Estreno para San José de documental en el ICE -“Ese soplo”, de Valentina Baracco Pena
El viernes 7 de julio de 2023, hubo un estreno para San José en el Instituto Cultural Español de San José (ICE), del documental “Ese soplo”, ópera prima de la joven cineasta uruguaya Valentina Baracco Pena(*), que ha recorrido salas uruguayas y festivales nacionales e internacionales, y continuará su periplo en Uruguay y en el extranjero.
Esta realizadora estuvo presente en el estreno en el ICE. Después de la proyección, conversó con los asistentes, quienes expresaron espontáneamente las emociones y reflexiones que despertó su película. Este documental registra los procesos del entrañable vínculo entre Valentina y su abuelo, los claroscuros de la vida y sus ciclos. Lo hace a través de la cotidianeidad, sin grandilocuencias, con humor, ternura y cercanía.
Entrevistamos a Valentina el jueves 6.
7 de julio: estreno del documental "Ese soplo" en el ICE
“Una trama” para (re)tejer lazos
_ “Ese soplo” es del 2022…
Valentina Baracco Pena: _ Sí. Tuvo un doble preestreno el año pasado en el Festival Doc Montevideo y en el Festival Detour.
_ Has hecho cortometrajes y has producido largometrajes con la productora “Monarca Films”, fundada en 2011.
_ Sí. Produjimos tres largometrajes con Eugenia Olascuaga, que es mi socia en “Monarca Films”.
_ Estrenaste “Ese soplo” el 1 de junio en salas comerciales de Montevideo. ¿Cómo surgió este primer largometraje de tu autoría?
_ Surgió con la propuesta de mi abuelo Fernando [Pena], quien quiso que filmáramos una película juntos.
_ Fue a raíz de que tú ibas a dejar de vivir con él. ¿Desde qué edad viviste con él?
_ Prácticamente desde que nací…Vivíamos con mi mamá Luz Pena y con mi abuela Luz Curbelo. Después mi mamá se mudó, mi abuela falleció... Estuve casi toda mi vida con mi abuelo en su casa en Montevideo. Me costó bastante animarme a decirle que me iba a mudar. Él ya se lo veía venir. Cuando se lo dije, me sorprendió con la propuesta de hacer una película en conjunto. Yo tenía 22 años cuando lo anuncié, pero al final me fui de su casa con 26 años. Ahora tengo 34 …
_¡Qué pícaro tu abuelo! ¡Te retuvo bastante! Lo de la película fue un truco para poder estar más contigo (risas).
_ Yo me fui llevando de a poco mis cosas, y ahí empezamos a filmar…
Fernando Pena, en un fotograma de "Ese soplo" (gentileza de la realizadora)
Filmador neófito con muchas ideas
_¿Él sabía filmar?
_ No. Me dijo que tenía muchas ideas, y que creía que podía hacer un buen personaje, pero que no sabía cómo se hacían las películas y que para eso me necesitaba a mí, porque soy cineasta.
_ Tú ya te habías formado en la Universidad ORT…
_ Sí. Y ya estaba trabajando. Cuando empezamos a filmar, él me propuso qué cosas filmar. Al principio, la cámara siempre la hice yo, hasta que en un momento, me pidió instrucciones para filmar cuando yo no estaba con él. Le dejé un cuaderno con las instrucciones, y aprendió a filmar [todo eso se muestra con mucho humor en la película]. Usó una “Handy”, una cámara chiquita de video de cassettes. Cada vez que iba a su casa, me mostraba lo que iba filmando, y me invitaba a filmar otras cosas.
_¿Es docu-ficción?
_ No. Es un documental. No es una película biográfica, pero sí la historia de nuestro vínculo real y todo lo que pasó desde que me fui de su casa y me propuso hacer la película. Lo que vamos filmando nace naturalmente de la cotidianeidad del hecho de compartir momentos mi abuelo y yo.
Puede hacerte pensar en ficción, porque se evidencia mucho la puesta en escena de que estamos haciendo una película, la meta de terminarla, y está todo asociado a mantener nuestro vínculo.
_ ¿Cuánto tiempo llevó la filmación?
_ Filmamos durante 10 años. Empezamos en el año 2011, y culminamos la filmación a fines de 2021. Paralelamente empecé a trabajar en la edición en 2019, con Magdalena Schinca, quien es la montajista. Terminamos el documental en 2022.
“Esperamos que las cosas sucedieran, y que nuestro vínculo se transformara”
_ Fue un largo proceso y no es sencillo filmar y editar a la vez. Y la financiación es un gran escollo.
_ En general es largo el recorrido de la financiación para poder hacer películas. Por otro lado, en este tipo de películas, hay que esperar que las cosas pasen. Nunca logré que mi abuelo hiciera algo puntual para la película. Todo fue surgiendo en forma espontánea. En algunas oportunidades, le pedí que repitiera alguna palabra, porque había pasado alguna moto y no se escuchó lo que había dicho, y me dijo que no lo iba a hacer. Ocurrió también que cuando yo llegaba a su casa, pasaba algo alucinante y si yo no lo había podido filmar, él me decía: “Si no lo filmaste, mala suerte.” (risas).
_ Algunos cineastas (como el enorme realizador japonés Akira Kurosawa), esperan que llegue una tormenta real para filmar, para lograr la mayor verosimilitud posible…
_ Creo que lo que logramos construir en la película, fue porque mi abuelo y yo compartimos juntos mucho tiempo, esperamos que las cosas sucedieran, y que nuestro vínculo se transformara. Mi abuelo se hizo mayor y yo también: por eso tuvimos que reconocernos en nuestras diferentes edades, y enfrentarnos a nuevos desafíos.
Esperamos muchas horas, por ejemplo, para que las palomas que estaban en el fondo de la casa armaran un nido, y todos los procesos que siguieron. A partir de ahí, hablamos entre otros temas, de “abandonar el nido”, como me pasó a mí…
Los dos perros que aparecen, también son protagonistas de la película, porque siempre están con mi abuelo.
Copia del FOTOGRAMA 3 del documental (gentileza de la realizadora)
“Observamos juntos cómo los árboles pierden las hojas, cómo florecen…”
Mencionaste a Kurosawa y recordé que hay una gran presencia del paso de las estaciones en la película: el verano, el invierno…Yo sentía que para algunas secuencias se necesitaba la presencia de la lluvia o del viento, y esperábamos para que estuvieran “de verdad”. Hacer una película como esta, te permite observar la realidad y la vida desde otro lugar. Observamos juntos cómo los árboles pierden las hojas, cómo después florecen… Me di cuenta de lo hermoso que era todo eso, al finalizar la película. Uno se pasa corriendo y no se detiene a observar…
“Hay muchos soplos en esta película”
_¿Quién sugirió el precioso título “Ese soplo”?
_ Mi abuelo lo sugirió, a partir de la canción de Carlos Gardel “Volver”, que en un pasaje dice “Sentir… que es un soplo la vida…” Fue una de las primeras canciones que aprendí a cantar. Me la enseñó mi abuelo, y la cantábamos cuando nos íbamos a Piriápolis en el auto. Jugábamos a que uno tenía que empezar una canción, y el otro, tenía que seguir cantándola, si no, perdía… Así aprendí a cantar varias canciones de Gardel. Mientras hacía la película, fui sintiendo a qué se refería la letra de esa canción. Hay “muchos soplos” en esta película.
Esta película rescata a una persona que ni fue un político, ni un artista, y que no se define por algo puntual que hizo, sino por su forma de ser y estar en la vida, por los vínculos valiosos, que es lo que termina trascendiendo.
_ ¿Cómo está tu abuelo Fernando?
_ Tiene 93 años y está muy feliz con todo este proceso… ¡Compartimos el estreno en “DocMontevideo” y eso fue hermoso! El 1 de junio que fue el estreno comercial, fue a conocer a alguno de los cines, pero no fue a las funciones. Me dijo que se pone muy nervioso, y que se emociona mucho… Yo le saco fotos de todos los lugares a donde voy con la película, y le hago videollamadas para contarle. Forma parte de lo que intentamos trasmitir en la película, que es el respetar al otro. Mi abuelo decide de qué modo quiere participar e involucrarse…
(*) Productora y directora en cine y televisión. Egresada de la Licenciatura en Comunicación Audiovisual de la Universidad ORT, donde también es docente. Estudió en la EICTV de San Antonio de los Baños (Cuba), donde realizó el taller de documental y cine ensayo con la directora japonesa Naomi Kawase.(Currículo abreviado)
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“Ese soplo”, de Valentina Baracco Pena. (Uruguay, 2022). Ficha técnico- artística (parcial). Dirección; dirección de fotografía y cámara: Valentina Baracco Pena. Producción: Andrés D’Avenia Frávega, Valentina Baracco Pena y Eugenia Olascuaga Fierro. Producción asociada: Ilaria Gambarelli (Aretusa Films).Montaje: Magdalena Schinca Damián. Correción de color: Elisa Barbosa Riva.
Esta entrevista se publicó el martes 11 de julio de 2023, en la pág. 7 del periódico "Visión Ciudadana" de San José de Mayo, Uruguay.
