos…  La corriente de “El Niño”  está afectando como nunca… Todo eso mete un estrés enorme, a lo que se suma la superpoblación. Es un momento muy complicado del mundo.

 La IA está dominada por pocas empresas, y hay otros problemas mundiales

 La IA está dominada por pocas empresas, cuyos dueños son tiranos en todos los sentidos. Además, no pagan impuestos. Estamos dependiendo de ellos, porque están introduciendo todas sus maquinarias y tecnologías, en todos los sectores más estratégicos de todos los países occidentales.  Son cinco grandes empresas dirigidas por fascistas, que nos tienen en sus manos.  Cuando digo fascistas,  me refiero a gente como Peter Thiel, quien ha dicho: “Hay que acabar con la democracia”.

_¿ Y  Elon Musk?

_ Es lo mismo, pero lo dice menos claramente…

Novela "Un día en la vida de Clarita"- Editada por Penguin Random House en setiembre de 2026 en Montevideo, Uruguay -144 págs-

_  Hemos visto la mayoría de tus novelas en la Carpa Librera de la  19ª Feria.  Está la serie de novelas protagonizadas por la detective  Bruna Husky, como la novela titulada “Animales difíciles- La Humanidad está en juego” [2025].

_ Esas son las de “mi Bruna”, que ya las he terminado.  Son cuatro. Es un personaje que me encanta. Bruna Hasky  es mi alter ego en lo profundo, porque en su biografía no tiene nada que ver conmigo, pero sí en su obsesión por el paso del tiempo, por la muerte, en muchas cosas… Quiero muchísimo a Bruna, y voy a echarla de menos.

La detective Bruna Husky “es mi alter ego en lo profundo”

Bruna es un clon humano, criado por  los ingenieros genéticos, y todo sucede en 2110. Son novelas futuristas… En esta época están estos clones genéticos, que los ingenieros han echado a madurar aceleradamente. Son criados en 14 meses en tanques, y en ese tiempo llegan a una edad biológica de 25 años. Los activan y viven 10 años, porque esa aceleración les provoca un fallo en varios órganos y se mueren.  Saben cuándo van a morirse, por eso están obsesionados con la muerte.  Es en lo que me parezco con ella. La mayoría de los seres humanos viven como si no fueran a morirse jamás, menos un puñado de neuróticos como Woody Allen y como yo, que pensamos todo el rato en la muerte. (Risas)

_ ¿Dirías que son novelas distópicas?

_ No. “Distopía”, es una palabra que detesto…  ¡El mundo de Bruna no es peor que el nuestro!  Es parecido, simplemente. Creo que el nuestro es peor…

 Tres libros que serían “artefactos literarios”

_  Es curioso cómo aparece  el diario de la científica Marie Curie  después de la muerte de su esposo,  en “La ridícula idea de no volver a verte”. Intercalas tus recuerdos y otras historias… Señalas en el prólogo que “no es un libro sobre la muerte”.

_ Tengo tres libros a los que los llamo artefactos literarios: “La loca de la casa”, “ La ridícula idea de no volver a verte” y “El peligro de estar cuerda”. Son libros híbridos, mestizos, difíciles de definir.

_ Tienen algo de ensayo…

_ Son libros en los que hay  ensayo, ficción, biografías de otros personajes…  “La ridícula idea de no volver a verte” es el segundo de mis artefactos.  En realidad es un libro sobre la vida y cómo aprender a vivirla de una manera más plena, y más serena.  Por eso, la portada del libro es una mujer que vuela.  Lo que buscas es la ligereza de la vida. Pero para aprender a vivir mejor y con más serenidad, primero tienes que llegar a un acuerdo con la muerte: con la muerte propia y con la muerte de los seres queridos. Por eso es un libro sobre la vida, que habla también de la muerte y del duelo, de una forma muy natural...

“Clarita me poseyó”

_ Ayer presentaste en la 19ª Feria de San José,  tu novela “Un día en la vida de Clarita”. ¡Lo vimos “nacer” acá!

_ Sí. Ha salido a la calle aquí por primera vez. Los primeros libros los he firmado aquí.  Te juro que es el sitio mejor para que salga Clarita. Es un personaje que todavía estoy digiriendo. 

_ Clarita trabaja en un banco. La novela narra el día en que se jubila. (**)Ha sido siempre humillada por sus jefes y por varios de sus compañeros de trabajo. Se insulta mentalmente:¡“Tonta, bruta, imbécil”! Pero también leemos: “Es una marciana, una entomóloga marciana del hormiguero humano”. Insertas bocadillos durante el relato, que son reflexiones filosóficas y sarcasmos de Clarita.

_ A Clarita siempre la han maltratado y tiene una falta de autoestima tremenda, pero no es nada tonta.

_En la presentación de la novela decías que conviviste con Clarita…

_ ¡No conviví…Clarita me poseyó! (Risas)

_ Te poseyó…esperemos que no en forma demoníaca…

_ Fue  un poquito demoníaca, sí (Risas).Vino, se metió, me obligó a escribir esta novela, y a pelear  esta batalla que tiene a lo largo de la novela. Hay una gran tensión... Debíamos conseguir llegar al final y salvarnos. Insisto en que mientras escribía la novela, no sabía si íbamos a ser capaces. Ha sido un trayecto muy emocionante escribirla.

“El periodismo forma parte de la resistencia, de la posibilidad de crear informaciones más fiables”

_ Eres muy comprometida en tus opiniones como periodista… ¿Qué mensaje le darías a los periodistas?

_ Les pido que resistan. El periodismo pasa ahora  por muchos problemas, pero forma parte de la resistencia, de la posibilidad de crear unas informaciones más fiables que estas “fake news” que nos envuelven.

_ En una de tus charlas, te referiste a que tienes tres novelas en tu cabeza. Dices que todo el tiempo,  las palabras y los personajes, están en tu mente…

_ Tengo una trilogía, pero la tengo parada, porque en medio, se me ha metido otro libro. Mi manera de vivir, es escribir…

(*) Rosa Montero nació en Madrid. Ha sido galardonada con numerosos premios como periodista y como escritora. Los más recientes son: el Premio Literario Giovanni Boccaccio 2026(Italia), y Francisco Cerecedo de Periodismo 2026 (España). Desde 1976, escribe en el prestigioso periódico “El País” (Madrid, España).

(**)Clarita tiene comportamientos repetitivos y obsesivos, es meticulosa… Algo ocurrirá en ese día tan especial, y este personaje sacará a la luz esas y otras facetas sorprendentes y aun inquietantes…

 Esta nota fue publicada el  martes 15 de setiembre de 2026, en la pág. 7 del periódico "Visión Ciudadana" de San José de Mayo, Uruguay.

Destacadas / Home / Literatura - 09/29/2026
Magíster en Gestión Educativa, Maestra Verónica Dentone

19ª Feria del Libro: Miércoles 9 de setiembre- Libro de la Mag.Verónica Dentone en el ICE -Habitar las aulas desde el lenguaje: De la oralidad a la comunicación plena”

El miércoles 9 de setiembre de 2026, a las 13.30h y a las 18h, en el Instituto Cultural Español de San José (ICE), se presentó el libro  “Habitar las aulas desde el lenguaje: De la oralidad a la comunicación plena”, de la Mag, Verónica Dentone(*).  Participaron en la presentación: Mag. Verónica Dentone, Prof. Pedro Peña, Prof. Amanda Carrión y Prof. Silvana Barceló. Se realizó en el marco de la “19ª Feria Internacional de Promoción de la Lectura y el Libro de San José”.

            Local del ICE: 25 de Mayo 422. A las 13.30h, para estudiantes de Magisterio y estudiantes de Primera Infancia. A las 18h, para todo público, y en especial,  para directores, supervisores y docentes. Entrada libre.

 Valorización de la palabra, el silencio, la mirada, la escucha, los vínculos…

_ ¿Cómo sintetizarías los objetivos y contenidos de tu libro?

Magíster en Gestión Educativa, Maestra Verónica Dentone: _  Es una propuesta de abordaje de la enseñanza del lenguaje en clave de desarrollo humano.  Es un libro que invita a que reflexionemos sobre cómo habitar  tanto los espacios educativos, familiar, organizacional… Está dirigido a los docentes, pero cualquier persona- mediador de lectura, educador, integrante de una familia-,puede acercarse a esta lectura.

En este recorrido del desarrollo del lenguaje, hago un énfasis en qué es la oralidad, que es mucho más que hablar. Se trata de toda la valorización de la palabra, del silencio, de la emocionalidad, de la mirada, de la escucha, del intercambio vincular que se construye a través del encuentro de la corporeidad. Todo eso que permita a todo quien lea, saber qué lugares de intervención tiene que haber para que el otro aprenda a apropiarse del lenguaje oral.

Miércoles 9 /09/26 en el ICE, libro "Habitar las aulas desde el Lenguaje-De la oralidad a la comunicación plena", de Verónica Dentone - 350 págs.Editorial Jocma

La arquitectura de la oralidad: lo verbal, lo gestual y lo corporal

 El libro plantea actividades prácticas, de cápsulas de reflexión, itinerarios prácticos, que no buscan ser recetas, sino ser inspiradores, para que los docentes puedan implementar y enseñar en la oralidad cotidiana de las aulas, pero también para conquistar una comunicación plena. Las “cápsulas” son como circuitos de actividades que tienen una finalidad. Le llamo cápsula, al capítulo que está dirigido a la práctica, a la acción. Puede haber una cápsula que me dice qué tengo que trabajar, enseñar o propiciar cuando quiero trabajar la arquitectura de la oralidad, que se sostiene en tres columnas: lo verbal, lo gestual y lo corporal.

_ ¿Cómo sería la arquitectura de la oralidad?

_ La oralidad no es un acto instintivo, ni lineal, sino que tiene una suerte de “edificio” que lo construye. El libro tiene un diagrama que es como una casa, en la que están esas tres columnas que yo te decía: lo verbal, lo gestual y lo corporal. El techo lo compone la emoción, el silencio y la mirada. La base es la construcción de la persona, el desarrollo humano.

Hay una cantidad de diseños de actividades para armar, potenciar y estimular, todo lo verbal.  El trabajo con la voz es una seña de identidad que tenemos cada uno de nosotros. Tenemos que saber que tiene un ritmo, una pausa, un tono, ademanes,  gestualidad y emociones, asociados a la intención comunicativa. Cuando me conozco, me  permite  poder interpretar y comprender mejor las voces de los otros.  Eso hace que lo vincular se enriquezca.

Actividades prácticas con la oralidad: juegos, dinámicas, secuencias…

Todo lo que mencioné, está desarrollado con actividades prácticas: juegos, dinámicas, propuestas, secuencias… Y todas tienen una intención: trabajar la musicalidad de la palabra, la arquitectura de la oralidad, la escucha…

Cuando uno quiere enseñar desde el lugar docente, va a tener que enseñar todas las partes de esa casa, para que el otro estructure un desarrollo de comunicación plena.

_ Hoy predomina en la comunicación, el uso de las pantallas que subyugan a todos,  y la necesidad de la respuesta inmediata… ¿Cómo contrarrestar todo eso en la enseñanza del lenguaje?

_ Por eso me detengo en el valor de las emociones, en el hecho de reconocernos, en enseñar desde el lenguaje con la palabra exacta, que se llama “granularidad”. También se analizan los circuitos y procesos cerebrales que contribuyen a la construcción de la oralidad. En todo lo concerniente a lo vincular, cuando hay conversación, espacios de diálogo, hay un apartado acerca de cómo se construye la cultura dialógica, las preguntas, cómo se enseña la pregunta… Eso va generando un territorio intersubjetivo que se va construyendo, gracias a la mediación que realiza el docente.