Exposición en el Espacio Cultural San José - “El Eterno Retorno”: Rodrigo Castrillo y Marcelo Alpuy
El 6 de mayo de 2023, se inauguró la muestra “El Eterno Retorno”, de los destacados artistas plásticos maragatos Rodrigo Castrillo y Marcelo Alpuy, en el Subsuelo y Bóveda Chica del Espacio Cultural San José. Participó en la inauguración, el Director General de Cultura de la Intendencia de San José, el Dr. Pablo Pucheu. Mucha gente acompañó durante largo rato a los expositores, entre quienes estaban varios artistas plásticos (*).
Las obras están organizadas en series de pinturas, dibujos, xilografías, monocopias… Hay figuración, abstracción, y búsquedas expresivas personales de estos dos artistas. Conversamos con Marcelo y Rodrigo el 3 de mayo.
La muestra pudo visitarse de lunes a jueves en los meses de mayo y junio, de 9 a 15 h; viernes, de 9 a 15h y de 17 a 20h; sábados, de 17 a 20h.
Rodrigo Castrillo, Pablo Pucheu y Marcelo Alpuy en la apertura de la muestra en el Espacio Cultural San José
El Eterno Retorno al “A B C” de la Pintura
_Eligieron un título original para esta exposición...
Rodrigo Castrillo: _ Surgió en las charlas que teníamos en el taller que tiene Marcelo en Puntas de Valdez. Hablábamos “de los dos árboles” que pueden simbolizar al arte contemporáneo. Uno va al “A B C” de la Pintura: el ritmo, la armonía y la estructura. El otro árbol “se viste” de arte contemporáneo, pero puede no tener sustancia, y niega lo tradicional.
Nosotros tratamos de retornar a ese “viejo árbol”, pero respondiendo a este tiempo en el que vivimos.
Marcelo Alpuy: _ Procuramos mantener el vínculo con la Historia del Arte.
Rodrigo: _ Marcelo dijo que es como “El Eterno Retorno”… De ahí salió el título de esta muestra. Consiste en series de diferentes ejecuciones, pero están presentes el ritmo, la armonía, la estructura. El eterno retorno surge de las ideas de Friedrich Nietzsche [célebre filósofo alemán]…
Marcelo: _ “Así habló Zaratustra” [quizá su obra más famosa]. Rodrigo y yo discrepamos con Nietzsche, porque pensamos que no se trata de que las cosas se repitan eternamente. Nos referimos al eterno retorno a la base.
“Tenemos claro además, que no queremos ser repetidores de fórmulas”
Rodrigo: _ Tenemos claro además, que no queremos ser repetidores de fórmulas.
_ El afiche de la muestra une dos mitades de autorretratos: uno de Marcelo, y otro tuyo.
Rodrigo Castrillo: _ Yo tenía un dibujo con un autorretrato mío, que iba a ser expuesto en la muestra, y Marcelo tenía un autorretrato suyo y lo cortó a la mitad, porque no le gustaba. Él hizo ese montaje que parece un solo rostro…
Óleo "Gimena", de Marcelo Alpuy
Homenajes
_ ¿Qué características tiene esta exposición?
_ Está organizada en series de xilografías, de naturalezas muertas, de retratos…
Marcelo Alpuy: _ En mis cuadros hay retratos en los que alguien posó como modelo. Otros retratos son mentales, porque se hacen recordando a la persona: tienen trazos más sueltos, son más “a la mancha”. Hay naturalezas muertas del natural, y también alguna abstracción, pero que surge de esculturas en madera, que me sugieren abstracciones en el plano. Expongo xilografías “mentales”: una de ellas se llama “Ida y vuelta” y es un homenaje a Ema Delgado, a quien valoro mucho como artista y como persona (**).
_ ¿Por qué se llama “Ida y vuelta”?
_ Es una xilografía tallada en madera con dos personas. Vi a alguien acompañando a una anciana: cuando iban y cuando retornaban. A Ema la quiero mucho, y asocié a uno de los personajes de esa xilografía con ella, porque se le parecía físicamente.
La xilografía “El día derramado”, fue un homenaje al “Chiche” Tagliabúe (muy conocido por la bohemia maragata por su arte para tocar el violín). En un bar le hice un boceto rápido, y “apareció” un personaje extraño, siniestro, que no estaba allí… Pocos días después falleció el Chicho Tagliabúe… Tengo la xilografía, pero desapareció el taco original tallado en madera. Verán otra xilografía dedicada al escritor uruguayo Washington Benavídes, porque su poesía siempre me encantó.
Retrato de Hugo Nantes, obra de Rodrigo Castrillo
Rodrigo Castrillo: _ Hice un retrato de Hugo Nantes [famoso pintor y escultor maragato], porque fue uno de los maestros que más me influenciaron.
_ ¿Tuviste un vínculo con él?
_ Sí. ¡Mirábamos juntos hasta partidos de fútbol! Iba asiduamente a su casa -taller [en Ciganda 664], porque vivía a la vuelta de mi casa… Casi todos los que pintábamos, íbamos a consultarlo a Hugo. Él nos decía qué debíamos corregir en nuestros dibujos y pinturas.
_ A veces Hugo era un crítico lapidario… (risas)
También visité en varias oportunidades a Dante Cola [otro artista maragato ya fallecido], porque me encantaba cómo pintaba.
_ ¡Era muy bueno Dante Cola!
_ En el Museo de San José, tuve como Profesora a la artista plástica uruguaya Nelbia Romero, y continué estudiando un par de años más con ella en Montevideo.
Obra de Rodrigo Castrillo
Etapas de la obra de Rodrigo
_ Tuviste una fase en tu obra, en la que a través de los pliegues de una tela, hacías dibujos con mucha minuciosidad, que fueron muy elogiados por la crítica especializada… Parecía que tus pinturas tenían volumen. ¡Eran excelentes! ¿Armabas las telas y luego pintabas lo que te sugerían esos pliegues?
_ Surgía todo en forma simultánea: era una combinación. Yo manejaba los claroscuros y la textura de la tela… Nelson Romero (otro gran artista maragato), también me apoyó mucho…Él me orientaba en el tema del puntillismo, y también en el uso de los materiales.
_ Esas obras tuyas estaban “emparentadas” con los cuadros de Nelson Romero. Ahora te separaste del puntillismo…
_ En esos cuadros que yo hacía, tenía mucho trabajo el dibujo, pero eran abstracciones. La imagen en ellos estaba sugerida.
_ Aun así, reconocíamos rasgos en lo que podría ser un retrato, por ejemplo.
_ Sí. Esa etapa se terminó. Hice esas obras aproximadamente en el año 2000 y ya en el 2011 todo se fue transformando. Fui abstrayendo cada vez más, hasta que empecé a tener trabajos más sueltos, más sugerentes… La estructura está allí, aunque se hayan producido algunos cambios. No llegué a la abstracción total, porque exige todo un proceso.
_ ¿Cómo trabajas actualmente?
_ Estoy trabajando en una variación del dibujo con lápiz (grafito), con manchas. Es monocromo en las obras que expongo en el Espacio Cultural, ya que quería contrastar un poco con lo que hace Marcelo. Las mías son más dibujos, que pinturas.
Marcelo: _ El hiperrealismo, que es casi fotográfico, llega un momento que agota. El ojo humano no ve así… Ve contrastes, manchas… El naturalismo abstracto se parece más a cómo vemos las cosas.
Rodrigo tiene el manejo de la anatomía, de la proporción, domina la mancha…
Xilografía- taco "De ida y vuelta"- Homenaje a Ema Delgado, de Marcelo Alpuy
“Marcelo tiene muchas influencias del Taller Torres García”
_ ¿Y vos Marcelo, cómo te autodefinirías?
Marcelo: _ (Carcajada)
Rodrigo Castrillo: _¨Yo compararía la obra de Marcelo con la de Alceu Ribeiro. Opina lo mismo el artista plástico Sergio Viera que vive en Montevideo, con quien Marcelo y yo comimos hace poco un asadito. Sergio también dio clases en el Museo de San José. Marcelo tiene muchas influencias del Taller Torres García (TTG). Se percibe eso en cómo maneja el color, y cómo compone…
Marcelo: _Hay algún naranja, algún azul, pero me gusta más la paleta baja.
Rodrigo: _ . Marcelo tuvo maestros que fueron discípulos del TTG.
_ La artista visual María de los Ángeles Martínez [nacida en Rodríguez, Departamento de San José], fue tu profesora en el Museo de San José. Ella a su vez, fue alumna del gran artista Dumas Oroño, discípulo del TTG. Ángeles tiene una reconocida trayectoria a nivel nacional e internacional…
Marcelo: _ ¡Sí!… Gabriel Bruzzone fue discípulo de José (Pepe) Montes del TTG. También fue mi profesor…
(*) Algunos de los artistas plásticos presentes: Mariano Albistur, Mercedes Fuentes, María de los Ángeles Martínez, Luis Souza Cortés y Ema Delgado.(**) Cuando Ema llegó a la exposición, recibió un gran aplauso. Ella reside en Montevideo. En julio realizará una muestra de su obra, en el Museo de San José.
Esta entrevista se publicó el martes 16 de mayo de 2023, en la pág. 7 del periódico "Visión Ciudadana" de San José de Mayo, Uruguay.