En los espacios en los que uno construya para habitar desde el lenguaje, no va a estar la pantalla. Van a estar la conversación, el encuentro, el leer, el leerse, el narrar. Hay muchas propuestas de cómo generar proyectos de club de narradores, de tertulias literarias, de anecdotarios propios, de la familia, comunitarios….

“Pasar de la cultura de la imagen, a la construcción de la imagen propia”

Volviendo a las pantallas,  hay otro apartado que se refiere a pasar de la cultura de la imagen, a la construcción de la imagen propia. Ahí hago todo un análisis que parte de todo lo externo: lo que nos venden, los modelos…

_ Esos modelos que nos venden son peligrosos, por los estereotipos físicos de belleza, de personalidad, por el incentivo permanente al consumo sin freno…

_ Ahí abordo la autoestima, el respeto por uno mismo, el respeto por los otros. Las miradas hacia el otro no deben ser descalificatorias, no deben estigmatizarlo…Trato de que haya afectividad, sensibilidad y empatía en la escuela. Destaco la necesidad de que haya un tiempo para escuchar y escucharse. Trabajo mucho la construcción de la escucha empática, profunda. Se busca la construcción de espacios o ecosistemas humanos más sensibles y conscientes del respeto hacia los otros.

El capítulo 5 del libro, aborda todo lo que es la literatura o sea, del lenguaje como oportunidad pedagógica, el docente como un mediador y animador del aula, y la palabra como construcción de sentido, identidad y pertenencia. Ahí desarrollo también la literatura infantil, nombrando a los clásicos como Charles Perrault, los Hermanos Grimm, para llegar después a los actuales. Menciono a algunos referentes de la literatura y muchos sitios web, en los que se pueden buscar en los “links”, autores nacionales e internacionales, acordes a las recomendaciones que hace a los docentes, el diseño curricular vigente.

Se trata de buscar espacios de bibliotecas atrapantes, que no sean de libros en los estantes. Hay todo un apartado sobre eso.

Es un libro de 350 págs. Tiene un prólogo de la Magíster en Educación Zózima González, quien es una prestigiosa referente en educación.

Hacia la conquista de una comunicación plena

_ ¿Qué caracteriza a una comunicación plena?

¨_ Yo defino a la comunicación plena, atendiendo a un análisis de que es un circuito entre emisor y receptor, en el que se nutren y participan. Además, analizo las barreras que pueden existir. Mencionemos algunos ejemplos: cuando no hay disposición a la escucha, cuando no hay espacio o ámbito que lo posibilite, cuando no hay una corporeidad que admita que ese intercambio suceda. Me detengo en la dicción. El hecho de que el que emite no articule bien el lenguaje o que su lenguaje sea acotado, a veces imposibilita la comprensión de lo que dice. Analizo todas esas barreras, para revertirlas, y para que suceda esa comunicación plena. Se habla, además, de un estar disponible para el otro: hay conciencia, disponibilidad, escucha… Es importante no interrumpir al otro.

En el libro se hace todo un recorrido del desarrollo del lenguaje, para poder llegar a una comunicación plena…

(*)También en el marco de la “19ª Feria…”,Verónica Dentone actuó el domingo 13 de setiembre, a las 18h, en la Sala Sienra del Teatro Macció, en el espectáculo de narración oral escénica para jóvenes y adultos: “Historias incómodas. Entre el decir y el callar”. Estas historias entrelazan emociones, intrigas, amor, desamor y humor.  Dirección y guión: Verónica Dentone. Participaron en este espectáculo, las siguientes narradoras: Raquel Silvetti, Verónica Dentone, Ilse Schölderle, Mónica Chirico. Entrada:  libre.

Instagram y Facebook:  centroemocionarte

Esta entrevista fue publicada el martes 8 de setiembre de 2026, en la pág. 7 del periódico "Visión Ciudadana", de San José de Mayo, Uruguay. En ese momento, se anunciaban las actividades, por lo tanto, ahora se hicieron las modificaciones pertinentes.

 

 

 

Destacadas / Home - 09/28/2026
Silvia Káter en el episodio de

Con la actriz argentina-mexicana Silvia Káter en FIAEuy3- Prodigiosa, en “Don Quijote: historias andantes”

Fue una maravilla la actriz Silvia Káter en  “Don Quijote: historias andantes”, en el FIAEuy3(*),  en los rubros de actuación, destreza y manipulación de objetos y minimundos, para narrar algunas aventuras de Don Quijote de la Mancha a través de varias voces,  y encarnar a 14 personajes (Aldonza Lorenzo, Cervantes, Quijote, Sancho Panza…). Conversamos el pasado jueves  20 de noviembre con ella, en el Espacio Cultural Ignacio Espino (ECIE), después del goce de esta recreación de episodios de la magistral novela de Miguel de Cervantes, de magia siempre rediviva. Van 287 funciones en varios países.  Dirección: Raquel Araujo. Producción: Silkateatro Andante y La Rendija.

www.fiae.uy

www.intermediosproducciones.com.uy

“Para honrar la imaginación cervantina, no es siempre el mismo objeto el que representa a un mismo personaje”

              Don Quijote...¡ exultante!

_Silvia… Despertemos del ensueño, después de vivir y atravesar  estas historias, y “minumundos” contigo… Le contaste al público que esta es la 287 ªfunción. Te transformas con  pasmosa rapidez en los distintos personajes,  y  manipulas personajes de cartón, ollas, verduras, láminas, “molinos de viento”, y otros objetos que “sacas” cual prestidigitadora…¡hasta de tus bolsillos!

Actriz Silvia Káter: _ ¡De eso se trata! Es un desafío que esta obra sea un unipersonal, en el que interpreto a 14 personajes diferentes con la ayuda de los objetos. Y además, para honrar la imaginación cervantina, no siempre es el mismo objeto el que representa a un mismo personaje. Quijote por ejemplo, está representado pon una manta, con unas barbas o y con un yelmo; otras veces con una pluma [de las que se utilizaban  para escribir]; otras veces como un puerro…

_ También ibas narrando a medida que nos mostrabas a Quijote y a Sancho  en una serie de ilustraciones pintadas sobre papeles, que estaban en una carpeta…

_ Sí. Son obras de arte de Pepperino Oligor (que está en el programa de mano). Es realmente fantástico ese libro del episodio del “yelmo de Mambrino”.

_¿Cuánto hace que están representando esta obra?

_ Once años, menos el período de la pandemia…

_ La dramaturgia es de Roberto Azcorra, Raquel Araujo y tú…

_ En realidad, el lenguaje es exactamente igual al de la novela de Cervantes. Por supuesto que elegimos algunos episodios relevantes. La dramaturgia es la necesaria para hacer las conexiones entre esos episodios.

Música y sonido cómplices

_ Son cardinales la música y el sonido, para  los cambios de escenas… De otro modo sería aún más difícil que supieras qué decir en cada episodio, más allá de que tú domines todo el desarrollo…

_Sí. Podría hacerlo sin música, pero sin duda, me ayuda mucho.  La música fue compuesta especialmente para la obra por Erik Baqueiro, que es un muy buen guitarrista y compositor de Yucatán.  Le encargamos la música, y se basó en las formas musicales de la España del siglo XVII.

Son 64 tracks de sonido que maneja Fernando Berdichevsky[esposo de Silvia, asistente técnico y general de la obra].  Hay muchos efectos de sonido: el trote de caballos y otros… Cuando Don Quijote está hablando con Sancho, es mi voz grabada la que se escucha.

_ En esa grabación, parece la voz de un hombre, la que interpreta a Quijote… También eres totalmente convincente cuando “eres” Quijote en vivo.

Naciste en Catamarca (Argentina).Eres una destacadísima y premiada actriz a nivel internacional y en México, donde resides hace varios años. Ayer [miércoles 19] participaste en un Conversatorio en la Biblioteca Departamental de San José, junto al Lic. y Prof. maragato Pedro Peña (quien ha analizado mucho a Don Quijote), sobre este espectáculo…

_ Me encanta  la novela de Don Quijote, porque nos sigue diciendo muchas cosas. Es muy vigente, y por eso, es clásica. Ha traspasado todas las geografías y todos los tiempos. Nos sigue hablando de la amistad, de la justicia, de la lucha, de los ideales, de la resiliencia…

Silvia Káter encarna a Sancho Panza, en jocosa escena

“Actuar es jugar”

_ …Y de la diferencia entre las clases sociales, que en ella se difuminan… Es desopilante el episodio de la venta (o posada) “protagonizado por verduras”. La inolvidable Maritornes… ¡es una cebolla! Don Quijote es un puerro, como ya mencionaste.

 Al principio de la función, aparecen unas casitas, que después, “se tornan” ingredientes  que mezclas, para preparar una comida.  Muchos de nosotros, cuando leíamos  al Quijote, interpretábamos ese fragmento del Capítulo Primero, de otro modo.

_ “ (…)Una olla de algo más vaca que carnero, salpicón las más noches, duelos y quebrantos, los sábados (…)”. Cuando nos pusimos a investigar en Internet, nos dimos cuenta de que “duelos y quebrantos”, es un plato muy pesado que se sigue haciendo.  Tiene jamón, tocino, sesos, huevos revueltos con sal…

Hay mucho juego. Era eso lo que les decía a los muchachos que estaban hace un rato en la función en el ECIE. Actuar es jugar (“to play” en inglés, “jouer”, en francés…). Me gusta mucho ese concepto.  Quisimos recuperar el sentido básico del teatro.

_ … Y también de Don Quijote, que admite tantas lecturas, como lectores…

_ ¡Claro! Es como las cajitas chinas o las Matrioskas rusas… Dicen que Mario Vargas Llosa leía el Quijote una vez al año religiosamente, porque decía que seguía encontrando capas y capas como las de la cebolla.

Más creaciones: Feminismo, viaje iniciático de titiriteras, Isabel I y Shakespeare, tango…

_ ¿Estás haciendo otras obras?

_ Sí. Una de ellas, es “El siglo de las  mujeres”, y trata sobre el nacimiento del feminismo en México, que fue en Yucatán, que es donde yo vivo. Lo hacemos  en el Teatro José Peón Contreras. En ese Teatro se desarrolló el Primer Congreso Feminista de México (en 1916), y segundo de Latinoamérica.  El primero fue en 1910, en Buenos Aires.  A partir de ese Congreso, surge el feminismo en México, con mujeres extraordinarias, gracias a las cuales se avanzó muchísimo en la educación, en los derechos sociales y políticos de las mujeres , el voto... Sin embargo, el voto de la mujer se logró en México recién en 1953… En la obra “El siglo de las mujeres”, tratamos de visibilizar a esas mujeres, porque es como si la Historia las hubiese olvidado… Es una obra magnífica que llega hasta Malala…  Las mujeres son, por ejemplo: Elvia Carrillo Puerto, Felipa Poot Tzuc(indígena maya  luchadora social), Dominga Canto, Consuelo Zavala y Castillo…

Tenemos otra obra: “Tiempo de abrazarte”, escrita por  Liliana  Hernández Santibáñez y yo. Liliana fue alumna mía y ahora es directora .En esta obra dirigida por Liliana, se emplean muchas técnicas de títeres: bocones,  de rodilla, de guantes… Se desarrolla en la época actual. Muchas veces, los títeres se consideran como un arte menor, y  no lo es. Se trata de una madre e hija titiriteras, que hacen un viaje metafórico. Andan buscando un lugar ideal para trabajar, porque son bastante ninguneadas. Van viajando, y descubren que, finalmente, el viaje tiene que ser interior, porque si ellas están seguras de lo que hacen, van a poder tener la fuerza para defender su trabajo.

_ Es una especie de viaje iniciático…

_ Sí. Efectivamente.