San José Foto 4 en el ICE -“Vida de Hogar”, de Paula López- Droguett
El 23 de abril de 2023, entrevistamos a la fotógrafa chilena Paula López- Droguett, en el marco del “4º Festival Internacional de San José Foto”(*), en el que las fotografías de su Proyecto “Vida de Hogar”, participó como “Exposición invitada”, en el local del Instituto Cultural Español de San José (ICE), en 25 de Mayo 422. En esta exposición de 22 fotografías, Paula narra con una mirada sensible, historias de su familia de vida austera, simple, pero enriquecida por los vínculos intrafamiliares y en armonía con su entorno, en una comunidad rural del sur de Chile… Un fotolibro que vendrá en octubre o noviembre de este año, aportará nuevas luces a este relato que devela la belleza y ternura escondidas en la esencia de la vida familiar.
La exposición pudo visitarse de lunes a viernes, de 15 a 17h, en el ICE. Hasta julio inclusive.
@paulalopezdroguett - www.paulalopezdroguett.com
“Es lo cotidiano de la vida rural, con la crudeza que implica”
_ En esta exposición se ven fotografías de interiores de una casa, personas, objetos, y exteriores en un medio rural, con animales, ropa tendida… Hay primeros planos de personas, de animales, de rincones, paisajes solitarios… ¿Por qué tomaste esta temática?
Fotógrafa Paula López- Droguett: _ Porque es parte de mi familia, que vive en este territorio desde siempre. Yo no viví ahí cuando niña, pero mis padres están viviendo ahí. En vacaciones desde chica iba a ese lugar. Vivo en Valparaíso, con mi hijo Pedro.
_¿Dónde está este lugar que retratas?
_ Está el Sur de Chile, en la Región de los Ríos [Provincia de Valdivia], y más específicamente, en Pelchuquín, localidad rural chilena situada en la comuna San José de Mariquina.
_ Se ven primeros planos de la vida cotidiana…
_Sí. Es lo cotidiano de la vida rural, con la crudeza que implica. Se muestra también, cómo la naturaleza “más salvaje”, conlleva ciertas violencias. Cuido al animal que después me voy a comer. Le pongo un nombre, le dedico un tiempo…
_ Es el caso del impactante primer plano de la cabeza cortada de un chancho, que pende de un gancho en un árbol…
Vida de Hogar de Paula López- Droguett
Instantes de seres y lugares que palpitan
Hay una hermosa foto de un hombre mayor cuya mirada nos interpela…
_ Es mi abuelo… Hay otras de mi tía Priscila [una muy conmovedora, en la que está arropada en su cama; en algunas, está mirando la cámara…]
_ Tu abuelo también está en un reflejo de una ventana, y esa transparencia permite varias lecturas. Todas las fotos son muy cercanas, aun aquellas en las que no vemos gente, pero que sugieren su presencia.
_ Sí… Me gusta mucho este espacio en el Instituto Cultural Español, porque posibilita el despliegue de estas 22 imágenes. Es luminoso y tiene grandes ventanas, y por eso la exposición se puede ver también desde el exterior del local. Creo que funciona bien, y se puede ir conectando el relato con la mirada, para que quienes vean la muestra, puedan meterse en esta historia y sacar sus propias conclusiones.
Se llama “Vida de hogar”, porque es algo íntimo de los lazos y del cuidado entre los integrantes de la familia, y las relaciones con la naturaleza.
_Hay otro animal que no sé si es un chancho, porque está “perdido” en el follaje…
_ Es de noche, y la fotografía requiere más tiempo de exposición, y por ende, el movimiento aparece. Además, es un chancho silvestre, no es “rosadito” como los que siempre vemos: es oscuro y se camufla con el paisaje. Este deja de ser paisaje y se torna territorio para quien lo habita. Todo es modificado por las personas, por los animales. La naturaleza misma cambia. No es como ir a un jardín botánico o a un parque.
Cuando ves la fotografía de unas frutas en una fuente, tienen imperfecciones, porque son así las que cosecha mi familia. Ocurre algo similar con un caballo que está en la muestra…
Vida de Hogar- Paula López-Droguett
“Era importante para mí retratar una cultura más ligada a la tierra, que hoy han hecho desaparecer”
_ En este momento, en 2023, en esta comunidad rural, otras personas están cultivando o están teniendo animales, pero en una forma mucho más moderna, no necesariamente mejor, porque hacen monocultivos de acuerdo a la temporada.
_Los cultivos deben rotarse, para no quitar siempre los mismos nutrientes a la tierra.
_... Y también hacerlo a la vez, en lo que se conoce como “permacultura”. (**)
Antes se cultivaba de una forma que entendía y conocía más la tierra, la semilla, el clima. Eso se ha ido perdiendo, reemplazándolo por la “semilla certificada”, “el invernadero”… Era importante para mí, retratar una cultura más ligada a la tierra que hoy han hecho desaparecer.
Vida de Hogar- Paula López- Droguett
“Este Festival siempre ha significado una forma de crecimiento para mi trabajo”
_ Tiene que ver con la temática de “San José Foto 4”: el territorio… El hecho de destacarlo y sobre todo, preservarlo.
_Este es un Proyecto que presenté en el 2012. No fue algo que yo hice para el Festival, aunque sí coincide con su temática. Este año lo voy a transformar en un libro, por eso quise exponer estas fotografías. Estoy preparando con ellas un fotolibro, que espero terminar en breve.
_ ¿Qué señalarías de esta tan relevante “4ª Edición de San José Foto”?
_ ¡”San José Foto” me encanta! Es la segunda vez que vengo. La primera vez que vine fue en 2018 y gané el Premio de Mejor Portafolio, y por eso “Vida de Hogar” fue una exposición invitada en este Festival. Además participé en una conferencia acerca de las acciones que hicimos en torno a todo esto(***). Por otro lado, este Festival siempre ha significado una forma de crecimiento para mi trabajo. Se conoce a mucha gente, a muchos fotógrafes [sic], de quienes sabes sobre su obra, pero que no has visto en persona. Así vas entendiendo también su forma de obrar, y también percibes que los países de Latinoamérica tienen muchas similitudes. Es lindo encontrarse con eso que tiene que ver con el cotidiano, con la tierra, y muchas veces con las vivencias, con el género… Todo es una historia que cargamos, pero de manera distinta y me gusta verlo así. Hay mucha gente de Brasil, de Chile, de Perú, Ecuador, México, Colombia… Se da un cruce súper interesante, latinoamericano y también de otros festivales. Vienes a este y ya te informas sobre otros, que tienen producciones gigantescas. Es bueno que conozcas cada vez más fotógrafes, y que se vaya abriendo la posibilidad de mostrarlos en otros lados. Es muy nutritivo. La gente de San José y de Uruguay es muy amable, por lo menos, la que yo conozco (sonríe)... La calidez se agradece siempre.
“BIO- Paula López- Droguett, Chile. Es artista visual, con estudio en Artes visuales, cine y fotografía. Su obra se desarrolla principalmente en la instalación y la fotografía de carácter autobiográfico, para reflexionar sobre la maternidad, el deseo, la naturaleza, el cuerpo, los roles de género y el territorio. Es parte de la colectiva chilena “Pésimo servicio”. Ha expuesto en Chile y en el extranjero, su trabajo ha recibido reconocimientos en Chile y Latinoamérica.” [Texto extraído de la pág. 203 del libro-catálogo “Territorio”, de San José Foto 4, 2023] sanjosefoto.uy
(*) El 4º Festival de San José Foto”, se realizó del 21 al 23 de abril de 2023. Esta edición buscó promover propuestas sobre la temática del territorio. Para el evento fueron invitados 12 artistas de distintas partes del mundo, y se presentaron 500 trabajos. Hubo exposiciones en varios puntos de José de Mayo: Plaza de los Treinta y Tres, fotogalería del ECIE (Ex Galpón de AFE- Bulevar Manuel D. Rodríguez 610), el Espacio Cultural, el Instituto Cultural Español y Casa Dominga (Evaristo Ciganda 565). Se realizaron conferencias, encuentros, proyecciones, ferias de publicaciones y fotografías y premiaciones. Directora General de San José Foto: María Aldaz. Curadora: Maíra Gamarra. Director Artístico: Federico Estol.
(**)La permacultura es un sistema de principios de diseño agrícola, económico, político y social basado en los patrones y las características del ecosistema natural.
(***) El domingo 23 de abril de 2023, en el Espacio Cultural San José, se realizó la “Apertura de la Feria de Fotolibros”, y la charla de autoras y autores de proyectos ganadores de San José Foto 3: “Vida de hogar” Paula Lopéz- Drogett (Chile); “Prudencio” Juan Pablo Flores (Uruguay); y “Señoras del Interior” Mayra Da Silva (Uruguay).
Esta entrevista se publicó el martes 9 de mayo de 2023, en la pág.7 del periódico "Visión Ciudadana" de San José de Mayo, Uruguay.
Arq. Gonzalo Magnou: Ensayo sobre Hugo Nantes (*) - “El Hugo…”
"El Hugo...", de Gonzalo Magnou, impreso en forma artesanal por el autor, julio 2022- 44 págs.
El 27 de abril de 2023, se presentó en la Sociedad Italiana de San José (en su sede social de Treinta y Tres y Larrañaga), “El Hugo- Ensayo crítico sobre la personalidad artística y la obra de Hugo Nantes”, escrito por el Arquitecto y Artista Plástico Gonzalo Magnou. Participaron junto al autor, los Escribanos Ruben Rodríguez Bisengsang, y Miguel Senattore Villero(**). Entrevistamos a Gonzalo Magnou en el día anterior a esta actividad.
El autor expresa en su ensayo, que “se centra en cuatro aspectos de la personalidad artística de Hugo” (***) Conversamos sobre esos aspectos y cómo “la obra de Hugo son muchas obras”… Este ensayo intenta abrir múltiples ventanas para futuras investigaciones sobre este gran escultor y pintor maragato.
“Es imposible analizar el arte de San José sin pasar por Hugo”
_ Señalas “que es imposible analizar el arte de San José sin pasar por Hugo” y que “la obra de Hugo son muchas obras”. Quizá Hugo era “muchos Hugos”…
Arquitecto y artista. Gonzalo Magnou: _ Es una buena definición. Hugo podría ser “muchos Hugos”. Era así. A menudo, cuando he tenido que hablar sobre él, lo he hecho desde la perspectiva casi de lejanía, de alguien que podría ser su nieto. Lo veía como un hombre mayor, que pintaba, hablaba y decía algunos “disparates”, que eran muy comunes en él [era muy bromista , irónico, autocrítico]. No compartí ni vi, solo sentí anécdotas y referencias sobre su vida fermental, cuando él era joven.
_ Ibas al taller de Hugo junto a tu papá Fernando (también arquitecto y artista plástico), en la década del ’70...
_Sí. Volviendo a los “muchos Hugos”, yo conocí a “otro Hugo” más tranquilo, cuando como adulto empecé a relacionarme con él, y también iba a su taller con amigos vinculados a la pintura. Fueron muchos Hugos en su personalidad y en su obra, ya que pasó por varias etapas.(**)
Cuando San José, el Museo y el Liceo, irradiaban cultura
_ Evocas la época de mediados del ’40 y de la década del ’50, de un San José con una rica vida cultural, social, y aun económica…
_ Es lo que recogí de lo que me contaban los adultos que me rodeaban. Para confirmar esas perspectivas, recabé información en el álbum del Museo de San José[oficialmente “Instituto Histórico Cultural y Museo de Bellas Artes de San José], diarios de esa época que hay en el Museo y en la Biblioteca Municipal, y algunos catálogos y publicaciones. Algunas de las ideas que yo tenía, quedaron respaldadas por los hechos.
El San José en el que se formó Hugo, fue muy fermental desde el punto de vista cultural. La actividad que tuvo el Museo de San José, si no fue única en el interior del país, hubo muy pocos casos análogos.
_ Te detienes en el Museo, y entre otras, sus “principales figuras Manuel Benavente y Dumas Oroño, ambos docentes del Liceo de San José” (Liceo Departamental, actualmente IDAE). Destacas los Salones del Interior y los Salones de Otoño, las excelentes exposiciones pictóricas que se organizaban desde el Museo, y a los grandes artistas plásticos que fueron docentes de esa institución.
_ La Prof. de Historia Margarita Patrón, ha analizado con rigor histórico al Museo de San José y al Liceo Departamental [en sendos libros que publicara sobre esas instituciones]. No es mi materia. Lo mío es una aproximación al mundo artístico y al entorno de Hugo, desde una visión subjetiva y como artista.
_ Llamas al Liceo Departamental “pequeña Sorbona” (¡!)…
_ Se me ocurrió denominarlo así, porque tenía docentes de gran nivel intelectual y cultural. “En el mundo de Hugo”, había una valoración del arte, de la cultura y de ese Liceo que era un foco cultural. En esa época, Europa era la locomotora cultural para nosotros [en los’40-’50], y sobre todo París, principalmente en el mundo de la Pintura.
Pintor de los ’50 con improntas propias y una amplia cultura
_ Hugo está muy vinculado a muchos de los principios que rigen el Arte de los ’50.
_ Enumeras y describes varios, presentes en la obra de Hugo: materiales brutos y arte matérico; adición de partes; utilización de desecho; la improvisación…
_ Irrumpen en la escena internacional movimientos, por contraste a lo que había sido una gran presencia del Arte Geométrico como el de Piet Mondrian. Sobre todo después de la 2ª. Guerra Mundial, hay una suerte de aproximación sensible, más que matemática. Trato de demostrar ahí, cómo Hugo estaba sumergido en el espacio cultural de la época. Nunca fue un pintor vinculado a los movimientos de vanguardia de principios del siglo XX, como puede haber pasado con Joaquín Torres García o Rafael Barradas.
La formación que tenía Hugo fue mucho más del oficio y del pensamiento, pero él estaba muy informado sobre la cultura y el arte. Tenía una cultura muy amplia, aunque él siempre intentaba aparentar otra cosa…
_ Sí. Él quería ser de una extrema sencillez, pero a veces era una pose (y que Hugo “me perdone”)…
_ ¡A mí, no! Yo le decía ciertas cosas cara a cara, y muchas veces se enojaba. Creo que era una pose y tal vez, un mecanismo de defensa.
_ Él amaba al pueblo, era muy compasivo con los humildes, y temía que la gente lo censurase si era “un artista intelectual”.
_ Es probable, pero él le llegó a todo el mundo.
Rupturas
_ Consideras que Hugo “reconfigura” la figura humana…
_ Insiste a lo largo de su carrera, en la producción de obras en función de la figura humana. Los primeros retratos de su autoría que están en el Museo, son muy delicados y pormenorizados en la elaboración, y en el parecido de los rostros. Más adelante, cuando empieza a trabajar con el vidrio entintado y otros materiales cerca de los ’60, y en las esculturas, la figura empieza a tener una transformación…
_ …En algunos casos , es muy expresionista…
_ Sí. En realidad, él había venido muy a contrapelo con lo que había aprendido de lo de Joaquín Torres García. La figura humana aparecía en este artista más en sus primeros momentos y en algunos murales, pero su vida estuvo centrada en otro tipo de búsquedas.
_...El Constructivismo, el empleo de la regla áurea…
_ Así es.
_ Es posible que Hugo fuera “vanguardista” en sus esculturas. Entrás al Museo, y la monja que él hizo parece viva, pero también... ¡es como una sombra! Está lo corpóreo y lo incorpóreo a pesar de ser de chatarra.
_ ¡Es verdad! Se podrían tomar como vanguardistas esas esculturas de Hugo, de gran expresividad, en las que hizo una enorme profundización de la figura humana.
_ Nombras rupturas varias de Hugo, entre otras, con su maestro Dumas Oroño, con el Museo, con el artista intelectual… Acotas que su casa- taller [Ciganda 664], se tornó un centro cultural.
_ Sí. ¡Hubo hasta un “cine club” allí! ¡Mandó hacer sillas para eso! ¡Las hizo el Pintor Dante Cola! Muchos artistas y amigos lo visitaban. Se aprendía mucho…
La incontenible presencia y popularidad de Hugo y su obra
_ Escribes: “Una casa, un Nantes”…
_ Hay cuadros de Hugo en casas que nunca hubieran podido comprarlos. Pocos artistas marcaron tan a fuego un espacio urbano, una ciudad, y en este caso a un pueblo, como Hugo. No he encontrado con todo lo que he viajado y he estudiado sobre Historia del Arte, a un artista que tenga como él, tanta obra escultórica y/o pictórica en lugares relevantes y aun simbólicos de la ciudad: como puede ser la “Plaza de los 33” (las cerámicas de los bancos grandes) y otros lugares de San José…
_... La escultura de José Artigas en su vejez en el Hogar de Ancianos, el monumento al golero en el Parque Camunda Gil…, entre otros varios detallados por ti. No olvidemos las esculturas que están en el Espacio Cultural San José…
_ ¡Sí! Y es increíble la presencia de sus cuadros en cada una de las casas de familia de San José. Además, no había quien no le fuera “a garronear” un cuadro para una rifa u otro acto benéfico. Hugo había generado tantos espacios de comunicación con la sociedad, que en todos lados te encontrabas con su obra. El afiche de la (1ª) Feria del Libro de San José …
Todo ese mundo de Hugo, se ha ido diluyendo por distintas razones, y mi intención era rescatarlo, basándome en un respaldo veraz [el ensayo tiene 21 notas aclaratorias y mención de fuentes consultadas]. Espero que este ensayo sea una pequeña guía, para que otros hagan un libro como se merece Hugo, profundizando en los distintos temas que ahí aparecen…
_ Al final, escribes que su escultura “Los jugadores de Truco”, quizá “sea la metáfora que mejor representó a la obra de Hugo Nantes”: el espectador se sienta y es el “cuarto jugador”…
_ “La obra termina cuando usted se sienta”, y por eso es “muchas obras” y ejemplifica el vínculo de Hugo con la sociedad…
(*)Hugo Nantes (1933-2009). (**) Miguel Senattore ha sido varios años Presidente de la Directiva de la Sociedad Italiana, y actualmente la integra. (***)Podríamos sintetizar esos 4 aspectos: 1º) Hugo como artista producto de la sociedad maragata de mediados del ’40 y década del ’50; 2º) Pintor de los ’50; 3º) Rupturas de su obra y vida artística; 4º) Su transformación, “casi sin percibirlo ni proponérselo” [sic] en un pintor de los ’60 y ’70.
Esta entrevista fue publicada el jueves 4 de mayo de 2023, en la pág. 6 del periódico "Visión Ciudadana" de San José de Mayo, Uruguay .