Hace poco cerramos la temporada de  “La noche que jamás existió”, de Humberto Robles. Es preciosa. Es sobre la Reina Isabel I de Inglaterra en el año 1600. Ella tiene 67 años y convoca a Shakespeare de 37 años, para pasar con ella en sus aposentos reales, para que le explique qué es el amor,  ya que ella es mayor y no puede experimentar el amor de pareja. Él pasa la noche con ella. A través de sonetos y fragmentos de múltiples obras de él, le va explicando y la va haciendo actuar. El director es uruguayo: Nelson Cepeda Borba. Él vive en Yucatán.

También creo y  produzco espectáculos de tango muy teatrales. Hay bailarines. Yo canto tango, y tenemos un cantor uruguayo. Hace poco hicimos “Cartas de amor  y tango”. Algunas eran cartas reales, y otras, fueron inventadas para la obra,  y desembocaron en tangos. El tango es apasionante y se presta para crear…

(*)FIAEuy 3: “3er. Festival Internacional de Artes Escénicas Infantil y Adolescente del Uruguay”. Festival con perspectiva  de derechos establecidos en la Convención sobre los Derechos del Niño. Hubo espectáculos, conversatorios, talleres, conferencias, instalaciones y debates. Con sede en el Departamento de San José- Uruguay, las actividades se desarrollaron en instituciones públicas y privadas, de las ciudades de San José de Mayo, Libertad, y Montevideo. Todas las actividades fueron de acceso gratuito, y hasta completar el aforo.

Esta entrevista fue publicada el martes 2 de diciembre de 2025, en la pág.7 del periódico "Visión Ciudadana", de San José de Mayo, Uruguay.

Todas las fotos de esta página y las que fueron publicadas en el periódico, fueron gentilmente enviadas por Silvia Káter.

 

 

Teatro - 12/28/2025
Mario D'Amico en un primer contacto con el órgano de la Catedral, Matías Ferreyra, y Tomás Moreno-sobrino del armonista-

Con el armonizador y filántropo Mario D’Amico -Restauración básica del órgano de la Catedral de San José

En la mañana del pasado domingo 7 de diciembre,  el armonizador Mario D´Amico, comenzó en forma gratuita, la tarea de  restauración básica o parcial, del órgano de la Basílica Catedral de San José(*), tal como se explicita aquí. Es oriundo de Paysandú, pero se ha dedicado a restaurar órganos de varias catedrales de Uruguay y del mundo, entre otros, el de la Catedral de Notre Dame de París. Vino por razones familiares, pero quiso emprender esta hazaña, hasta hoy, martes 9 de diciembre. El domingo lo entrevistamos, cuando integrantes de varias de las comisiones  relacionadas con la Catedral, un grupo de jóvenes guías de la Catedral, estudiantes de música y vecinos, preparaban todo lo necesario para el inicio y desarrollo de esta insigne labor, en la que colaboraron durante los tres días.  

Apoyos: Diócesis de San José de Mayo. Dirección General de Cultura y Educación de la Intendencia; Intendencia de San José.

 Todo comenzó en la Basílica de su Paysandú natal

_¡Qué honor tenerte nuevamente en San José…! Viniste en el año 2000, para otra actividad. Hasta el martes 9, estarás haciendo limpieza, reparaciones y ajustes imprescindibles del órgano de la Catedral de San José.   Eres armonista. ¿Cómo iniciaste tu formación?

_ Sí. Soy armonista o armonizador…Nací en Paysandú.  Años después, empecé a averiguar si aún había en el mundo, especialistas que trabajaran y construyeran  instrumentos. Un  día (del año 1996),  llegó providencialmente a mi casa Marta Molinelli, dueña del Hotel Casagrande, que estaba al lado de mi casa.  Me contó que había técnicos especialistas en órganos, que habían ido a evaluar el órgano de la Basílica de Paysandú. Fui a la Basílica, y sin preguntarles nada, me puse  a trabajar con ellos en la restauración del órgano de la Basílica, que costó doscientos mil dólares en el año 1997. Ahí empezó mi formación. Alemania regaló (sin que nadie se lo hubiese pedido), el 75% del costo. El 25% restante, lo tuvo que aportar la ciudad. Dio mucho trabajo recaudar cincuenta mil dólares, pero todos aportaron, aun aquellos que no eran católicos.  Había amigos comerciantes  judíos del centro de Paysandú, que hicieron su aporte, porque consideraron que es un bien cultural de todos los ciudadanos, además de ser un bien religioso.

“El órgano ha sido siempre, el mayor democratizador del gran  repertorio”

El órgano siempre ha sido el mayor democratizador del gran  repertorio. Antiguamente, los conciertos se daban solo en los salones de los palacios, por lo que era la nobleza la que tenía el acceso a la mejor música.  Sin embargo, en las iglesias, los órganos han estado dando  el mejor repertorio en forma gratuita. Ahora a  veces se cobra algo, porque el músico es un profesional.

La más reciente teoría, sitúa la creación del órgano como instrumento en el siglo III en Grecia. Los órganos grandes del siglo XIV, eran de los templos católicos. En instrumentos del siglo XVIII, encontramos elementos para tocar repertorio operístico como la percusión, cascabeles…

El órgano de la Catedral de San José: maravillas a preservar por todos

_ ¿Qué características tiene el órgano de la Basílica Catedral de San José?

_ Es un órgano litúrgico postromántico alemán, de la fábrica Walcker, una de las empresas más grandes (constructora de órganos de tubos), que ha hecho instrumentos de excelente calidad  para todo el mundo. En el Uruguay, la mayoría son de Walcker.

Funcionan con  trasmisión neumática: hay un sistema de aire a presión, que trasmite desde la consola donde el organista toca, la señal al interior del instrumento para que sus mecanismos internos hagan sonar los tubos correspondientes.

Tiene dos teclados manuales, de 56 notas  cada uno, además de contar con un pedalero (que es un teclado más),  con 30 notas. Cada teclado tiene un plan sonoro diferente. Los del segundo teclado, están encerrados dentro de una caja de madera, (caja expresiva), que regula la intensidad del sonido. El órgano mayor es el teclado primero, y  “canta libremente” debajo de la bóveda, y la proyección del sonido la da el propio techo de la catedral. Tiene un sonido más potente, vibrante. El pedalero conduce a los tubos más grandes, que son los sonidos más graves del órgano.

Los tubos en este órgano son tapados, están dentro del instrumento. Si fueran abiertos, medirían cinco metros de alto.  Acá los más altos son de 2, 50m o 3m. Son de madera y suenan como una especie de contrabajo.

_ Hay tubos visibles acá…

_ Sí. Los que se ven, son los tubos del principal, que es lo que llamamos sonido de órgano. Los otros, imitan sonidos de creación. En los pedales, tenemos en su mayoría tubos de madera, de sonidos más graves,  que están adentro. No  los vemos.

_ Tiene una serie de botones, encima del primer teclado…

_ Son diferentes sonidos que se pueden mezclar, para obtener diferentes texturas sonoras: brillantes, sombrías o dulces…

_ Son sonidos de trompeta, de flautas, de violas... ¿qué  más?

_…Sonidos de fantasía, típicos del órgano, como una voz celeste, de sonido etéreo que ondula y hace  un leve vibrato. La voz celeste existía en este órgano, pero en algún momento, se cambió por un registro de quinta. Si tocamos un do, tenemos un sol; si tocamos un re, tenemos un la… Uno no escucha que está tocando otra nota, sino un color diferente, con otra brillantez, como de campanitas.

Este órgano tiene dos sistemas de tracción: uno es eléctrico, a través de un motor ventilador (que debe ser original del órgano); otro de tracción a sangre, con dos pedales que inflan los fuelles generales. Esto hace que funcione todo el sistema.

_¿Hay que pedalear en forma continua?

_ Sí. La persona que pedalea está detrás del órgano. Generalmente, el organista toca una campanita, para el fuellero empiece a trabajar. Cuando se termina la pieza musical, deja de pedalear.

_¿ Cuánto tiempo demanda la  formación como organero?

_ Nunca se termina. Para formarme como organero, debo seguir estudiando siempre.  Empecé con un gran organero alemán: Gerhard Grenzing. Él era de Hamburgo, y se instaló en Mallorca. Estuve estudiando  con él 20 años en Barcelona, pero trabajando en todo el mundo. Restauramos la catedral de México, Bogotá, trabajamos en Japón, en Francia…

_ ¿Y en la Catedral de Notre Dame de París?

_ Dirigí a la empresa Quoirin  para la restauración de la Catedral de Notre Dame, después de que se incendió [en 2019]. El órgano no fue afectado por el incendio, pero debimos desmontarlo. Trabajamos en él desde el año 2020 hasta el 2022. Después me fui a Suiza, donde hoy resido.

_¿Quiénes solventan esas restauraciones?

_ Pagan las iglesias o el estado. En Francia, todos los órganos de catedrales son del estado, que los pone al servicio de la cultura y del culto religioso.  Son expresiones artísticas…

 “Puesta a punto” gratuita del órgano, y donación de instrumentos

 _ Acá harás ajustes imprescindibles para el funcionamiento del órgano de la Catedral de San José, en forma gratuita…

_ Sí. Vine a Uruguay con todo el cariño del mundo, porque mi mamá, Gloria Holzmann, está enferma.  La Intendencia de San José solventa los gastos del viaje,  alojamiento,  alimentación, lo que agradezco mucho… La idea es en estos tres días que  tengo, trabajar presencialmente, pero sobre todo, formar un equipo de acá de San José, para que el órgano pueda estar en funcionamiento, y que sepan resolver pequeños problemas sin tener que esperar una restauración global del instrumento.

Me dedicaré a la regulación de la mecánica del órgano, a cambios de partes de cuero que estén estropeadas… Es una “puesta a punto”, porque no hay dinero para una restauración completa. Emparcharemos donde   hay fugas de aire, para que pueda funcionar y  para que esté al servicio cultural (incluido el religioso), de la ciudad.

En Notre Dame hay ocho mil tubos y cinco teclados manuales. Acá  hay 800 tubos.

 En el Uruguay ha habido unas políticas nefastas en la utilización de estos instrumentos, porque han estado abiertos a una o dos personas. Eso ha impedido la formación de otros músicos. En todo el mundo, los estudiantes de instrumentos de tecla, desde el primer año, tienen acceso a todos los instrumentos de tecla: clavecín, órgano…

El órgano fue el primer instrumento de tecla. El clavecín le sigue desde el siglo XIIV. En el órgano se ha tocado todo tipo de música(no solo música sacra).

Voy a donar instrumentos para el Director del Conservatorio Departamental de Música de San José: Matías Ferreyra.

Llegará a San José, un órgano de sala de los años 1970-80, ideal para tocar música barroca. También doné dos claves. Los alumnos de ese Conservatorio, desde el inicio, tendrán acceso a esos instrumentos.

Este proyecto de dotar a  todos los conservatorios del interior del país de los  instrumentos básicos en la formación de instrumentos de teclado,  lo estamos llevando a cabo, en forma conjunta: las intendencias de Salto, San José, Rocha; la Iglesia Católica; y yo. Va un clave y un órgano al Conservatorio de Salto; un clave al teatro de Salto; un órgano de coro para la Catedral de Salto; un órgano de coro para la Basílica de Paysandú. Se pidió ayuda al MEC, pero no hubo ninguna respuesta. Lamentablemente, el MEC no ha colaborado en absoluto con este proyecto.

(*) El instrumento es del año 2014. La inauguración oficial del órgano, fue el domingo 20 de febrero de 2021.u

Esta entrevista fue publicada el pasado martes 9 de diciembre de 2025, en la pág. 7 del periódico "Visión Ciudadana", de San José de Mayo, Uruguay.