27 de marzo: Presentación de Catálogo en Quinta de Batlle - “De ellas dos. La Biblioteca de Matilde Pacheco y Ana Amalia Batlle”
El lunes 27 de marzo de 2023, a las 18.30h, se presentará el Catálogo “De ellas dos. La Biblioteca de Matilde Pacheco y Ana Amalia Batlle”(*), del Museo Histórico Nacional, en la Quinta de José Batlle y Ordóñez (Carlos Hounie 4381, Barrio Piedras Blancas, Montevideo). El catálogo fue editado por el Lic. Andrés Azpiroz Perera (maragato), quien es Director del Museo Histórico Nacional (MHN). Comentarán esta publicación, la historiadora Milita Alfaro, una de sus autoras Clara von Sanden, y la directora Nacional de Cultura, Mariana Wainstein. El Instituto Cultural Español de San José (ICE), organizó una excursión para los interesados en asistir a esa presentación.
Entrevistamos a la prestigiosa profesora de historia y autora Margarita Patrón, quien se refiere a su participación como autora invitada en ese Catálogo con “Un regalo para doña Matilde”, y elogia mucho (merecidamente), la gestión de Andrés Azpiroz en el MHN.
2019: Exposición “De ellas dos…”en la Sala Eduardo Carbajal del Macció
_El 9/09/2019, en la “14ª Feria Internacional de Promoción de la Lectura y el Libro de San José”, en la Sala Eduardo Carbajal del Teatro Macció , se inauguró una exposición denominada como el Catálogo que se presentará el próximo 27 de marzo, con libros de la biblioteca que formaron Matilde Pacheco y Ana Amalia Batlle (respectivamente madre e hija). Había además objetos, vestimenta, retratos…, que ilustraban vida y aficiones de ellas dos, y de José Batlle y Ordóñez, padre de Ana Amalia y esposo de Matilde, y el contexto histórico. La curaduría y textos de esa exposición, estuvieron a cargo del Museo Histórico Nacional. Fue muy rica.…
Profesora de Historia e investigadora Margarita Patrón: _ Fue muy importante y tuvimos la suerte de tenerla acá, como tú dices… Implicó una experiencia colectiva de un grupo de gente del Museo Histórico Nacional, y presentaron ese material en San José en el 2019. Fue un éxito, porque, también tenía como mencionabas, objetos, documentos, cuadros, pertenecientes a ellas dos.
Andrés Azpiroz y su equipo: “un aire fresco” para el MHN
_ Había textos explicativos e infografías, que ilustraban esa exposición. Inclusive el hecho de que Ana Amalia murió muy tempranamente de tuberculosis en 1913.
_ Fue un sufrimiento para toda la familia, porque era realmente “la niña,” de la casa, frente a todos sus hermanos que eran varones.
La “Biblioteca de ellas dos”, fue estudiada y clasificada por gente del Museo Histórico Nacional y luego, eso tuvo como resultado también la muestra que hicieron en la Quinta de José Batlle y Ordóñez de Piedras Blancas. Lo importante de ese Museo, es que su joven director Andrés Azpiroz, y su equipo, han sido como un aire fresco, una renovación (sonríe con alegría), porque es un equipo joven, aun cuando también está rodeándolo gente con experiencia.
Residencia (vista parcial), de la Quinta de Batlle
Trascendentes “puestas a punto” de la Quinta de Batlle y de otras casas-museos
Además de la exposición, es trascendente “la puesta a punto” de la Quinta de Piedras Blancas, que aún no se ha terminado, pero se ha logrado en su mayor parte. Pusieron mucho empeño en adecuar algunas de las instalaciones, el entorno… Es una casa muy antigua, por lo que insume muchos gastos.
Entre 2021 y 2022 comienza esa refacción y se abre al público. Tiene un muy lindo jardín, que se ambientó mucho y es muy didáctico, porque tiene explicaciones no solo de las especies de plantas, árboles, sino también de cómo eran anteriormente algunos lugares de esa Quinta. Cuando residió allí José Batlle y Ordóñez y su familia, era mucho más amplio el predio…
[El 9 de marzo de 2022], el MHN inauguró la exposición temporal “De ellas dos…” en la Quinta, y en el interior de la residencia. Se recreaban muy bien las salas principales: el escritorio de Batlle, la sala grande, la sala del piano, los dormitorios de Batlle, de Matilde... No solo estaba la Biblioteca de Matilde y Ana Amalia, había parte de las pertenencias allí, con todos los enseres que utilizaban en esas salas.
Investigación, exposiciones y publicación de catálogos
_ Las personas que vayan a la presentación del Catálogo el 27 de marzo, ¿podrán ver todo eso?
_Conversé con Andrés Azpiroz, y me dijo que si bien se había levantado parte de esa exposición, hay otras cosas, que podrán verse, porque pertenecen a la Quinta, como el mobiliario. La sala en la que se hará el lanzamiento del Catálogo, estará ambientada con documentos y pertenencias de esa familia.
Quiero elogiar mucho a Andrés Azpiroz, porque él dirige el Museo Histórico Nacional desde el año 2017, y le ha dado un impulso muy grande, no solo a la casa de Batlle. ¡Son ocho las que tiene que administrar en su gestión! Han puesto mucho interés también en la Casa de Herrera [Avda. Dr. Luis A. de Herrera 3760, esquina Margarita Uriarte, Montevideo], parcialmente refaccionada, y se han hecho visitas guiadas.
Se han publicado tres catálogos durante la gestión de Andrés. El primero fue “Imaginar, medir y ordenar. Mapas, planos y agrimensores en Uruguay”. El segundo catálogo fue: “Entre la vida y la muerte. Salud y enfermedad en el Uruguay de entresiglos.” Se investigó en plena pandemia. En la 15ª Feria del Libro de San José, presentaron ese catálogo en el Museo de San José el Prof. Gabriel Fernández que trabaja con Andrés, y lo acompañó el Dr. Baltasar Aguilar. Previamente a esas publicaciones hubo investigación, exposiciones de documentos, mapas, objetos…
_ Los catálogos implican todo un proceso previo de investigación, exposiciones, visitas guiadas y divulgación, muy valiosos…
_El tercero es el que conoceremos el próximo 27 de marzo: “De ellas dos…” Por eso en las invitaciones que mandó Andrés, destacaba que estaban sumamente contentos de haber concretado este Catálogo y expresaba “·Estamos de estreno”…
Figuramos en este Catálogo como autoras invitadas: Inés Cuadro Cawen, Lourdes Peruchena, Daniela Tomeo y yo. Las autoras Ana Cuesta, Laura Irigoyen, Carolina Luongo, Lucía Mariño y Clara von Sanden, pertenecen al equipo del MHN.
“Un regalo para Doña Matilde”: Batlle y Matilde en el San José de 1919 y maragatas para (re)conocer
_ Comentemos “tu aporte” (tal como aludes a él), que figura en el Catálogo con el título “Un regalo para Doña Matilde…
_ Es un pequeño aporte. Andrés me lo pidió, porque en una vitrina de la exposición que se trajo a la Sala Eduardo Carbajal del Macció en la 14ª Feria del Libro, estaba un pergamino con las firmas de 52 mujeres maragatas, que le habían obsequiado a Matilde Pacheco de Batlle y Ordóñez, un gran ramo de flores junto a ese pergamino, con una dedicatoria. Esas mujeres fueron a visitar a Matilde Pacheco en la casa en la que se alojaba. Fue cuando ella acompañó a su marido en una visita que él hizo a San José en 1919, en una gira que estaba haciendo por el interior del país. Batlle mientras fue presidente del Uruguay, nunca vino a San José.
Hubo un acto partidario, en el que Batlle fue recibido por distintas personas y fue muy comentado, porque Batlle fue muy criticado, y no se lo recibió muy elegantemente. Acá vinieron varios presidentes que fueron muy bien recibidos: Williman, Brum, Feliciano Viera…
_ ¿Dónde se hizo ese acto?
_ En el “Teatro Nacional”, donde antes era el Teatro Vallbona.
_ Ahora en ese edificio está la zapatería “Stadium”[Paseo de los Constituyentes, 563]
_ Exactamente…
Mi trabajo aborda también cómo era San José en 1919, además de poner a esas 52 mujeres en ese contexto. Eran esposas, hijas o hermanas de connotados batllistas. En este trabajo, me refiero a sus características, dónde se desempeñaban, y por qué se acercaron a Doña Matilde para darle ese regalo…
(*)”El catálogo, editado por Andrés Azpiroz, reúne textos de Ana Cuesta, Laura Irigoyen, Carolina Luongo, Lucía Mariño, Clara von Sanden, Inés Cuadro Cawen, Margarita Patrón, Lourdes Peruchena y Daniela Tomeo. Además incluye una entrevista a la historiadora Graciela Sapriza y un prólogo de Mariana Wainstein.” Diseño: Artista y diseñador Pablo Uribe. Correcciones de estilo: Maqui Dutto. Imágenes: Matías Bernaola y Martín Varela. “Este libro es el resultado de las investigaciones y exposiciones que viene realizando el equipo del MHN desde hace algunos años sobre la biblioteca formada por madre e hija. Además continúa la línea de trabajo desarrollada por el Museo que busca poner en valor las colecciones de su acervo conformadas por mujeres.” [Citas textuales y síntesis, extraídas del Panel de Noticias del MHN: “¡Estamos de estreno!”, del 16/03/2023]
Esta entrevista fue publicada el martes 21 de marzo de 2023, en la pág. 7 del periódico "Visión Ciudadana" de San José de Mayo, Uruguay. Tenía una errata en el subtítulo final de la nota: Donde se escribió “Un regalo para Doña Matilde”: Batlle y Matilde en el San José de 2019 y maragatas para (re)conocer; debió escribirse : “Un regalo para Doña Matilde”: Batlle y Matilde en el San José de 1919 y maragatas para (re)conocer . Aquí corregimos el error. Se hará esa corrección también en el periódico, publicando la fe de errata el próximo jueves 23 de marzo de 2023.
Viernes 24 en el Macció : unipersonal con Carina Biasco-"Toffana en carne viva”
Carina Biasco, en "Toffana en carne viva"
El viernes 24 de marzo a las 21h, en el Teatro Macció, continúa el Ciclo “Nosotras 2023”, con el unipersonal “Toffana en carne viva”(*), de Pablo Silva Olazábal, protagonizado por la actriz Carina Biasco y dirigido por Cristina Velázquez. Entrada gratuita. Esta obra teatral se basa en una versión de la historia de Giulia Toffana (1581-1651), alquimista siciliana (Palermo), que inventó el legendario veneno "Acqua Toffana". Giulia nació en la extrema pobreza, y vivió un tiempo de peste y convulsiones, bajo el oscuro poder de la Inquisición (**). Intentó vivir libre de dominaciones y prejuicios… Conversamos con Carina Biasco sobre su fascinante y polémico personaje.
¿Envenenadora, alquimista, salvadora…?
_ Este unipersonal que protagonizas, se basa en una historia real, escrita por Pablo Silva por un pedido que le hiciste…
_ Sí. En realidad fui yo que le presenté este personaje a Pablo.
_¿Por qué quisiste tomar la historia de Giulia Toffana?
_ Antes de la pandemia de COVID 19, yo estaba muy interesada en representar a una mujer alquimista. Comencé a buscar por Internet a mujeres alquimistas, y encontré a muchas en el correr de la Historia. En general se relaciona la alquimia con los hombres. Cuando encontré a Giulia Toffana, una de las versiones, la considera como “la mayor envenenadora de su tiempo”…
“Acqua Toffana”: singular veneno que compraban las mujeres maltratadas
_ Ella inventó un veneno…
_ Sí. El “Acqua Toffana”. Ya existían los venenos en el año 1600, pero el que ella inventó era inodoro, incoloro e insípido, y no dejaba rastros. Eso la llevó a la fama. La gente que lo bebía se moría, y los médicos no sabían por qué.
Cuentan que el gran músico Mozart en su lecho de muerte dijo: “me dieron Acqua Toffana”, aun cuando él vivió mucho después que Toffana.
_ Mencionaste que hay distintas versiones de la historia de Giulia Toffana…
_ Otra versión dice que era una alquimista. En el año 1600 era el auge de la Inquisición, y muchas mujeres fueron quemadas por brujas.
Giulia Toffana nace en la extrema pobreza y su madre era una prostituta. No conoce a su padre, y la madre la hace ejercer la prostitución, porque era la única manera de sobrevivir en esa época. No se sabe si fue ella o la madre que empezó a utilizar yuyos. Giulia hace cremas, perfumes, hasta que inventa el “Acqua Toffana”. Ella empezó a vender ese veneno a mujeres maltratadas por sus maridos. El frasquito que lo contenía tenía la imagen de San Nicolás, “para camuflarlo”. Las mujeres que lo compraban, lo tenían junto a los frasquitos de cosméticos que usaban.
"Toffana en carne viva"
Época de sometimiento de la mujer y de acechanza de la “Santa Inquisición”
En el 1600 existía “la bombacha de lata”, que los maridos exigían que las mujeres usaran para que evitar infidelidades sexuales.
_ Sí. El “cinturón de castidad”, que se cerraba con llave. En esa época, las mujeres tenían muy pocos derechos…
_ Era una época muy dura y oscura de la Historia, en la que la Iglesia ejercía su poder, y sobre todo con las mujeres.
Giulia Toffana era una alquimista, y en esas circunstancias tan terribles de su vida de privaciones, vende el “Acqua Toffana” a mujeres que quieren liberarse de sus maridos maltratadores. En este unipersonal se dice: “Era la única manera de liberar a las mujeres”
Hubo un juicio (dato real) en los Tribunales de Roma, en el que fueron juzgadas 630 mujeres: las torturaron, las mataron, y las emparedaron, porque habían matado a sus maridos empleando el “Acqua Toffana”. Algunas versiones sobre el destino de Giulia Toffana: ella estaba en ese juicio con sus ayudantes, y la mataron junto con las otras mujeres; logró que la liberasen, por su vinculación con la alta sociedad, ya que vendía el veneno a mujeres de todas las clases sociales; era la amante de un fraile, quien habría mediado para que no la condenasen…
La obra muestra a una “total” alquimista en su contexto, sin juzgarla
_ La versión que toma esta obra., es que Giuliana fue una alquimista en un sentido amplio: no solo por la creación de perfumes, y de un veneno, sino también, por la trasformación que logró en su vida, luchando contra el sistema imperante, que implicaba que si se nacía pobre, se moriría pobre.
_ No era fácil pasar de un estrato social inferior, a otro superior…
_ En algunos documentos leímos: “Ella con su inteligencia y la fuerza de su belleza, logró todo lo que pudo hacer.”
En esta ficción sobre Gilulia Toffana., quisimos mostrar a una mujer luchadora que encuentra esa arma en ese contexto histórico y personal. No juzgamos el hecho de que ella inventó un veneno para matar a hombres violentos.
_ ¿Cuál fue el rol de Cinzia Gelsomina Imperio en esta obra?
_ Cinzia es una italiana, que en el momento de la pandemia (2020), vivía en Uruguay, y le pedimos que tradujera unos documentos. Para esta obra nos basamos en varias fuentes. Después de leerlas, e informarse sobre la Inquisición de esa época, Pablo Silva Olazábal (escritor uruguayo), hizo esta obra de teatro, recurriendo también a su imaginación.
Puesta en escena muy despojada y onírica
_ ¿Te apoyas en algún recurso audiovisual u otros? ¿Cómo es la escenografía, la utilería…?
_ Es una puesta muy despojada y muy onírica. La escenografía consiste en dos escaleras muy bajitas. ¡Estoy sola contra el mundo…! (risas). Trato de mostrar que Giulia Toffana era una mujer empoderada, que sorteó muchos obstáculos en su vida, como toda mujer en el 1600.
_ No podemos imaginarnos cuánto sufrieron muchas mujeres en el siglo XVII…
_ Destacamos hasta dónde ella llegó y hacemos una conexión con el día de hoy. Han pasado los siglos, y aún no hemos resuelto la violencia de género. Encontramos en forma accidental, que Giulia Toffana también pasa por la peste bubónica en Italia, y el Régimen impone ante esa enfermedad, el aislamiento obligatorio y se restringe al mínimo toda actividad social.
_ Es inevitable asociar eso con lo que vivimos en la pandemia del COVID 19…
_ La ciencia ha avanzado mucho. Sin embargo, se adoptó la misma medida durante esta pandemia [en pleno siglo XXI]. Hacemos esos dos paralelismos: lo que ocurre hoy con la mujer, y lo que pasó con la pandemia.
_ ¿Este unipersonal se estrena ahora?
_Sí. Pablo Silva había escrito un monólogo llamado “Toffana en carne viva”. El material era tanto, que hicimos la obra tres actrices: Andrea Gandolfo, Agustina Gandolfo (hija de Andrea), y yo. Extrajimos los fragmentos “más jugosos” para representar e hicimos 8 funciones con el título de “Toffana” en mayo de 2022. La puesta en escena, era diferente. Ahora usamos ese texto, pero volvimos a la versión del unipersonal original , y es el que voy a interpretar en la Sala Delmira del Teatro Solís de Montevideo, y en el Teatro Macció de San José.
Giulia Toffana sufrió muchísimo y como pudo, se liberó, y liberó a mujeres del sistema imperante en su época. En la obra aparecen sus luces y sombras, con sus circunstancias históricas y personales. ¿Fue una envenenadora, una bruja, una salvadora o una alquimista…? El Arte tiene que mover las emociones del espectador, quien después sacará sus conclusiones…
(*) Pertenece al ciclo teatral “Nosotras en la Delmira”, que se desarrolla en la Sala Delmira del Teatro Solís de Montevideo, y que se “replica” en el Macció de San José. (**) La “Santa Inquisición” fue el Tribunal creado por la Iglesia Católica Apostólica Romana, dedicado a la persecución sistemática y al castigo de los llamados “herejes”, disidentes religiosos, y presuntas brujas. A partir de 1542, a expensas del Papa Paulo III, se le comenzó a llamar “Santo Oficio”.
"Toffana en carne viva".Ficha técnica :Autor: Pablo Silva Olazábal. Actriz: Carina Biasco. Investigación y traducción: Cinzia Gelsomina Imperio. Directora: Cristina Velázquez. Productora: Pamela Román. Arte: Marcos Ibarra y Carolina Suárez Vingneau. Diseño de luces Carolina Suárez Vingneau. Fotografía: Iara Viera.
Esta entrevista se publicó el martes 14 de marzo de 2023, en la pág. 7 del periódico "Visión Ciudadana" de San José de Mayo, Uruguay.