Destacadas / Home / Música / Varios - 12/16/2025
Paula Rodríguez, AnaMar y Antonio De Quero, del espectáculo Ana por Ana, presentado por el FIDAE 2025 -foto- gentileza de AnaMar

Fidae 2025 : Magia y emoción visceral -“Ana por Ana”, en el Macció

Sábado 11 de octubre, FIDAE 2025 en el Macció: "Ana por Ana" Teatro, Literatura y cante

El pasado sábado 11 de octubre el  “Festival Internacional de Artes Escénicas del Uruguay”(fidae),  presentó en el Teatro Macció ,  la obra “Ana por Ana” (España), que fue ovacionado por el público. Ana Caro de Mallén y su rebelde y excepcional verso,  encarnaron redivivos, en los maravillosos matices de la voz de AnaMar como visceral cantaora, recreadora y contadora de esa historia. Las brillantes  guitarra flamenca de su hermano Antonio De Quero, y la dirección y dramaturgia de Paula Rodríguez, completaron este vibrante homenaje a “La Gran Musa de Triana”, del Siglo de Oro español.

Entrevistamos el domingo 12 de Octubre,  a AnaMar(*) y a Paula en el “Hotel Centro”, en 25 de Mayo 427  de nuestra ciudad.

www.fidae.mec.gub.uy 

 

Rescate del valor de las mujeres en el Siglo de Oro y en la historia del flamenco

_Paula: Pasamos por los más diversos estados de ánimo, todos, muy intensos. Lloramos, reímos, vibramos con AnaMar ( ¡Ay, sus cantes!). El flamenco es polifónico. Es quejido, es llanto, es risa…Dos artistas en el escenario y una voz en off, luz, sonido y… el encantamiento.

¿Cómo iniciaste esta investigación sobre Ana Caro de Mallén, para realizar la dramaturgia y dirección  de "Ana por Ana"?

Directora Paula Rodríguez: _ Fuimos muy a la par con AnaMar, porque se trataba de unir la métrica del verso clásico ( Siglo de Oro Español), con la métrica flamenca.  AnaMar es una profesional absoluta del flamenco, y yo hace varios años que trabajo con el Siglo de Oro como actriz y como directora. Me formé como actriz, y luego empecé a escribir y dirigir mis propios proyectos, y siempre en torno a los clásicos, desde una visión más contemporánea.

Ana y yo nos conocimos en la inauguración del "Festival Internacional de Teatro Clásido de Almagro", en el año 2024.

AnaMar: _ Empezamos a hablar y descubrimos que teníamos muchos intereses en común, en cuanto a rescatar a mujeres olvidadas. Paula me habló de Ana Caro, dramaturga del Siglo de Oro. Yo desde el flamenco, hago mucho hincapié en todos mis recitales e  investigaciones, en elevar la figura de la mujer y darle la importancia que tiene en la historia del flamenco, porque no se le ha dado. En seguida decidimos trabajar juntas…

Paula: _ En mis proyectos sobre el Siglo de Oro, trato de traducirlos  de algún modo, a la música contemporánea. El flamenco es universal…

AnaMar y Antonio De Quero en "Ana por Ana"  (foto- gentileza de AnaMar).

 

Barrio de Triana: fusión de culturas marginadas, de lucha y esperanza

_ El flamenco se nutre de varias fuentes, tú lo dices en el espectáculo…

AnaMar: _El flamenco es el resultado de las culturas que pasaron por Andalucía: árabes, judíos, gitanos… y muchos más que no nombramos. Yo tuve un profesor en la carrera, que se llamaba Faustino Núñez, un estupendo Flamencólogo, que siempre nos decía: “El flamenco es a la música,  lo que se dice con respecto a la conservación de la materia: no se destruye, sino que se transforma”. El flamenco es el resultado de esas músicas que pasaron por el territorio español.

(Paula: _ Algo clave que quise plantear en este espectáculo, es que el Siglo de Oro, es el momento en que conviven todas estas culturas en España, porque quedan aún muchos moriscos, y están en ese proceso de cambio y de ruptura social.  Se generan muchos lugares (y eso también lo decimos en la obra), de convivencia entre los marginados.

_ Es cuando hablan del Barrio de Triana… 

_ El Barrio de Triana, y el de Jerez ( en Andalucía)… El Barrio de Triana es en Sevilla, y es seguro por donde se paseó, nuestra musa Ana Caro. Esos encuadres de convivencia, fueron  seguramente la semilla del flamenco.

_ Es toda una fusión de marginalidad, persecución, que se percibe claramente en el espectáculo…

_ Es una fusión de un sentimiento de resistencia, de lucha, de esperanza…

De esclava morisca, a dramaturga, poeta y cronista, del Siglo de Oro

_ Ana Caro de Mallén murió como víctima de una epidemia e incineraron sus pertenencias,  según narró AnaMar, pero  se pudieron rescatar textos de Ana Caro. AnaMar nombra dos de sus obras teatrales.

_  Esas dos obras son: “Valor, agravio y mujer” y “El conde Partinuplés”, que son excelentes. El origen de Ana Caro es morisco…

_ Ella era una esclava morisca y fue adoptada por una familia  sevillana. Nació en Granada en 1590 y falleció en Sevilla, en 1646…

_ Pasó de ser una esclava morisca, a llegar a ser una de las dramaturgas más reconocidas del Siglo de Oro.

_ Se escucha una voz en off que es la tuya…

Paula: _ Son textos míos. Uno de esos textos,  está basado en “relaciones”( otro tipo de textos que Ana Caro escribía), que narraban eventos que ocurrían. La mayoría de los “cantes” son textos de ella que he adaptado, y AnaMar los ha casado, para que entren en la métrica de los palos flamencos.

AnaMar:_ El “Romance de la Cautiva”, es un romance clásico flamenco, pero Paula le dio una vueltecilla a la letra para que contara la historia de Ana Caro, por eso dice: “Caballero no soy mora, soy cristiana adoptiva, ahijada por padre noble en el monte de la Oliva”.

Paula: _Hemos querido contar su historia, y nos hemos inspirado en su legado para hacer un texto nuevo, tomando impulsos que están en sus obras, y en cómo creaba ella sus personajes femeninos, conectados con la resistencia.

_... Y con el hecho de estar dividida entre su pasado de esclava morisca y su presente: tú lo dices “en off”.

El autor escribe sobre sí. Yo también estoy dividida. Nací en Valladolid, pero vivo hace varios años en Londres. Me interesaba contar eso que tengo en común con esa escritora.  Asimismo, me inspiró mucho conocer a AnaMar y lo mucho que hemos compartido. He intentado que en el espectáculo estemos todas…

AnaMar en Ana por Ana en el Macció -foto- gentileza de AnaMar

Doble fascinación: cantes  y  el relato de la historia  

 _¿Qué palos del flamenco interpretaron tú y Antonio  con tanta maestría?

AnaMar: _ Los cantes que hicimos fueron :“Taranto”, “Romance”, “Tangos”, “Tanguillo de Cádiz”, “Siguiriya”, “Martinete”, “Colombiana”. El “tanguillo de Cádiz”, es el que hacemos rapeao, como los que hacía Lola Flores…

_ Comentaste que fue la primera “rapeadora”…

Es alegre y hermosa la “Colombiana” cuando tú y tu hermano bajan del escenario. _

Paula: _La letra de la “Colombiana” es de Ana Caro, adaptada por mí para que case con ese palo del flamenco. Está inspirada en un monólogo de Ana Caro, en el que el personaje está en su jardín. La música fue compuesta por Antonio y Ana.

_ La “Debla” fue conmovedora. Te vimos caminando y sentimos el sonido de las campanas…

AnaMar:_ En la “Debla” yo salgo con una mantilla negra. Representamos la muerte de Ana Caro… Solamente se conoce la letra que digo: “En el Barrio de  Triana, ya no hay pluma ni tintero, pa’ escribirle  yo mi madre que hace tres años que no la veo”.

Paula: _ Cuando AnaMar me habló de esa “Debla” supe que era sobre Ana Caro, porque a ella la separaron de su familia.  Es muy bonito que AnaMar lo cante, y luego, lo cuente. Hay una parte de la historia, que tiene que ser contada, porque hace pocos años que se sabe sobre esta dramaturga.

“Se ha dado la magia todo el tiempo durante los ensayos”

_ Antonio también logra con su guitarra,  los climas de dolor, de alegría, de fuerza, de rebeldía…

AnaMar: _ Me resulta muy fácil trabajar con él, porque llevamos toda la vida juntos (Se ríe)

Cerramos con la “Bulería”.Fue compuesta por Antonio y por mí .La letra es una adaptación de un texto de Ana Caro. Antonio es un grandísimo compositor, y es tiene mucha sensibilidad. En la “Siguiriya”, por ejemplo, cuando se siente el sonido del agua, él  evoca ese agua con la guitarra… Para mí ese momento es de las cosas más mágicas que tiene la obra.

Paula:_ Se ha dado la magia todo el tiempo durante los ensayos. Llorábamos…. El espectáculo está diseñado para ir creando espacios vacíos, para que se aparezca el fantasma de Ana Caro. Tenemos de contar su historia, y reivindicar la gran escritora que fue.

_ En la obra,  AnaMar cuenta  que su talento fue reconocido.

_ Sí. Ella llegó a estrenar al lado de autores como Calderón de la Barca y Lope de Vega. Era una gran dramaturga. La llamaban la gran poetisa española  y… “La gran musa de Triana. Yo la descubrí en una conferencia en Estados Unidos, hace 5 años. En España aún no se hablaba de ella.  Sus personajes y sus textos tienen una fuerza, una destreza, y  una belleza muy especiales.

AnaMar:_  ¡Tienes que saber que es la tercera función que hacemos!Estrenamos en el Festival Internacional de Almagro en julio de este año, y no la habíamos vuelto a hacer hasta ayer sábado 11 …

Paula:_ Hemos disfrutado muchísimo montando esta obra.  ¡AnaMar y Antonio son unos artistas impresionantes!

(*)AnaMar utiliza su nombre de pila, pero se llama AnaMar García De Quero.Su hermano Antonio adoptó el apellido de su madre: “De Quero”…

 Esta nota fue publicada el martes 14 de octubre de 2025, en la pág. 7 del periódico "Visión Ciudadana" de San José de Mayo, Departamento de San José, Uruguay.

Destacadas / Home / Literatura / Música / Teatro - 10/21/2025
Laura Martínez-Secretaria de UNAMA-, Mtra.Inés Fernández y Lucy Vanoli, detrás al centro, cuadro de Gustavo García

Exposición en el Espacio Cultural San José -Talleres de UNI 3 UNAMA

El jueves 7 de noviembre de 2024, se inauguró en el Subsuelo del Espacio Cultural San José,  la exposición de algunos de los  talleres de UNI 3 UNAMA (Universidad Abierta Maragata). Sus actividades y talleres son fundamentales para los adultos mayores, que se realizan en su local de 18 de Julio 687. Tiene una trayectoria de 36 años en San José (*) Esta inauguración estuvo a cargo del Director General de Cultura y Educación  de la Intendencia de San José, Dr. Pablo Pucheu; y la Presidente de la Comisión Directiva  de UNI 3 UNAMA,  Lucy Vanoli. El jueves se presentó el Coro de UNI 3 UNAMA, dirigido por el Profesor Harrison Parrado, en la Sala de Conferencias del Espacio Cultural, interpretando canciones que fueron muy disfrutadas por el público. (**)

            En la exposición pueden apreciarse  cuadros de pintura y dibujo; cuadros texturados; y algunas realizaciones en repujado en metal, crochet, tejido y tallado en madera, y paneles de difusión de otros talleres.