Las imágenes fueron gentilmente enviadas por la productora Pamela Román.
Con Adelina Chamorro en muestra en el ICE - Taller de Fotografía Narrativa del Liceo Nº 2
El viernes 2 de diciembre de 2022 a las 20h, en el Instituto Cultural Español de San José (ICE), la Tallerista Adelina Chamorro (*) y el Docente de Comunicación Visual Diego De León, realizaron una visita guiada de la muestra del "Taller de Fotografía Narrativa" de sus alumnos del grupo 1º3 del Liceo Nº2 de San José (**), expuesta en el local del ICE, en 25 de Mayo 422. Ese Taller forma parte del “Programa Lengua Itinerante”. Su primera edición es organizada por Ceibal y UNICEF Uruguay, dentro de su Proyecto “Puentes Digitales” para la equidad educativa.
El 17/11/2022 se efectuó el cierre de este Taller también en el ICE, con presencia de las referentes regionales del Ceibal: Silvana Morales, y Eleonora Achúgar (Referente del Departamento de Lengua del Ceibal).
Entrevistamos a Adelina Chamorro, antes del inicio de esa visita guiada.
Taller de Fotografía Narrativa- Liceo Nº 2- 1o. 3
Historias vividas y contadas empleando varias competencias
_ ¿En qué consistió este Taller de Fotografía Narrativa, que tuviste a tu cargo en el Liceo Nº2 en 1er. Año 3?
Tallerista Adelina Chamorro: _ Se hizo en 1er. Año 3, en el turno matutino. Está en el marco del Programa Lengua Itinerante de Ceibal y UNICEF Uruguay, dentro de su proyecto Puentes Digitales para la equidad educativa. El taller se realizó una vez por semana, durante un mes y medio…
_ Participó también el Docente Diego De León.
_ Diego es Docente de Comunicación Visual y empezamos a trabajar juntos en este Programa. El objetivo es que los estudiantes indaguen y se apropien de la Lengua desde otros lugares, teniendo en cuenta la tecnología.
_ ¿Por qué se denomina “Lengua Itinerante”?
_ Porque trata de la descentralización en dos aspectos: en la acción educativa de Montevideo, y de la Lengua Escrita. Utiliza otras asignaturas, apela a aprendizajes transversales, para no recurrir a lo convencional en cuanto al aprendizaje de la Lengua. Se procura que los estudiantes se apropien de ese conocimiento desde otras competencias…
_ Ustedes trabajaban con las Tablets del Plan Ceibal?
_ Sí. Son las que se usan en el Liceo. Debido a que algunos alumnos no las tenían, enviaron desde Montevideo Tablets para cada taller. Otros estudiantes emplearon sus celulares.
Tres talleres narrativos: dispositivos y lenguajes expresivos diversos
También hubo otras propuestas de talleres del Programa de Lengua Itinerante: “Palabras que suenan a cuento”, a cargo de la Mtra. Lorena Puche en el Liceo Nº3; y “Escritura Teatral” a cargo de Angélica González, en la Escuela Agraria de Raigón.
En el Taller de Lorena Puche hicieron un audio-libro y en el de Angélica González, los estudiantes escribieron un texto teatral y lo leyeron.
_ Lorena ha publicado libros para niños, que han sido presentados en las Ferias Internacionales de Promoción de la Lectura y el Libro de San José, y ha realizado animación a la lectura en instituciones educativas, en la Biblioteca Departamental… Angélica es directora y dramaturga…
_ Angélica ha recibido premios… [Obtuvo la Primera Mención por su obra “Equilátero” en el Concurso de Obras Inéditas, COFONTE- AGADU].
_ ¿Cómo accedieron ustedes a esta convocatoria?
_ Nos convocaron directamente desde el Ceibal (Montevideo), porque la docente de Literatura y Poeta Regina Ramos mencionó a algunos docentes para este Programa, ya que este fue una suerte de “Plan Piloto”, para ver si cumplía los objetivos trazados. Regina ha trabajado para el Ceibal en algunas instancias.
Nuestros talleres fueron aprobados. Desde el Ceibal opinaron que las propuestas de los talleres de Lorena, de Angélica y el mío “están pensadas con un fuerte anclaje en la narración y en la búsqueda de dispositivos que permitan la actividad de contar como una forma de recuperar la experiencia vivida, generar emociones, generar encuentro con el otro y crear universos posibles a partir de la imaginación como sustento elemental. (…)”
El año que viene se hará una convocatoria más general.
“Río” polisémico
Lorena, Angélica y yo, planificamos una actividad coordinada, incluyendo al río San José en nuestros tres talleres, como hilo conductor. El Programa solicitaba que se emplease la palabra “río” como disparador en su manifestación real (literal) o metafórica.
Acá en la exposición en el ICE, en la pared norte del Salón Norte (valga la redundancia), están las fotografías de la salida hacia el río San José.
_ Se ven distintas tomas del río, del puente…
_ El barrio del Liceo Nº 2 que va hacia el río, está muy estigmatizado por los estudiantes. Uno de mis objetivos cardinales era que vieran al barrio de otra manera…
Ellos “se encontraron” con la belleza de paisajes que parecían del Caribe, con una palmera y el río a lo lejos. En otras, hallaron una fogata de alguien que estuvo pescando…
Muestra del Taller de Fotografía Narrativa de 1o 3. del Liceo No 2
“El Liceo, mi lugar”: sentimiento de pertenencia y valoración del barrio
_ Las fotografías incluyen otras temáticas, pero está muy bien el manejo de la cámara, de las luces y sombras, del color…
_ Lo que planteé en este Taller desde el Liceo Nº2, fue el tema del Proyecto de Centro de este año: “El Liceo, mi lugar”. Se trata de que los estudiantes se apropien y valoren el espacio que habitan diariamente, que es el entorno inmediato al Liceo.
Partimos de un mapa de San José. Cada uno de ellos, primero ubicó en el mapa el Liceo y después, su casa, para luego trazar su recorrido habitual del Liceo a su casa. Todas las semanas ellos tenían tareas de fotografía, que procuraban que cambiasen ese recorrido. Eso se hizo entre risas. Una alumna decía que no tenía cómo cambiar el recorrido. Le sugerí que diese un par de vueltas a la manzana, y que iba a encontrar cosas nuevas.
Fotos de lugares, objetos, significativas “per se” o por su interrelación
Taller de Fotografía Narrativa- Liceo Nº 2- 1o. 3 -
_ En ese recorrido que registran las fotos, vemos lugares conocidos o que nos provocan curiosidad, porque enfocan un detalle que no sabemos qué es…
_ Sí. También me propuse que cada foto dialogue con la de algún compañero del grupo, por eso los nombres de ellos no aparecen en las fotos que tomaron, sino en una lista aparte. Hay fotos mías y de Diego, que tampoco individualizamos. Fuimos partícipes como docentes- guías, no como “maestros”.
Lo que más me gustó fue que ellos armaron al principio historias con fotografías ajenas, y al final del taller, habían armado historias con sus propias fotos. Si nos paramos a mirarlas, la foto de la llave dialoga con el mármol y por qué no, con la de la torta de cumpleaños… Hay un muchacho tirado sobre el pasto mirando hacia arriba y una foto ubicada encima de esa, es una columna del alumbrado, que “podría ser” la que él está mirando en la Plaza Arriaga. Una mano que ofrece una “oreja de negro” [del árbol timbó: ver foto ], es un reconocimiento a la belleza de un fruto que está en el suelo de la Plaza Arriaga, que atraviesan habitualmente.
Ellos han percibido que con esos recortes de la realidad de 30cm x 30 cm, se pueden contar las historias que queramos de nuestro barrio.
_ ¿Hicieron un video?
_ Hice un breve video de 4 minutos, de lo que ellos iban experimentando. Cuando lo vieron, se sorprendieron de lo que estaba pasando a su alrededor cuando hacían los talleres.
_ Hoy [viernes 2 de diciembre], tú y Diego, harán una visita guiada.
_ Haremos un cierre del Taller. Invitamos a las familias de los estudiantes, para que vengan a la muestra. Queremos llevarla después al Liceo Nº2 y a otros espacios…
Me encanta la docencia, y ojalá pueda continuar realizando talleres como este.
(*) Adelina Chamorro se desempeña principalmente como fotógrafa social en San José: de fiestas, eventos… Está estudiando Profesorado de Comunicación Visual en el Instituto de Formación Docente de San José “Elia Caputi de Corbacho”.
(**) Grupo 1º 3- Liceo Nº2: Axel Acevedo, Juan Francisco Acosta, Federico Betarte, Catalina Borges, María Emilia Cabrera, Tiago Cabrera, Victoria Caraballo, Lorenzo Cendoya, Luca Colla, Corina Fernández, Brian Ferreira, Yonatan Maciera, Delfina Mila, Ezeqiel Montelongo, Maia Moreno, Dilan Pérez, Priscila Piñeyro, Thiago Rodríguez, Diana Rodríguez, Emiliano Sellanes, Carlos Silva, Mara Sosa, Román Torres.
Esta entrevista fue publicada el martes 6 de diciembre de 2022, en la pág. 7 del periódico "Visión Ciudadana" de San José de Mayo, Uruguay.