 El miércoles 6 entrevistamos a Lucy Vanoli, y a la Docente Facilitadora de Cuadros Texturados, Maestra Inés Fernández. La muestra en el Espacio Cultural pudo visitarse hasta el 19 de noviembre inclusive.

 La Secretaría de UNI 3 UNAMA, funciona de lunes a viernes, de 14 a 18 horas. Teléfono: 434 25272 

Coro de UNI 3 UNAMA, dirigido por Harrison Parrado

“Tenemos aproximadamente 50 talleres en UNAMA”

 Presidente de UNI 3 UNAMA, Lucy Vanoli: _  Acá se exponen cuadros de alumnos del  Taller de Dibujo y Pintura, que está a cargo del Profesor Gustavo Sosa. También están los cuadros texturados de alumnos del Taller de  la Docente Facilitadora, Mtra. Inés Fernández, que tienen relieve.  Inés detallará cómo trabajan, cuando converses con ella.

Tenemos aproximadamente 50 talleres en UNAMA, por eso van a  ver en distintos paneles, propaganda con fotos y síntesis de varios de esos talleres que no pueden exponerse aquí por razones de espacio.

_¿Qué talleres se difunden en esos paneles?

_ Cocina y repostería, tejido, crochet… En un panel se detalla el Taller “Aprender con todos los cerebros”, que tiene a su cargo el Asistente Socio Cultural (ASC), Mtro. Mario Puga. (*)

Habrá, asimismo, folletería de todos los talleres. Tenemos aproximadamente 30 docentes facilitadores y algunos de ellos tienen  más de un taller. Trabajamos desde la mañana hasta prácticamente la noche.

22 de noviembre: exposición anual en el local de UNI 3 UNAMA

_ Ustedes exponen acá hasta el 19…

_ Sí, pero el viernes 22 de noviembre, se inaugura la exposición en nuestra casa, en 18 de Julio 687. Acá no podemos traer todo lo que se ha hecho en tejido, en crochet, en informática, rummy,  cocina saludable, cocina y repostería…

_ Sí. Conversé con una de las expositoras, y me dijo que ella hace bordado ruso, y patchwork…

_ Además, hay tapiz en canavá,  tallado en vidrio, flores realizadas con medias, macramé...

Liliana Corales, que viene por un convenio con el BPS,  da clases del Plan Ibirapitá. Trabaja con el grupo de personas mayores con tablets y con los celulares…

_ Antes, el BPS les entregaba tablets a algunos jubilados.

_ Ahora les dan celulares, pero algunas personas aún utilizan tablets.

Florencia Arias es la Profesora que da clases de Informática, a través del Plan DEJA (Dirección de Educación de Jóvenes y Adultos), de  ANEP.

El sueño de un local propio

_¿Qué horarios tiene la Secretaría de UNI 3 UNAMA?

_ Es de lunes a viernes, de 14 a 18 horas.  Algunos de los talleres comienzan a las 9 de la mañana, y otros terminan  a las 20 o a las 21 h.

_ Siguen en el local de 18 de Julio, porque se iban a mudar a la antigua casa en la que estaba el Registro, en Colón 643, que el MEC le cedió  a UNAMA  en Comodato, pero no han podido ocuparla.

_ Sí. Está muy deteriorada, y tenemos muchas dificultades para concretar su restauración. Nos hemos contactado con distintas autoridades, para tratar de  solución a todo.

_ ¿Qué autoridades y/u organismos colaborarían para resolver el problema del local?

_ El local de 18 de Julio es propiedad de ANTEL, y nosotros lo arrendamos, por eso aspiramos a lograr un Comodato. Han venido  un arquitecto y una abogada en representación de  ANTEL y nos manifestaron que estaban muy contentos por la conservación de ese local. Tenemos que solicitar ayuda al Ministerio de Educación y Cultura, para poder ir a un lugar habitable,  y esa casa antigua de Colón no lo es. En 2017 se logró el Comodato de esa casa de Colón, pero tenemos que saber qué hacer con ella.  Todo eso está analizándose, pero creo que vamos a poder resolverlo de la mejor manera…

Exposición de UNAMA -Taller a cargo del artista y docente Gustavo Sosa;cuadro de Victoria Pérez

El atractivo de los cuadros texturados

Mtra. Inés Fernández: _ Soy Maestra jubilada de Educación Primaria, y tengo un gusto especial por el Arte. Estoy dando en UNAMA “Cuadros Texturados”, que se trabajan en tres dimensiones: largo, ancho y profundidad.

_ ¿Primero hacen un dibujo?

_ Se parte de un dibujo, que puede ser creación propia o estar inspirado en algo que vimos. Después trabajamos con una mezcla que denominamos “masa básica” de acrílico, que es blanca. Se prepara con cascola; un barniz poliuretano (que se usa mucho en los autos, para darles brillo), porque su color se mantiene; y polvo de tiza. Vamos trabajando en capas, para darle otras texturas. Según lo que pensemos que necesite el dibujo o lámina del que partimos, podemos ir adicionando arena, avena, harina de maíz, semillas… Si la persona que realiza el cuadro texturado ya domina la técnica, puede prescindir de ese agregado de materiales, y darle el espesor deseado, simplemente colocando en el cuadro varias capas de la masa básica.

_¿Cuántos alumnos tienes?

_ En este año tengo nueve. Los cuadros texturados exigen bastante paciencia. Si la persona que lo está realizando siente mucha ansiedad para ver la culminación de su trabajo, yo le aconsejo que haga dos cuadros a la vez. El motivo es que cada capa que vayamos colocando en el cuadro, se seque bien. No se pueden acelerar los procesos con el secador, como sí se puede hacer en otro tipo de trabajos.

_¿Qué más te gustaría destacar?

_ Sugiero a todos aquellos que puedan o quieran ser mis alumnos y están interesados en realizar cuadros texturados, que no compren nada, que primero asistan a la clase, para ver si realmente puede ser algo que les guste hacer.

(*) UNI 3 es una Universidad Abierta para la Educación No Formal de Adultos. En Montevideo: Sede- Eduardo Acevedo 1229. Tel 24019500. Cel 092 430 970. Sede Alondra Bayley: Arenal Grande 1448. Tel 24000123.  Cel 098 627 647. Alondra Bayley en los ’80 fue la gestora de UNI 3. En 1983 nacía UNI 3 Montevideo. Después, le siguieron varios UNI 3 en el interior de Uruguay, y en otros países latinoamericanos.  El Maestro (Jubilado) Mario Puga González, fue el artífice de la creación de UNI 3 Uruguay en San José,  esta Filial denominada UNI 3 UNAMA (15/08/1988).  Asimismo, Mario tiene vínculos con UNI 3 Uruguay y envía siempre enlaces para participar virtualmente de  ponencias de la Asociación Internacional de Universidades de la Tercera Edad (AIUTA)

(**)Canciones interpretadas: “Bailando con tu sombra”, de Víctor Heredia. “Botellero” y “Nuestro camino”, de Ruben Lena. “Chiquillada” y “A  mi gente”, de José Carbajal. “Cantares : Letra de Antonio Machado y música de Joan Manuel Serrat. ”Entra a mi hogar”, de Los Manseros Santiagueños.

Destacadas / Home / Varios - 12/18/2024
Viernes 8 - 20h, en Puro Cuento-Marcelo Alpuy en original presentación de su cuento Libre Tita- Entrada libre-

Viernes 8, en “Puro Cuento”: presentación de cuento interactivo- “Libre Tita…”de Marcelo Alpuy

El viernes 8 de noviembre de 2024 a las 20h, en “PURO CUENTO-Liber Café” (18 de Julio 570), el artista plástico maragato Marcelo Alpuy, presentó en forma muy singular, la muy esperada 5ª edición de su “Libre Tita-Un cuento interactivo para niños de cero a cien años”. Su cuento ha sido disfrutado por lectores de todas las edades y elogiado entre otros,  por Abel Soria,  Ziraldo,  Jorge Soria…  Se presentó  en el marco de “La Noche de las Librerías.” La entrada fue libre y gratuita.  

            Marcelo expresa aquí cómo creó a esta maravillosa Tita, que transforma al lector/a en personaje  que la acompaña moviendo sus páginas y participando en sus desafíos. Contó también que quiere editar otro libro…

_ Hablemos de la reedición de “Libre Tita”… Conocemos y valoramos mucho tu trayectoria como artista plástico. Actualmente sigues dando clases en la Biblioteca Departamental…

Marcelo Alpuy: _ Comencé a dar clases de “Biblio-cómics” en la Biblioteca, pero ahora se amplió la propuesta y damos Educación y Expresión Visual, además de cómics. Hay gente interesada en pintura de caballete, en la caricatura, en el cómic…

Antes que nada, quiero agradecerte el permanente apoyo y dedicación para difundir estas actividades. Agradezco también a “Puro Cuento- Liber Café”, por el espacio que nos brinda para presentar a “Libre Tita”, y al público en general que pidió que volviera, y me incentivó a reeditarla.

Marcelo Alpuy con alumnos de Expresión Plástica y Visual, en la Biblioteca Departamental 

Un dedo manchado, un sueño y otros encantamientos

 _  ¿Cómo surgió “Libre Tita”? Tengo la reedición de 2015…

_ Este viernes 8, voy a contar cómo surge: por una mancha en mi dedo. Voy a hacerlo a nivel gráfico, dibujando en una pizarrra, volviendo a las dos dimensiones.

Cuando creé a Tita, varios artistas plásticos estábamos muy influenciados por el artista plástico maragato Nelson Romero y dibujábamos con plumines, tinta china… Eran dibujos muy complejos. Al principio, cuando la dibujé, me chocó un poco, porque es “muy simple”.

_ Logras una gran síntesis en el dibujo de Tita.

_ Tita aparece en una mancha en mi dedo “tal como es” en la Plaza Zorrilla de San José de Mayo. En seguida la dibujé en la arena “y me la llevé en la cabeza” a mi casa. En la noche soñé que ese personaje hablaba conmigo. Me pareció que era una tremenda idea que el personaje hablase con el lector. Estuve un año gastando pinceles, hasta que se terminaron las 120 páginas de Tita.

_¿Cuándo fue la primera edición?

_ Terminé de dibujarla y escribirla en 1999. Se editó y lanzó en el año 2001. Se reeditó varias veces. Después dejó de editarse durante cuatro o cinco años, hasta la reedición actual de 200 ejemplares. Está mejorada: la tapa es más gruesa y tiene mejores tintas.

Personas- luminarias: Mary Minetti, Finzi Pasca, Tito Saavedra…

 _ Has comentado que hubo apersonas que te inspiraron y/o colaboraron para que crearas a Tita.

Sí. Pudo arrancar gracias a  la alineación de varios astros o luminarias, que para mí, en este caso, son personas. Primero que nada, la señora Mary Minetti [bailarina y docente uruguaya], que daba hace años Expresión Corporal en el Teatro Macció. Mary me presentó a Daniele Finzi Pasca(*), clown suizo, que creó “El Teatro de la Caricia” y luego el “Teatro Sunil” y  presentó la obra “Ícaro” acá, y varias obras más. Fue director del “Cirque du Soleil” en la obra “Corteo” (“Cortejo”, en español). La primera edición de “Libre Tita”, estaba dedicada a Mary Minetti, porque me inició en el lenguaje del clown, y me contactó con Finzi Pasca y su equipo.

_ ¡Sí! Finzi Pasca es un excelente artista. Me conmovió mucho con “Ícaro”, obra unipersonal que escribió, dirigió e interpretó, que vi en Montevideo (**)

_ Hice unos talleres de clown con Finzi Pasca.  El clown es la persona en sí misma, enfrentada a un propósito que supera al personaje. Magnifica los pocos recursos que tiene para desafiar a su destino, lograr un  propósito. Tita "es" una clown.

Agradezco también a otra luminaria: Roberto (Tito) Saavedra y  su imprenta, que fue donde nació Tita. Las páginas blancas fueron sus pañales, y su peluquería, porque fue también “enrulada” en esa imprenta Nace en formato de libretita, para redondear la idea de que Tita quiere ser libre…

 Creadores que se asombraron con este provocativo personaje

Antes de “sacarla a la luz” por primera vez, se la mostré a Abel Soria payador, poeta, escritor y dibujante]. Su comentario fue: “No le sobra, ni le falta nada, dejala así”.

Después se la presenté a Ziraldo [escritor y dibujante brasileño], en el marco de  una “Feria Internacional de Promoción de la Lectura y el Libro de San José” (no recuerdo en qué año), y se llevó unas cuantas para Brasil. Me dijo: “Tita es una muy feliz idea, ojalá que se me hubiera ocurrido a mí”.

También el poeta y músico maragato Jorge Soria me expresó: “Tita es lo mejor que has hecho en la vida y no creo que hagas algo mejor”. Quizá es así. No puede haber un “Tita 2” o  “Tita 3”, porque sería redundar en la idea. Es un cuento interactivo para niños de cero a cien años. Es un personaje de dos dimensiones, porque vive en el mundo del papel, que enfrenta su destino de pertenecer solo a un libro,  y su particularidad es la ruptura de la cuarta pared…

Tita rompe “la cuarta pared” y desafía su destino bidimensional

_ Es lo que ocurre en el teatro…

_ Sí, pero Tita trasciende el formato físico del libro en el que se presenta, y el lector, en algún momento, llevado por ella, se da cuenta de que está siendo parte de una gran (o pequeñita) aventura de Tita, en la que él está vinculado como personaje. Tiene un libro entre sus manos y “debe” hacer cosas, de acuerdo a lo que Tita le plantea. Se vuelve una relación íntima entre Tita y su lector o lectora.  A veces es complaciente, y otras, desafiante con el lector.

_ ¡Hay tramos en los que se enoja mucho! En otros, nos enternece o nos hace reír…

_ En Tita hay todo un abanico de emociones, que no solo son placenteras. Tita fue muy aceptada por niños de distintos lugares y contextos, porque no solo da, sino también pide,  y siempre alguien tiene un poquito de cariño para dar. Hasta la persona más desvalida percibió que podía dar algo. Me di cuenta de eso, después del largo camino que ha recorrido Tita.

“Me sorprendieron y emocionaron muchas cosas que Tita despertó”

 Fue presentada en varios lugares. Años después de haberla editado, Tita llegó al Museo Gurvich de Montevideo, no sé cómo, a través de la revista virtual de Joaquín Ragni.

También apareció en el IDEJO (Instituto de los Jóvenes) de Montevideo, donde me la mostraron hecha pedazos, porque desde los más chicos hasta los más grandes, todos la querían leer. Tuve que ir a presentarla ahí. A partir de lo que dijo un niño, surgió que Tita es real porque lo que mueve es cierto. Eso lo dijo un niño de 3er. año de escuela primaria. Una idea mueve, y por lo tanto, es más real que la materia...

Me sorprendieron y emocionaron muchas cosas que Tita despertó.

_ Tal vez  gracias a esta presentación de Tita, puedas concretar tu nuevo libro…

_ Sí. Pretendo editar otro libro con la venta de la reedición de “Libre Tita”. Es una historia entre viejos, niños y calesitas. Es sobre una calesita que nació en la Plaza Arriaga de San José de Mayo, donde había un hogar de ancianos, en el que me crié  hablando con los viejos.

_ ¿Esa historia es verídica?

_ Es inventada, pero basada en sensaciones verídicas. La calesita existió y el Hogar de Ancianos estaba frente a la Escuela Nº52. El resto es ficción… Es tragicómica, como la vida. En mis historias entrelazo alegrías y tristezas, como ocurre con Tita.

……………………………………………………………………………………….

(*)Daniele Finzi Pasca es dramaturgo, director de escena, clown, coreógrafo y empresario cultural suizo.​ Es cofundador del Teatro Sunil en Suiza, del Teatro Blu en Italia y desde 2011 de la Compagnia Finzi Pasca, ​​ además de cocreador de la técnica «Teatro della carezza».​​(Teatro de la caricia). [Datos tomados de Internet].//(**) Finzi Pasca presentó su Teatro Íntimo Sunil e Ícaro, en la “VI Muestra Internacional de Teatro de Montevideo”, organizada por la Asociación de Críticos Teatrales del Uruguay (Filial Unesco), realizada en marzo de 1994.

Esta entrevista fue publicada el martes 5 de noviembre de 2024, en la pág. 7 del periódico "Visión Ciudadana" de San José de Mayo, Uruguay.

 

 

Destacadas / Home / Literatura - 12/11/2024
Afiche de la presentación del libro La Historia Central de San José, de Jorge Gutiérrez Pérez

17ª Feria del Libro- Miércoles 11, 19h en el Macció - “LA HISTORIA CENTRAL de San José”, de Jorge Gutiérrez Pérez

El miércoles 11 de setiembre de 2024 a las 19h, en la “Sala Filomena Servetto “del Teatro Macció, el periodista maragato Jorge Gutiérrez Pérez, presentó su libro     “La Historia Central de San José-En homenaje a Manuel Rodríguez Diana”, en el marco de la  “17ª Feria Internacional de Promoción de la Lectura y el  Libro de San José". Entrada libre. 

            Conversamos con Jorge, quien ha estado ligado desde niño al “Club Atlético Central de San José”. Hace  varios años que comenzó a indagar sobre la historia del Club de sus amores, que registra en este libro, que fue declarado de interés Departamental; y de interés ministerial, por el Ministerio de Educación y Cultura.

Periodista Jorge Gutiérrez Pérez (foto: gentileza de nuestro entrevistado)

“Me enamoré de la historia de Central a través de los libros de Manuel Rodríguez Diana”

 Jorge Gutiérrez Pérez: _ Me enamoré de la historia de Central, fundamentalmente a través de los libros y publicaciones de Manuel (Pele) Rodríguez Diana. Se publicó en 1984 su último libro sobre Central: “Una historia de 75 años”. El 11 de octubre de 1984,  él fue a  ver la evolución de la  impresión de su libro en los talleres del periódico “Los Principios”. Cuando regresaba a su casa, tuvo un infarto y falleció. No pudo ver su libro impreso…

Yo era chico, y trabajaba en la radio CW41. Jorge Perroni, cuando supo  que yo era hincha de Central, fue a la radio y me regaló ese libro del “Pele”.  Lo leí tres veces… Con el correr de los años,  quise saber más sobre el origen de Central, y empecé a indagar. En 2007, ya  escribí el prólogo de este libro, y conté cómo había sido mi vínculo con Central. Me considero un investigador aficionado…

Mi idea primaria era transcribir el libro del “Pele” de 1984, y a partir de ahí,  completar la historia. Lo  fui postergando porque cada vez había  más  para contar. El “Pele” escribió dos libros, un librillo y  dos publicaciones breves. Tengo las cinco y las devoré…

 Búsqueda de información en la prensa de San José de ayer y de hoy

 _¿Cuáles fueron tus  fuentes de información, además de lo escrito por el “Pele”?

Después opté por buscar prensa de la época, para conocer más datos… En el Museo de San José vi notas en “El Pueblo” y en la Biblioteca Departamental, en el periódico “Los Principios”. Tuve además, “muchas horas de vuelo” en la Biblioteca Nacional, porque en San José no están toda la prensa que se publicó acá.  En la Biblioteca Nacional pude comparar datos. Cada diario tenía su perfil, su  línea editorial y aun su afinidad por distintas instituciones. Recorrí todo  el pasado de la prensa de San José, y ni que hablar “Aquí está”, “Hechos de San José”, y la prensa actual como “San José Hoy”,  “Primera Hora”, “Visión Ciudadana”…

La revista “Mundo Uruguayo” de Montevideo, tenía mucha información sobre Central, porque en las décadas del ’20, ’30 y ’40, tuvo mucha jerarquía a nivel nacional.  Era invitado a jugar todos los años  por Nacional, Peñarol, River, Wanderers, Defensor, Liverpool… Inclusive fue invitado en seis oportunidades para jugar de Preliminar, entre Uruguay y Argentina. Jugaba en el Parque Central en la década del ‘20, cuando aún no existía el Estadio Centenario, y  después de que se fundó en 1930, jugó también en el  Centenario

“Hice una investigación bastante rigurosa sobre los fundadores de Central”

Hice una investigación bastante rigurosa sobre los fundadores de Central. Hay datos exhaustivos sobre ellos (nacimiento, edad que tenían cuando se fundó, dónde vivían, orígenes y ocupación de sus familias). Eran descendientes de inmigrantes provenientes de España, Francia e Italia. Eran gurises que tenían entre 10 y 16 años, que se juntaban para jugar a la pelota en la esquina de Artigas y Solís (hoy calle Zorrilla de San Martín).

_ ¿Quiénes fueron los  fundadores que se juntaban en esa esquina?

_ Alfredo (Camunda) Gil Salguero, Adrián Gil y Luis (Lucho) Gil Salguero. Lucho fue después un reconocido intelectual. Tenía 10 años: era el menor de “los Gil”. Estaba  “Adelfio Berois”. Indagué y descubrí que su nombre verdadero era Delfino Vicente Pereira, nacido en Rosario, hijo de Romualda Pereira. Fue el padre de Wilman Berois (en realidad, Wilman Pereira).

También estaban Santiago Bogliolo," los Cantú", Fernando Díaz, Rómulo Arias Mallada (vivía donde ahora está la “Mueblería Antognazza”)… Se juntaban todos en el escalón del comercio  del barrio que tenía Artidoro González: una Casa de Remates. Artidoro era comisionista. Un día dijeron: “Vamos a armar un cuadro de fútbol”. En 1909, el fútbol recién estaba surgiendo…En Artigas y Zorrilla está hoy la agencia “C y C Viajes”. Hay una placa  por Zorrilla que dice: “El Gobierno Departamental de SAN JOSÉ  Al Club A. Central Que fue fundado en esta casa hace 90 años 1909- 19 de ABRIL- 1999”. Se estableció como fecha de fundación el 19 de Abril de 1909, y  no la vamos a discutir, pero en algunos diarios, ya en marzo de 1909, se nombraba a Central.  Existía antes de que se formara la Liga de Fútbol.

115 años- “Destacamos la labor de quienes han mantenido viva la institución”

_ Nombran a Central como el “Decano del fútbol maragato”…

_ No fue el primer cuadro de fútbol de San José. Se le llama Decano, porque es el más longevo… Son 115 años de vida sin interrupciones. Nombramos en el libro algunos clubes de fútbol que se creaban, desaparecían y volvían con otro nombre o le ponían el mismo nombre pero no tenía nada que ver con el anterior.

Resaltamos la labor de quienes han mantenido viva la institución. El libro es un homenaje a todos ellos. Nombro a Manuel Rodríguez Diana en la tapa, porque este libro pretende ser una continuidad de lo que él hizo.

_ Mencionas a varios directivos de Central…

_ Sí. A" los Cobas", que fueron fundamentales. Don Manuel Cobas y su hermano Pedro, fueron dirigentes fundadores. Don Manuel fue quien estuvo más años en el cargo (15 años), y por eso el gimnasio lleva su nombre.  Fue de las personas más importantes que tuvo Central. También fue Intendente de San José [en1954].

_ La sala de actos del Museo de San José, se denomina Manuel Cobas, porque él fue también cardinal para esa institución: integrante de la Comisión Directiva (ya desde 1948) y Presidente de esa Comisión, durante más de dos décadas.