3 y 4 de diciembre: partida desde el ECIE “Romeo y Julieta- La experiencia de la tragedia”
El sábado 3 y el domingo 4 de diciembre de 2022, al caer el sol, se sale en bus desde el Espacio Cultural Ignacio Espino (ECIE), en Bulevar Manuel D. Rodríguez 610 – Antiguo Galpón de Cargas de AFE, para disfrutar de la puesta en escena en circuito de la obra teatral “La Tragedia de Romeo y Julieta” de William Shakespeare, desde un enfoque contemporáneo y en espacios no convencionales en el marco del proyecto «Shakespeare a la calle». El espectáculo propone al público la pérdida de la referencia espacial como pacto ficcional. Conversamos con Marcelo Camilo (Romeo) y Milagros Castillo (Julieta), entusiastas protagonistas de esta original propuesta.
Las entradas están agotadas, pero quizá pronto haya más funciones. Venta de entradas: Redtickets: https://bit.ly/romeoyjulieta-laexperiencia o en el Espacio Cultural Ignacio Espino Por más información : 098 620 420 / 098 265 041 info@intermediosproducciones.com.uy; www.intermediosproducciones.com.uy
Marcelo Camilo, Ernesto Pérez y Milagros Castillo, en "Romeo y Julieta..."
“Angélica buscó que la obra fuese más atemporal y más rioplatense”
_ En esta obra el público hace un periplo en ómnibus, desciende y continúa recorriendo espacios, experimentando todo tipo de sensaciones y emociones…
Marcelo Camilo:_ ¡Así es! Esta propuesta es bastante fiel al texto de la obra “Romeo y Julieta” creada por Shakespeare. Hay una adaptación realizada por Angélica González, que respeta la perfección dramática de ese autor. Angélica buscó que la obra fuese más atemporal, y quizá más rioplatense.
_ Son Romeo Montesco y Julieta Capuleto, los amantes de Verona, pero…
_ Sí, sin embargo, no los ves quizá como algo tan distante. Se destaca más esa historia que trasciende todos los tiempos y que tiene un contenido tan profundo que impacta.
“Coexisten todo el tiempo el odio y el amor”
_ ¿Cómo fue para ustedes el inicio de los ensayos de esta obra?
Milagros Castillo: _ Estuvimos ensayando desde el año 2020. Dejamos de hacerlo cuando comenzó la pandemia del COVID 19, y después lo retomamos. La obra está encarada desde el amor, pero tenemos que abordarlo también desde la tragedia que viven nuestros personajes.
_ Es una historia de amor trágica…
_…Y coexisten todo el tiempo el odio y el amor. Nosotros encaramos nuestros personajes desde ese lugar. Está la historia romántica, pero Romeo y Julieta siempre están conscientes de lo que se dice y plantea en su entorno. Además, como decía “Marce”, la obra dialoga con lo que ocurre en la época actual.
_ Esos dos amantes deben enfrentar todas las trabas sociales impuestas por la rivalidad irreconciliable existente entre sus familias: los Montesco y los Capuleto.
“Marce” Camilo: _La obra toca la fibra de los impulsos, lo más natural, y tal vez lo más primitivo del ser humano. Aborda también las leyes, las normas que rigen la sociedad. Romeo Montesco y Julieta Capuleto, quieren alcanzar la dicha, pero para lograrla, el camino es doloroso, y ellos lo transitan hasta las últimas consecuencias.
Marcelo Camilo y Milagros Castillo, en "Romeo y Julieta-La experiencia..."ECIE
Trasmisión de simbolismos a través de la expresión corporal y de las emociones
_¿Cómo trabajó Julio Persa con ustedes? ¿Lo hizo con cada uno y luego los juntó? Julio es muy creativo en sus propuestas…
_ Al inicio, participamos un taller de investigación, en el que nos dieron los roles de los personajes principales a cada uno de los actores. Hicimos lecturas de nuestros personajes. Más adelante, empezamos a profundizar en la obra. Nos dedicábamos a los monólogos o a algunos fragmentos… Cada uno de nosotros tenía que descubrir la esencia de su personaje, trasladándolo a lo cotidiano, siempre teniendo en cuenta la poesía del texto.
_ Es una exigencia adicional, el que las escenas se desarrollen en distintos espacios… Deben cuidarse mucho los aspectos visuales de la propuesta.
Sí. Es necesario trasmitir los simbolismos a través de la expresión tanto corporal, como de las emociones. La postura de cada personaje y el espacio en que se mueve, son fundamentales.
Las mujeres en las obras de Shakespeare
Milagros Castillo: _ Shakespeare fue un adelantado en cuanto a la imagen de la mujer en sus obras.
_ Las mujeres en las obras de Shakespeare son poderosas…
_ Es desde ese lugar que encaro mi personaje. Julieta conoce a Romeo, se enamora, pero en ella pesa el hecho de no poder elegir. Le imponen algo y lo debe hacer.
_ Aún hoy existe esa presión de las leyes y de las normas de la sociedad sobre las mujeres, lo que ratifica la atemporalidad de esta obra. Mencionás cómo lo encarás al personaje. ¿Julio les dio libertad en ese aspecto?
_ Sí. Fijaba un marco, una metodología de líneas y diagonales, los aspectos físicos de cada personaje, la postura, pero abría puertas a la interpretación de cada uno.
_ ¿A qué te referís con las “líneas diagonales” de la interpretación?
“Marce” Camilo: _ Todo se sostiene desde la palabra y el gesto. Eso es lo que más trabajamos en el proceso de la investigación, hasta que el personaje fue “in crescendo” en cada uno de en nosotros.
Escena de "Romeo y Julieta- La experiencia de la tragedia"
Muy ricas y gratas vivencias con este gran grupo humano
_ ¿Cuál es el rol de Ernesto Pérez? Siempre estamos expectantes para ver sus actuaciones… Ha interpretado papeles muy disímiles, con mucha convicción.
Milagros Castillo: _ Ernesto encarna a Fray Lorenzo. Él “nos casa”. Es un personaje hermoso. ¡Ernesto es hermoso!
“Marce” Camilo: _ Es muy grato y muy rico a todo lo que uno puede llegar en este tipo de vivencias, con un colectivo como este. Se aprende y se disfruta muchísimo… Sentís un gran sostén cuando te sobrevienen inseguridades. Creo que logramos los objetivos propuestos, gracias a la calidad de este gran grupo humano.
_ ¿Cómo vivieron el estreno y las funciones siguientes? Esta es la 3ª. Temporada de la obra.
_ Ensayábamos en un galpón o en un salón. Antes del estreno, no sabíamos cuál iba a ser el lugar en el que representaríamos la obra.
Milagros Castillo: _: Fue muy importante mantener esa expectativa. El lugar es perfecto.
“Marce” Camilo:_ La gente que vive la experiencia, está inmersa en la historia, porque el lugar lo favorece. La naturaleza y el clima, “son también personajes”. El público recibe todo eso. Un día llovió y fue genial…
_¿Qué otros personajes señalarían?
_ No interactúo con Capuleto, el padre de Julieta, interpretado por Fernando Calzada, pero sí con Teobaldo [hijo del hermano de la Sra. de Capuleto], encarnado por Walter Alonso. Me encanta poder ver el trabajo de grandes actores, entre ellos el de Fernando Calzada [Capuleto].
_ Fernando tiene destacada trayectoria como actor, director y también escribe obras de teatro.
Milagros Castillo:_ La escena que todo el elenco quiere ver, es cuando aparece Fernando, quien interpreta al padre de Julieta, cuando está conmigo o cuando está con Ana Larrondo, que es la Sra. de Capuleto, “mi madre” en la obra. Gisou Plada hace un trabajo muy bueno como “mi” nodriza.
Alejo Martínez es el emblemático personaje Mercucio, amigo de Romeo.
“Marce” Camilo:_ Luisk de León es Benvolio, primo y amigo de Romeo. La obra dura dos horas, pero pasa como un soplo.
Milagros Castillo: _ El recorrido por distintos lugares ayuda a que haya distensiones.
“Marce” Camilo: _ Creo que es muy bueno para el público que esas imágenes y parlamentos cambien de un momento para otro de contexto, de clima, de lugar. El equipo técnico es muy relevante: la coreografía, el entrenamiento corporal, la enseñanza de esgrima, la música, la iluminación…
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Sábado 03/12/ y domingo 04/12/ 2022, al caer el sol. Punto de partida: ECIE. “3ª.Temporada: Romeo y Julieta, de William Shakespeare. La experiencia de la tragedia.” Versión dramática: Angélica González. Producción ejecutiva: Paty García. Dirección general y puesta en escena: Julio Persa. Música original: Álvaro Pérez.Elenco: Ernesto Pérez, Gisou Plada, Alejo Martínez, Ana Larrondo, Luisk de León, Carlos Espinosa, Milagros Castillo, Marcelo Camilo, Fernando Calzada, Walter Alonso. Figurantes: Camila Salles, Ma. Eugenia Rodríguez, Fausto Pérez, Alejandro Garay, Héctor Coppetti, Federico Bentancor. El espectáculo: La persona que adquiere su entrada, debe asistir en el día y horario de la función, a una dirección que establece la producción (ECIE, punto de partida) Allí las personas espectadoras, serán recibidas y asistidas por integrantes del equipo de producción para abordar un ómnibus que las trasladará con el sentido de la vista anulado. Así, se pierde referencia del espacio donde transcurrirá el espectáculo. Una vez arribadas a la locación, las personas recuperan el sentido de la vista.
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