_ Contamos en el libro que en 1947 empieza a funcionar el Museo, y  que Don Manuel Cobas fue muy relevante para Central y para el Museo. Asimismo, me refiero a cuando Rogelio Camy asume como Jefe de Policía, y el “Pele” Rodríguez como Subjefe. Aporto detalles para ir contextualizando todo.

Es un libro de 502 páginas, pero es muy visual. Tiene 1500 fotos.

_¿Cómo lograste incluir tantas fotos?

_ Juan Carlos Barreto diseñó el libro, y tuvo la ardua tarea de intercalar las fotos ¡Es medio cuadro!

Tuvimos entre otros prestigiosos adeptos a Central, a Don Juan Chabalgoity [gran fotógrafo y pionero del cine maragato]. A él le debemos cientos de registros fotográficos de los inicios de Central. Su hermano Julio Chabalgoity, fue uno de los fundadores que no te nombré. “Rescaté” fotos de la familia Musso, que tenía unas 200 fotos de Chabalgoity, desde los comienzos de Central, hasta la década del ’40.

Tapa de "LA HISTORIA CENTRAL de San José", de Jorge Gutiérrez Pérez

_ La tapa es muy simbólica…

_ Es la foto de una escultura (“Monumento al golero”), que hizo Hugo Nantes. Fue solicitada por la Comisión de  Veteranos de Central: Rosario (Saro) Cardona, Saúl Bonifacini y Angelito Hornes. Era para homenajear a jugadores, dirigentes y adictos de Central, ya fallecidos. Nantes me dijo en una entrevista que le hice en Canal 9, que la figura del golero, estaba inspirada en Roberto Soria Sosa, y los brazos  al cielo simbolizaban un abrazo eterno con los que ya no están. Se inauguró el 1º de mayo de 1971 y está en el acceso principal a la cancha del “Parque Camunda Gil” [Instrucciones, esq. Leandro Gómez].

Me pareció que representa a todos los de Central, y a los que hicieron tan grande la institución.

 “Escribí este libro por pasión…”

_ Abordas gran parte de la historia de Central…

_ Se narra desde 1898, cuando se introduce el fútbol en San José y venían los ingleses del  C.U.R.C. (Central Uruguay Railway Cricket), a darles clases de cómo jugar al fútbol a los maragatos. Subtitulé “Una simple coincidencia”, donde cuento que los campos de Varela y Larriera en los que se daban  esas clases, fueron cambiando sucesivamente de propietarios. Ahora en esos campos, está la cancha de Central, que  no existía como Club en 1898. En el mismo lugar en que nació el fútbol en San José, hoy está la cancha de Central.

Se nombran “San José Fútbol Club” (1900), “Uruguay Fúbol Club” (1902), y los surgimientos de Nacional, Peñarol y otros cuadros, hasta 1909, en que empieza a organizarse el fútbol, a impulso de Casto Martínez Laguarda, a través de su diario “La Paz” (era su director).Insiste en eso y así se forma la primera Liga de Fútbol de nuestro país.

He tenido la suerte y el honor, de recibir aportes de  álbumes de fotos, objetos, y otros,  que enriquecieron este libro…

Escribí este libro por pasión. Cuando tenga los ejemplares, los voy a entregar al Club Atlético Central, para que se vendan a beneficio del Club. Quiero retribuir algo de tanto que me dio y me da Central…

Esta entrevista fue realizada el pasado 3 de setiembre, y se publicó el martes 10 de setiembre de 2024, en la pág. 7 del periódico "Visión Ciudadana", de San José de Mayo, Uruguay. En esta edición digital se hicieron correcciones de la edición en papel.

Historia / Home / Varios - 10/02/2024
Lunes 15, a las 18.30h en el Museo, charla a cargo de la Magíster Carolina Porley

15 de julio: Charla en el Museo de San José -“Del Museo del Prado a los Museos de Uruguay…”

El pasado 15 de julio de 2024, en el Museo de San José, la Magíster en Historia del Arte y Patrimonio y Profesora de Historia Carolina Porley(*), realizó la charla “Del Museo del Prado a los Museos de Uruguay- Diálogos entre acervos”. Conversamos con ella días atrás, sobre esa actividad. Destacó que  abordaría los vínculos entre las obras que llegaron del Museo del Prado de Madrid y están expuestas en la Plaza Independencia de San José, con las que hay en el acervo de museos del Uruguay como el Museo de Artes Decorativas Palacio Taranco, el Museo Nacional de Artes Visuales del Parque Rodó de Montevideo,  el Museo de San José…

            Asimismo, para ella es cardinal la circulación de las obras de arte: cómo y por qué llegaron a los museos, y cuánto tuvo que ver España y su Historia con todo ello.

                       Magíster Carolina Porley

 Mag. Carolina Porley: _  La muestra del Museo del  Prado llegó a las calles de Uruguay, y ahora está en San José, pero hace años que ese Museo hace esta muestra. Son 50 piezas. Surgió esa idea en 2012, pero  fue a partir de 2015 que empezó a circular por América Latina y por España. Se imprimen en cada lugar las reproducciones de las fotografías de esas obras que tienen alta definición. En cada lugar en que “aterriza” la muestra, resuelven lo relacionado con el soporte.

_ A veces es un detalle de la obra original, lo que vemos en las reproducciones de la Plaza Independencia de San José.

_ Eso ocurre porque se quiso respetar la escala de cada obra. Las láminas son todas del mismo tamaño. Si la obra es mucho más grande, como “Las meninas”, de Velázquez, se ve solo un fragmento.  Si la obra es más pequeña  que cada lámina, se reproduce toda la obra, y en algunos casos, con marco, lo que agrega una información relevante.

Influencia de España  en los artistas y en la formación de los acervos de los museos 

La muestra estuvo en diciembre en  Montevideo, en Colonia, y llegó a  San José.  A mí se me ocurrió como Historiadora dar esta charla,  y destacar el fuerte vínculo en varios aspectos   que tiene y ha tenido nuestro país, con la historia, la cultura y el arte de España. Muchos de nuestros artistas se formaron en España y aun vivieron parte de su vida y trayectoria allá.

_Entre otros, Rafael Barradas, Joaquín Torres García…

_ Antes de ellos, también Pedro Blanes Viale, artista muy importante, que tuvo una formación con el “luminismo español”, corriente de la pintura española de fines del siglo XIX y principios del siglo XX. Pintaban paisajes y trataban de respetar mucho el cromatismo de lo que veían. Por eso pintaban sombras violetas, cielos verdes, ya que dependía de  la ecuación que había entre la luz y la  atmósfera que sus ojos percibían.

Podemos analizar la influencia de España en la formación de los acervos de los museos. En el Museo Nacional de Artes Visuales (MNAV) de Montevideo, la segunda  nacionalidad más presente en el acervo después de la uruguaya, es la española. Tenemos muchas obras de pintores españoles, que entraron al MNAV a través de donaciones y legados de coleccionistas. Tuvimos una inmigración muy  fuerte de españoles a fines del siglo XIX y principios del siglo XX. Muchos de esos españoles y/o sus hijos, llegaron a tener posiciones económicas muy sólidas, y entre otras actividades, varios se dedicaron al coleccionismo. Tenemos por ejemplo, la colección de Félix Ortiz de Taranco, comerciante de origen español. Cuando él fallece,  su familia le vende al Estado uruguayo el Palacio Taranco que está en la Ciudad Vieja de Montevideo, y le dona su colección de arte.  En el Taranco hay una obra de Sorolla. Una de las obras que vemos en la selección del Museo del Prado es “Chicos en la playa”, de Sorolla.

Si vamos a ver la Muestra del Prado en la Plaza Independencia, es una selección de grandes maestros de la pintura, pero  tenemos obras de algunos de esos artistas en Uruguay.  A veces no son obras originales, sino atribuciones, debido a que carecemos de  la documentación que las certifique como originales.

Chicos en la playa, de Joaquín Sorolla (1909), en Plaza Independencia de San José

Goya es el artista más representado en esta muestra del Museo del Prado

 _ ¿Qué obra hay en Uruguay atribuida a un artista que no puede corroborarse que es su creador?

_ Hay un pequeño boceto al óleo atribuido a Goya en el Palacio Taranco, pero que pertenece al Museo Nacional de Artes Visuales (MNAV), que fue donado por Fernando García, coleccionista que más obras legó al Estado uruguayo después de su fallecimiento. Él decía: “Voy a donar un Goya al Estado uruguayo y se van a acordar de mí”. Estaba orgulloso de esa obra. Ese boceto al óleo se llama “Episodio de la invasión francesa” y representa a mujeres del pueblo español (una de ella lleva a un bebé entre sus brazos), que están apaleando a unos soldados franceses. Es muy parecido al grabado “Y son fieras”, de  la serie de grabados de Goya “Los desastres de la guerra”, sobre los enfrentamientos del pueblo español con las tropas francesas. En esta muestra del Museo del Prado, Goya es el artista más representado. Hay cinco de sus obras. Una de ellas es la de los fusilamientos…

_ Sí: “El 3 de mayo de 1808 en Madrid”…

_ Pertenece a una serie de obras  que hizo Goya en 1814,  dedicadas a la resistencia del pueblo español frente a  la invasión napoleónica, cuando las tropas francesas invaden España en 1808. En esas obras,  el protagonista es el pueblo español como héroe ante esa invasión.

Las otras reproducciones de obras de Goya de esta muestra son: “El quitasol”, “La maja desnuda”, “Saturno devorando a un hijo” y “La familia de Carlos IV”. En esta apreciamos detalles de los bordados de las telas, y  las pinceladas de Goya.

La familia de Carlos IV-1800- (detalle de la obra de Francisco de Goya), en la Plaza Independencia de San José

 Obras de Diego Velázquez y de cuatro mujeres artistas

“Las meninas” de Diego Velázquez, que originariamente se llamaba “La familia de Felipe IV” es también un tipo de obra cortesana, que representaba a la Familia Real, pero al mismo tiempo. es una pintura bastante moderna, porque uno nota la pincelada del artista.  Velázquez después la denominó “Las meninas”…

_ Varios estudiosos señalan que tanto Goya como Velázquez, demostraban una mirada socarrona hacia los personajes retratados en esas obras…

_ Es así en cualquiera de esas dos obras. Goya fue un artista que causó mucho revuelo. Fue perseguido por la Iglesia (la Inquisición), pero el Rey siempre lo protegió. Goya era un liberal y cuando se produjo la invasión napoleónica, si bien él compartía las ideas francesas, no estuvo de acuerdo con lo que hicieron las tropas francesas en España.

El objetivo de la charla es poner en valor no solo lo que llega desde el Museo del Prado, sino también lo que tenemos nosotros en nuestros museos uruguayos. No destaco tanto a las obras en sí,  desde el punto de vista de la temática, la técnica o del artista que las creó, sino desde la circulación del Arte: cómo llegaron esas obras a los museos.

Hay cuatro artistas mujeres representadas en esta selección: Sofonisba Anguissola, Clara Peeters, Rosa Bonheur, y Artemisa Gentileschi (ésta muy famosa).

Las Escuelas pictóricas seleccionadas y la Historia del Imperio Español

El Museo del Prado tiene más de 12.000 obras y más de 8.500 pinturas. En esas 50, seleccionaron Escuelas: la Flamenca, la Española, la Italiana. La presencia de esas Escuelas “hablan” de la Historia del imperio español. Los reyes españoles fueron coleccionistas de artistas italianos porque los contrataban (mecenazgo), y el Imperio Español tuvo vínculos con ciudades italianas, porque fueron parte del reino de España.

Asimismo, se incluyeron dos obras de pintores que vivieron en los dominios españoles: la obra barroca “Los tres mulatos de Esmeraldas”, de Andrés Sánchez Galqu,e pintor     quiteño (no existía Ecuador en el siglo XVI), de origen indígena. El otro es Juan Luna y Novicio, de Filipinas, que fue también colonia de España.

Cleopatra, de Juan Luna y Novicio-1881-, en la Plaza Independencia de San José

Obras del acervo del Museo de San José de artistas españoles, y de uruguayos que residieron en España

 En el caso del Museo de San José, hay  uruguayos que se formaron en España o que vivieron en España, y artistas españoles que se radicaron acá.

_ ¿Qué artistas españoles vas a nombrar que tienen obras en el Museo de San José?

_ Ustedes tienen dos escultores importantísimos: Pablo Serrano y Eduardo Yepes. Hay un busto de Yepes que representa a José Batlle y Ordóñez. Tienen dos esculturas de Pablo Serrano: “El Baruch” y “Salto alto”. Serrano vivió las primeras décadas de su trayectoria en el Río de la Plata, porque estuvo en Montevideo y en Buenos Aires. Pertenecen al MNAV.

_ Sí. Están en custodia del Museo de San José.

_ Cuando se hacían los Salones Nacionales y los artistas obtenían premios en esos Salones, el MNAV prestaba las obras premiadas a los museos que estaban “naciendo” en la década del ’40, del ’50…

Yepes, tuvo una obra muy importante: el Cristo en la cruz  que está en la "Iglesia de Cristo Obrero y Nuestra Señora de Lourdes" construida por  el Ingeniero Eladio Dieste, iglesia declarada Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. Ese Cristo de Yepes, es el único elemento iconográfico que hay allí.

Me referiré a artistas que estuvieron viviendo en España: Rafael Barradas; y Augusto Torres, uno de los hijos de Torres García que nació en España y luego se vino para acá. El Museo de San José compró a la familia de Barradas el retrato de la esposa de Barradas [Simona Láinez y Saz, conocida como “Pilar”]. Barradas es el segundo artista con mayor presencia en el MNAV...

Esta entrevista fue publicada el martes 16 de julio de 2024, en la pág. 7 del periódico "Visión Ciudadana" de San José de Mayo, Uruguay.

ADDENDA: (*) Carolina Porley es Magíster en Historia del Arte y Patrimonio (Universidad de Montevideo). Es investigadora.Es Profesora de Historia egresada del IPA.  Es Profesora en la Universidad CLAEH, en la Universidad Católica y en la Facultad de Información y Comunicación de la UdelaR (Universidad de la República).

Artes Visuales / Historia - 07/21/2024
Polly Ferman junto a un cuadro de Hugo Nantes, en el Museo -

28 de junio: Master Class con Polly Ferman en el Museo - “El piano y las emociones”

 

                        El pasado viernes 28 de junio de 2024, se realizó en el Museo de San José, una Master Class, para alumnos del Conservatorio Departamental de Música de San José, con la concertista  de piano, directora musical,  y educadora uruguaya Polly Ferman(*), en el marco del Programa de extensión del mencionado Conservatorio. La entrada era libre para todo público.

Antes de que iniciara esa actividad en el Museo, conversamos con el Director del Conservatorio Departamental de Música, Postmáster Matías Ferreyra; y con Polly Ferman, artista y docente de gran prestigio  nacional e internacional.

 

Matías Ferreyra Machín: _ Estamos hoy también con Juan José Zeballos, Presidente del FONAM, quien también trabaja en el Instituto Nacional de Música (INMUS). Esta Master Class fue coordinada por el INMUS y el Conservatorio Departamental de Música. El INMUS, a través de Juan José, siempre que tienen actividades de formación descentralizadas, nos las ofrecen para el Conservatorio, porque saben el interés que tenemos en recibir docentes, músicos nacionales e internacionales, que aporten a la formación, por lo que las coordinamos con enorme placer.

 “Es maravilloso identificar qué nos mueve  en la vida cuando tocamos el piano”

_ Es un honor conversar con usted, artista reconocida en todo el mundo por tantas décadas dedicada a la Música, y una carrera brillante…

¿Podría anticiparnos algo de esta Master Class sobre el piano y las emociones?

Polly Ferman: _ ¡Muchas gracias! Sí…Es maravilloso identificar qué es lo que nos mueve en la vida cuando tocamos el piano,  y nos identificamos con  lo que  realizamos.  Muchas veces, cuando nos enseñan las notas musicales,  nos dicen que debemos tocar “rápido”, y de ese modo, casi todo el mundo toca de la misma manera.  No debe ser así,  porque cada uno de nosotros tiene su singularidad,  su personalidad, sus vivencias…

Les digo a los que asisten a la Master Class que toquen, y les propongo que imaginen que  van a interpretar algo  vinculado a una película: su  música de  fondo, su argumento  o qué harían si tuvieran que pintar un cuadro.  Al principio se desconciertan…

“Propongo que imaginen que van a interpretar algo vinculado a una película, una pintura…”

_ En esta Master Class van a participar principalmente alumnos del Conservatorio Departamental de Música…

_ Sí. El 24 de junio estuve en Durazno,  y  había alumnos del Conservatorio de Música. La mayoría eran niños de 7 y 8 años. Todos quisieron participar, y  cuando les proponía imaginar situaciones, les preguntaba en qué pensaban y me respondían: “En nada, porque no se me ocurre nada.”  En seguida les acotaba: “¿Mirás televisión?  ¿Tenés jueguitos?” Así los ayudaba a empezar con algo personal. Cuando se identificaban con un relato propio, volvían a tocar, y ya tocaban de manera diferente al inicio de la actividad… Yo los hacía tocar, aunque fueran solo cuatro notas: dos con la mano izquierda y dos, con la mano derecha. En esas cuatro notas, yo quería una historia

 “Trato de ayudar a que cada uno se identifique con un relato propio”

 El pasado18 de junio, estuve en Mercedes con estudiantes de jazz. Tengo poca experiencia con el jazz…

_ Pero usted domina la música clásica, la música latinoamericana…

_ … Y también el tango contemporáneo. A cada uno de esos jóvenes les dije: “Inventá, tocá lo que se te dé la gana. ¿Quién te está controlando? Toca una música que estudiaste, pero  que tú estás recreando.”

_ El jazz se basa en  la improvisación… ¿Y qué ocurrió con esos jóvenes?

_ Ahí traté, una vez más, de combatir el miedo. Los artistas tenemos muchos miedos: a ser juzgados, a tocar mal… Cuando estás tocando alguna obra y pensás que te vas a olvidar de algún fragmento, te olvidás… Es preciso revertir eso.

Yo les muestro qué hago antes de subir al escenario: me  visualizo como si ya hubiese terminado el concierto y que me fue bárbaro. ¡Eso me da tranquilidad!

Apenas comenzamos con los chiquitos de Durazno, los hice meditar, cerrar los ojos, respirar y visualizar una luz que recorría su cuerpo.  Después les pedí que visualizaran algo  que también es bueno para la vida, cada vez que uno está problematizado. Se puede  tener un espacio personal, que uno mismo va creando…

 Imaginar un paraíso personal para combatir los  miedos

_ Qué les hace visualizar, para crear ese espacio personal?

_ Les pedí que luego de la luz, imaginasen un perchero con  la vestimenta blanca que se pone un médico, y  una puerta con un pestillo dorado que cuando se abre,  se entra a un espacio, que cada uno recrea como quiere. Puede ser cerca del mar, de una montaña… Cada uno arma su propio paraíso. Imagina una música, un sillón cómodo, y se queda hasta que se siente totalmente tranquilo.  Cuando se siente así, puede “volver”: abrir el pestillo, colgar la ropa en el perchero, y sabe que ese lugar  va a estar siempre. Después que hicieron eso, les dije que íbamos a hacer tres respiraciones, antes de abrir los ojos.  Yo los abrí antes que ellos: estaban con los ojos cerrados.  ¡Todos hicieron la visualización!

Los niños más pequeños (los de Durazno), fueron los que más tocaron. ¡No tenían miedo!

_ No tienen las mismas presiones y prejuicios que nos acucian a los adultos. ¿Va a dar esta Master Class en algún otro lugar además de Mercedes, Durazno y San José?

_ No. En San José, por el momento,  termino con las Master Classes.

Polly Ferman con asistentes a la Master Class (detalle de foto de Matías Ferreyra)

Constantes giras con conciertos en varios países

Ahora di  cuatro conciertos en Buenos Aires  y uno en San Pablo, interpretando tangos de Horacio Salgán a cuatro manos, junto con el pianista argentino Claudio Méndez. Estrenamos en marzo con él, este proyecto en el Festival de Tango de Granada.

Di conciertos de música clásica  y moderna  con los músicos argentinos Daniel Binelli y su Quinteto, y   César Angeleri en el Bargoglio [Piano- Bar, en Buenos Aires].

Después fuimos a la “Sala São Paulo” [que fuera construida en la Estación Julio Prestes, antigua estación de trenes de San Pablo, Brasil], en la que dimos un concierto a beneficio de TUCCA, asociación que ayuda a niños con cáncer en Brasil. Este  domingo 30 me voy  a Buenos Aires y de ahí a Valencia. Tengo actuaciones en Valencia y  en Hong Kong, para actuar con orquesta. Si toco sola, apelo a mi repertorio de música latinoamericana. Si toco con Daniel Binelli, interpretamos composiciones de Binelli, Piazzolla y otros.

Pamar.org y Semana de la Cultura Latinoamericana en Nueva York

A esta altura de mi vida (el 21 de octubre cumplo 80 años),  y hace ya algunos años, creo que cuando uno es músico, debe ser generoso. Tengo una ONG (Organización No Gubernamental),   denominada  Pamar.org (**) que creé en Nueva York, para ayudar a que se conocieran los músicos, los pianistas, la cultura latinoamericana…

_¿Cómo trabaja con esa ONG?

_ Al principio, yo daba conciertos, y con parte de lo que me pagaban, ayudaba a que se presentaran otros artistas. Ahora además de esa ONG, hago un Festival, que en noviembre cumple 19 años: la “Semana de la Cultura Latinoamericana”. La primera vez quise incorporar Artes Visuales. Me enteré de que Christie´s y Sotheby´s( que realizan importantes remates en Nueva York), rematarían obras latinoamericanas en noviembre. Los invité a participar y aceptaron, por lo que los incluí en el programa de la Semana de la Cultura.  Eso me ayudó a tener un nombre. Durante la pandemia organicé 47 espectáculos virtuales. No cobro nada por todo eso, pero me encanta hacerlo.

La Semana de la Cultura Latinoamericana, será del 16 al 23 de noviembre de 2024 en Nueva York. Habrá fundamentalmente música y danza. Estamos viendo qué artistas podrían participar.

_¿Tienen algún local?

_ No. Los artistas van a los teatros a tocar. Lo que puedo mayormente alquilar son iglesias, porque los precios son moderados, y tienen buenos pianos.

Hace años que estoy buscando a quién dejar este legado…No hay gente que se interese en algo así, que no genera ingresos. Los jóvenes que saben cómo hacer para buscar dinero, podrían conseguirlo para pagarse un sueldo, y seguir con la obra de esta ONG…

(*) Pianista, Docente, Directora Musical, Creadora y Directora Musical de @glamourtango, Productora Cultural. Reconocida por The Japan Times como “Embajadora Musical de las Américas”. Reside en Nueva York. Más info: en: pollyferman@pollyferman.net  (**) Pan American Musical Art Research, Inc.

Esta nota se publicó el martes 9 de julio de 2024, en la pág. 7 del periódico "Visión Ciudadana" de San José de Mayo, Uruguay.

   

Música - 07/11/2024

Información de Contacto

San José de Mayo, Uruguay

Rossana San Martín Cruxên

Enviar correo a Rossana San Martín Cruxên

ENTRETELONES

Acerca de Entretelones